Stanislas Borowitz

Bus Palladium

2010-03-31T00:41:00.000+02:00

Note : 2/4

Bus Palladium !
Le titre me plaisait.
Il agissait sur moi comme la madeleine de Proust.

Rien qu'à son évocation, quelques effluves d'un passé trop lointain semblaient ressurgir...

Quand j'étais jeune, c'était cool d'aller au Bus.

Ca donnait du poids et de la consistance à la personnalité que l'on essayait de se forger pour tenter de séduire maladroitement des filles qui ne succombaient pas assez voire pas du tout.

Il faut dire qu'à l'époque, le Bus Palladium était le dernier club historique de la nuit parisienne alors que le Palace, l'Elysée Matignon allaient, ou venaient de fermer leurs portes.

En allant s'y enivrer le mardi soir car l'alcool était gratuit pour peu d'être bien accompagné, on fantasmait un peu sur les légendaires soirées ayant marquée le fameux numéro 6 de la rue Fontaine.

Des années plus tôt, on aurait pu y croiser les Beatles, boire des verres avec Gainsbourg, devenir ami avec Salvador Dali, découvrir Téléphone, danser avec les Ritas mitsouko ou expliquer à Alain Bashung qu'on lui ressemblait...

C'est parfois dur d'être né après la guerre !!!

Malgré tout, le Bus était peut être encore le dernier fief rock de la nuit parisienne à cette époque ou même le Gibus avait débranché les guitares de ses amplis pour y connecter des tables de mixage boostant le son d'une trance à 130 BPM.

Et moi j'aimais et j'aime toujours le Rock.

Le Rock et le Bus ont eu des destins liés jusqu'au milieu des années 90.

Durant les eighties, les cérémonies des "Bus d'acier" (sorte d'oscar des groupes de rock français) s' y déroulaient et récompensaient des artistes majeurs comme Bashung, les Ritas Mitsouko, les Béruriers Noirs, la Mano Negra, Noir Désir ou FFF à l'orée des années 90 avant de disparaitre en tombant dans l'oubli provoqué par la fièvre amnésique de raves party sans âmes.

Avec son film Bus Palladium, Christopher Thomson a voulu ressusciter les heures de gloires du Bus dans les années 80 en suivant de l'intérieur la trajectoire d'étoile filante d'un groupe de Rock.

De ses débuts prometteurs à son explosion en plein vol, Thomson nous emmène sur la route et nous fait découvrir ou redécouvrir les aléas d'une bande de jeunes à cheveux longs qui se rêve en Rolling Stones et qui se brulera les ailes dans la fièvre créatrice, les querelles intestines, les bras des groupies, les psychotropes, le business, la perte de l'innocence et la mort.

Si l'aventure de cette bande de jeune se suit avec plaisir, elle le doit à ses interprètes dont ne peut qu'émerger la magnifique et vénéneuse Elisa Sednaoui.

Cependant aussi divertissant soit-il Bus Palladium n'atteint jamais le niveau et l'intensité du Péril Jeune.

Pire, le coté Madeleine de Proust fantasmée que j'évoquais il y a quelques lignes est totalement absent.

Si le film est censé se dérouler dans les années 80, on ne s'en rend pas compte puisque rien ou presque rien ne nous le rappelle, à part les fameux "trois jours à Blois".

Le Bus n'est qu'évoqué et le groupe imaginaire "Lust" ne ressemble en rien à ce qui se faisait alors.

Au milieu des 80's, le Rock Français, appellation aussi anachronique soit-elle, connaissait l'avènement de la scène alternative.

Le rock de l'époque rimait avec la rage des singles et des concerts de Téléphone, de Lucrate Milk, des Dogs puis des Beruriers Noirs, du Cri de la mouche, de la Souris Déglinguée, des Porte Mentaux, de la Mano Negra, des Wampas, des Satellites et autres Washington Dead Cats ou Happy Drivers.

Ces groupes étaient composés pour la plupart de punks et de marginaux ayant fait leurs armes lors de concerts chaotiques dans les MJC des banlieues rouges ou des squats comme celui, légendaire, de la rue de Pali Kao près de Belleville.

Le groupe du film, "Lust", est à l'opposé de tout cela !!

Il ressemble d'avantage aux fameux groupes de Baby Rockers parisiens qui animent le Tryptique, le Klub ou le Gibus depuis quelques années.

Musicalement "Lust" sonne comme un ersatz des BB Brunes, des Naasts, Shades et autres Plastiscines.

Un ersatz plutôt réussi d'ailleurs que l'on doit au superviseur musical du film Yarol Poupaud qui fut le guitariste de l'un des derniers lauréats du Bus d'Acier (FFF) et qui est désormais le mentor musical pour toute cette génération de jeunes branleurs.

Comme les branleurs de ces groupes, les jeunes de "Lust" sentent d'avantage l'eau de cologne des beaux quartiers plutôt que la bière de la fête de l'huma des années 80.

Ce n'est d'ailleurs en aucun cas un reproche mais la simple constatation que Christopher Thomson s'est trompé d'époque et que son film est d'avantage un hommage à la scène rock actuelle qu'à celle des eighties.

Ces considérations mises à part, Bus Palladium a quand même de quoi faire triquer les jeunes ados du film LOL.

Pour les autres, Bus Palladium aura la saveur d'un Canada Dry quand le Péril jeune avait l'impact d'un shot de tequila frappée.

Il n'aura jamais la drôlerie d'un film comme Mes meilleurs copains qui traitait exactement du même sujet à une autre époque.

C'était la fin des sixties et le début des seventies et le groupe du film s'appelait "Gangrène Plastique".

Il tentait de changer le monde en s'adressant aux ouvriers exploités des usines avec un tube de mayonnaise et des filles aux seins nus avant d'imploser à la suite de leur confrontation avec le "bizness" à la Lou Bill Baker (Il faut voir Mes meilleurs copains pour comprendre).

Mais ça c'est une autre histoire, et une bien meilleure d'ailleurs.

Une éducation

2010-03-20T16:00:00.003+01:00

Note : 2/4

Fallacieusement vendu en France comme la nouvelle adaptation de Nick Hornby après l’excellent High fidelity avec John Cusack et Pour un garçon avec Hugh Grant, Une éducation est en réalité l’adaptation au cinéma de l’autobiographie de la journaliste anglaise Lynn Barber.
Nick Hornby n’étant que le responsable de l’adaptation au cinéma de ce roman.

Il signe une adaptation probablement fidèle au texte d’origine (que je n’ai pas lu) car on ne retrouve son humour si particulier et tellement irrésistible que par parcimonie au détour d’un dialogue par ci par là.

Les fans de l’auteur des cultissimes Fever pitch et High fidelity en seront donc pour leur frais puisqu’ils ne retrouveront pas les métaphores footballistiques désopilantes et les tchatches "tarantinesques" sur la musique qui sont la marque de fabrique de Nick Hornby et de son humour british décapant.

Passé cette déception, on se laisse toutefois entrainer dans ce Londres du début des années 60. Les écolières sont en uniformes, les jeunes hommes sont vêtus de costumes cintrés, les filles en robes sixties.
Tout ce petit monde fume des cigarettes anglaises au volant de ces voitures de sport luxuriantes, qui ne ressemblent heureusement en rien aux Ferrari et Porsche bling bling d’où s’échappent d’insupportables mélodies de Rn'B que l’on a le malheur de croiser de nos jours aux hasards des rues.

Ce Londres qui n’est pas encore le fameux "swinging London" est le théâtre de la rencontre entre Jenny, une adolescente de 16 ans, brillante et charmante, qui prépare son concours d’entrée à Oxford, et de Peter, un play boy de 35 ans.
Eblouie par cet homme et ses amis qui lui feront découvrir la musique, les grands restaurants et l’emmèneront en voyage dans un Paris fantasmé, Jenny tombe amoureuse de cet homme de 20 ans de plus qu’elle.
Elle lui offrira son innocence tout en sacrifiant ses études pour finalement se réveiller au milieu d’illusions perdues.

Ce passage à l’âge adulte est particulièrement bien raconté et filmé mais on retiendra avant tout l’excellente interprétation de Jenny par Carey Mulligan dont le charme, le regard et le petit rire mutin sont particulièrement craquants.
C’est une véritable révélation pour cette actrice que l’on avait croisée furtivement dans la dernière adaptation d’Orgueil et préjugés et que l’on retrouvera avec grand plaisir dans l’une des grosses attentes de l’année : Wall street 2 Money never sleeps (film dans lequel elle a rencontré son conjoint : le bizarrement nommé Shia Labeouf).

On notera aussi la très bonne interprétation de la magnifique Rosemund Pike en Bombe sixties écervelée, le charisme de Peter Sarsgaard et son sourire de faux jeton ainsi que le charisme certain de Dominic Cooper en dandy british malveillant.

Tout cela apporte une saveur aigre douce à ce petit film réussi dont le sujet est somme toute assez banal.
Cependant cette saveur s’atténuera assez vite tant la portée de ce film est mineure.

Shutter Island

2010-03-20T13:57:00.000+01:00

Note : 2/2

N’arrivant plus à vivre l’un sans l’autre Leonardo Di Caprio et Martin Scorcese signent avec Shutter island leur quatrième collaboration d’affilée depuis le début des années 2000.
Léonardo est encore loin de Robert de Niro qui a tourné huit fois avec Martin Scorcese de 1973 à 1995 parmi ses films les plus marquants (Mean streets, Taxi driver, Raging Bull, Casino et Les affranchis).

Néanmoins cette association entre Scorcese et l’un des acteurs les plus "bankables" du moment permet à Martin Scorcese de financer sans trop de problème tous les projets qui lui tombent sous la main avec des budgets plus que confortables.

Si l’on a été emballé par Les infiltrés, on a été nettement moins fasciné par Gangs of New York et ses grands chapeaux ridicules et par Aviator qui ne dépassait qu’à peine le biopic luxuriant de base malgré une mise en scène sans failles.

Malgré ce bilan mitigé des dernières années, on court toujours voir les films de Scorcese car il reste malgré tout l’un des plus grands cinéastes vivants.
Il sait en effet mieux que personne raconter une histoire aussi alambiquée soit-elle par sa maitrise de l’image, du montage, de la narration, et de l’illustration musicale et des personnages hors du commun.
On se souvient avec émotion du noir et blanc et du ralenti de Raging Bull, de la voix off et de la bande originale des Affranchis, du fameux plan séquence de Casino expliquant le fonctionnement d’un casino, des rôles hors du commun de de Niro dans Taxi driver ou de Joe Pesci dans Les affranchis et Casino.

Malgré toute cette maestria, Marty a aussi commis des films plus discutables comme A tombeaux ouverts, Les nerfs à vifs, Kumdun ou les deux premiers Di caprio qui n’ont emballé que les fans les plus intégristes de son cinéma.

Qu’allait-il en être de Shutter Island, cette adaptation d’un best seller ayant apparemment marqué bon nombre de lecteurs lors de sa parution en 2003 ?

L’enquête que mènent deux Marshall fédéraux sur la mystérieuse disparition d’une patiente d’un hôpital psychiatrique pour dangereux criminels sur une ile isolée va vite tourner en un thriller horrifique baigné de paranoïa et de schizophrénie.

Si l’interprétation et la mise en scène sans failles réussissent la prouesse de rendre les arcanes tortueuses de cette intrigue digne d’un labyrinthe complètement audible pour le spectateur, la noirceur extrême du sujet nous plonge dans un abyme de pessimisme et d’horreur à grand coup de massue.

Le plaisir qui en ressort est donc plus que discutable.
Lorsqu’on est devant des chef d’œuvres absolus comme Shining ou Appocalypse Now portés par des séquences à couper le souffle, on y trouve son compte car il en ressort un esthétisme et une ambiance proche du fascinant.
Ce n’est à mon sens pas le cas dans Shutter Island qui malgré tout le talent de son auteur n’arrive pas à obtenir ce petit plus propre aux très grands films d’épouvante qui pousse le spectateur au-delà du scénario et de ses vivicitudes.

L’association Caprio / Scorcese nous offre un film carré, mais qui ne décolle malheureusement pas au dessus de sa sinistre histoire et c’est bien dommage...

Valentine's day

2010-03-04T01:28:00.000+01:00

Note : 1/4

Il ne fallait pas réfléchir trop longtemps pour se rendre compte que la Saint Valentin pouvait être un bon sujet pour des comédies romantiques.
Bizarrement jusque là, la Saint Valentin s’était contenté d’être le prétexte d’un film de "slasher" de seconde zone il y a une dizaine d’années.
Mortelle Saint Valentin mettait en scène un tueur qui profitait du 14 février pour décimer une par une les filles qui l’avait ridiculisée au collège quelques années plus tôt.
Pas grand-chose à retenir de cette série presque Z qui mettait en scène Denise Richards et ses implants mammaires laracroftiens dont l’inoubliable prestation en James Bond girl, docteur en astro physique, dans Le monde ne suffit pas, fait encore bien rigoler tous les fans de l’agent 007.

Il n’en fallait donc pas beaucoup plus pour que Garry Marshall, réalisateur spécialisé dans la comédie à l’eau de rose (Prety woman, Just married ou presque) s’empare de la thématique du 14 février.

Probablement financé par le conglomérat des fleuristes des États Unis, Marshall réunit un casting fleuve de spécialistes des films où on se dit je t’aime à la fin pour porter son projet.
On retrouve donc Julia Roberts, Bradley Cooper, Patrick Dempsey, Ashton Kutcher, Jessica Biel, Anne Hattaway, Jennifer Gardner, Shirley Mc Lane dans leur registre de prédilection.
Il ne manque que Meg Ryan, Hugh Grant et Richard Gere...

Pour mettre en scène tout ce petit monde Gary Marshall nous fait le coup de la transposition de Love Actually à Los Angeles le jour de la St Valentin plutôt que Noël à Londres.

Le problème c’est que le résultat de cette comédie chorale ou tout le monde se croise à un moment ou un autre est loin d’être au niveau de Love Actually dans lequel le British humour faisait des ravages et dont les histoires et les personnages et les histoires étaient beaucoup plus recherchées.

Valentine’s day nous offre des personnages et des émotions dégoulinants de mièvrerie et de politiquement correct et prend des allures de film de propagande et de cas marketing.

A en croire ce film, il fait bon vivre aux États Unis puisque tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil.

Los Angeles semble être une ville magique ou n’existent que de splendides villas peuplée de top models exerçant des professions aussi diverses que maitresse d’écoles, fleuriste, assistante, sportif de haut niveau, opératrice de téléphone rose. La palme revenant quand même à Julia Roberts qui est Sergent dans le corps des Marines.
Les quelques rares personnes au physique moins avantageux sont toutes acariâtres et désagréables.

Tout ce petit monde se croise et finit par s’aimer le soir du 14 février qu’ils soient blancs, noirs, indiens, hétéro, gay, jeunes ou vieux.
Les violons, les larmes et le bon esprit sont de rigueur.

Par certains coté, le film fait même un peu peur !!!
En effet le film est aussi un document sur ce que peut être la Saint Valentin aux USA.
Comment peut-on tomber dans le panneau commercial et futile de cette fête artificielle à ce point là.
Que le ciel nous épargne de sombrer dans cet abime de mièvrerie en France.
En même temps c’est assez fort car les vendeurs de cartes et les fleuristes ont encore trouvé un moyen de se faire de l’argent avec une fausse fête traditionnelle.

Vive le marketing !!!

Wolfman

2010-03-02T00:50:00.000+01:00

Note : 1/4

Comme Sherlock Holmes, Dracula, Frankenstein ou Robin des Bois, le loup garou est un personnage récurant du septième art.
Il réapparait à peu près tous les dix ans au gré de la pleine lune et des nouvelles générations avides de lycanthropie.

Sa première apparition remonte à 1935 avec Le monstre de Londres mais c’est la version de 1941 du Loup garou de Londres qui posera les codes du genre grâce notamment à la prestation de Lon Chaney Jr. qui est un peu au Loup Garou ce que Boris Karlof est à Frankenstein. Il reprendra plusieurs fois le rôle dans de multiples aventures assez discutables ou il finira même par affronter Frankenstein.

Le loup garou fit son retour plusieurs fois, mais ses come back les plus marquants sont sans nul doute Le loup garou de Londres de John Landis du début des années 80 qui marquera beaucoup Michael Jackson et son clip de Thriller.
Wolf donne à Jack Nicholson l’occasion de se transformer les soirs de pleine lune sous les beaux yeux de Michele Pfeiffer.
La série de films gore Hurlements mettra aussi en scène des loups garous pendant 7 films.
Dans les pénibles Underworld et Van Heisling, ils ne sont que des guest stars.
C’est donc depuis sa visite à Paris au début des années 90 qui l’avait vu côtoyé Julie Delpy et Thierry Lhermitte que l’on avait perdu sa trace sur les grands écrans dans sa forme traditionnelle.

2010 voit donc le retour de la bête.
C’est une production d’ampleur qui célèbre son retour en grande pompe. Avec un casting multi-oscarisé réunissant Benicio del Toro et Anthony Hopkins, cette énième version est un remake du fameux film de 1941.

On est donc plongé en pleine Angleterre du XIXème siècle, ou un homme revient enquêter sur la mort de son frère survenue dans des circonstances étranges un soir de pleine lune.
Son enquête lèvera le voile sur une terrible malédiction familiale et le plongera dans l’enfer de la lycanthrope malgré la passion amoureuse qui le liera avec la belle Gwen.

C’est donc un remake très fidèle au film de 1941 que nous propose le réalisateur.
C’est aussi l’occasion de rendre hommage au cinéma de la Hammer avec de gros moyens de 2010.
On retrouve l’esthétique gothique du célèbre studio. On retrouve la lande bien sinistre du Chien des Baskervilles. Tout cela mettant en scènes des aristocrates patibulaires.

Les effets spéciaux modernes rendent la bête terrifiante et offre au spectateur des scènes d’action sanguinolentes assez réussies.

Pourtant malgré tout cela le compte n’y est pas.
Si Anthony Hopkins nous ressert une fois de plus le classique de son fond de commerce avec le rôle d’un aristocrate anglais qui fait froid dans le dos, on ne croit pas une seconde au personnage de Benicio del Toro.
En effet, s’il n’était pas le producteur du film, on serait clairement dans l’erreur de casting absolue.
Malgré tout son immense talent Benicio del Toro ne sera jamais crédible en lord anglais victorien lui qui ressemble tant à un narco trafiquant ou à Pancho Villa.

De plus, malgré des qualités esthétiques évidentes, le film n’apporte rien de neuf au mythe.
Pire on ne croit même pas à l’histoire d’amour qui doit ramener de l’humanité dans l’histoire.

On est loin de la relecture de Dracula par Copolla ou même de celle de Sherlock Holmes par Guy Ritchie.

Le film finit donc par sonner un peu creux sans être fondamentalement mauvais mais laisse le spectateur assez indifférent.
Clairement on n’ira pas voir la suite qui nous est clairement annoncée dans les dernières minutes si un jour elle a la chance d’être produite.

From Paris with love

2010-03-01T00:12:00.001+01:00

Note : 3/4

On pouvait craindre le pire de ce From Paris with love !!
Le mix Travolta + film d’action + scénario écrit sur un ticket de métro par Luc Besson pouvait dangereusement évoquer les méfaits les plus pathétiques d’Europa Corp. (Wasabi, Le transporteur, Yamakasi...).

C’était sans compter sur l’indéniable talent du réalisateur Pierre Morel.
Déjà remarqué sur Taken, Pierre Morel a la faculté rarissime de faire passer des vessies pour des lanternes.

En effet, il arrive à accrocher le spectateur dans ce film d’action "old school".
On est devant un "buddy movie" où deux agents tentent de remonter une filière et de déjouer un attentat terroriste visant une délégation américaine en plein Paris.
Bien sûr au-delà de son claim le scénario nous emmène sur une enquête qui oppose nos deux protagonistes tour à tour à la mafia chinoise, la mafia pakistanaise, des gangs de banlieues avant de terminer sur les fanatiques islamistes qui, une fois n’est pas coutume, arrivent à recruter des top models pour jouer les martyrs kamikaze.

Les deux héros, que bien évidemment tout oppose, ont bouffé du lion et retournent littéralement tout Paris à coup de revolver, et de bazooka.

On est dans le grand n’importe quoi mais cela n’a aucune importance !!

Pas crédible une seule seconde, bourré d’invraisemblances le scenario de From Paris with love est en réalité un prétexte pour enchainer les scènes d’actions les plus musclées et les plus délirantes qui soient avec des cascades époustouflantes.

La patte de Pierre Morel fait qu’on ne se retrouve pas dans un ersatz du Transporteur mais dans un film d’action complètement régressif mais hyper distrayant comme on en voit presque plus.
On est dans l’esprit des Armes fatales, des Die hard, du Dernier samaritain, de Tango et cash et d’Ultime décision...
Bref on est assez loin des blockbusters actuels ou une scène d’action rime forcement avec effets spéciaux et explosion nucléaire filmés en caméra portée avec un montage stroboscopiques.
On est dans un esprit castagne, gunfight un peu bourrin assez éloigné du style de vie des Windsor mais particulièrement jouissif pour peu qu’on apprécie le genre.
On s’accroche au fauteuil en comptant les morts tout en rigolant bêtement aux vannes des personnages principaux.
L’opposition entre un Travolta et son personnage de tueur nettoyeur azimuté bouffant des "Royal cheese" (clin d’œil) et Rhys Meyer en jeune diplômé dépassé par les évènements trimbalant un vase rempli de cocaïne dans tout Paris comble avec bonne humeur les rares moments de calme de cette aventure.

Vous l’aurez compris, les inconditionnels de films d’auteurs, de Kiarostami et d’Alain Resnais ne se reconnaitront pas dans cette déflagration de Pierre Morel.
On est dans du pur "B Movie" bête et méchant qui se suffit à lui-même.
Mais Pierre Morel nous offre une nouvelle fois un excellent "B movie" en ne partant de presque rien et en ne pouvant compter que sur son talent.
En occultant la moindre longueur, en imprégnant un rythme constant, en signant des scènes d’actions aussi magistrales que brutales il arrive à faire prendre cette mayonnaise aux ingrédients pourtant bien avariés... Que ce soit le casting ou le scénario !

Dans son prochain film, ce sera différent.
Il bénéficiera d’un vrai scénario et de moyens énormes.
Son prochain film suscitera une attente toute autre qu’une série B d’action (aussi bonne soit elle).
Son prochain film est déjà attendu par de nombreux fans.
Son prochain film ne sera ni plus ni moins qu’une nouvelle adaptation de… Dune…
Avis aux amateurs !!!!

Sherlock Holmes

2010-02-24T00:53:00.002+01:00

Note : 4/4

Le célèbre détective de Baker Sreet est l’un des personnages récurrent du 7ème Art.
Les adaptations de ses exploits se comptent par dizaine depuis le début du XXème siècle que ce soit au cinéma ou à la télévision.
La plus marquante à mes yeux est sans nul doute l’adaptation du Chien des Baskerville par la Hammer avec Peter Cushing dans le rôle du détective.
Sherlock Holmes contre Jack l’éventreur, La vie privée des Sherlock Holmes, Meurtre par décret et Sherlock Holmes attaque l’orient express sont aussi de bon crus même s’ils ne révolutionnent pas grand-chose dans le mythe Holmesien.

Le mystère de la grande Pyramide de Barry Levinson est un film produit par Steven Spielberg qui revisite allégrement et avec bonheur le mythe en se concentrant sur la jeunesse d’Holmes et ses rencontres avec le Docteur Watson et le sinistre professeur Moriarty.

On ne peut passer sous silence les adaptations d’une dizaine enquêtes d’Holmes avec Basil Rathbone entre 1939 et 1946 qui ont longtemps été la référence absolue même si elles sont aujourd’hui un peu désuètes.

A la télévision, Holmes est apparu lors de nombreux téléfilms ou séries.
Christopher Lee, Roger Moore, Peter Cushing, Matt Fewer ont tenu le rôle, mais le plus marquants a sans doute été Jeremy Brett dans une série fleuve considérée en terme d’interprétation des personnages comme la plus fidèle à l’univers de Conan Doyle.

Des versions en dessin animées ont été faite dont une par Walt Disney avec Basil détective privé et une par Myasaki sous la forme d’une série ou le célèbre détective porte les traits d’un renard.

Malgré toutes ces adaptations, Holmes était absent des écrans depuis une grosse vingtaine d’années.
L’annonce de son retour aux affaires sur grand écran n’a pas manqué d’aiguiser la curiosité du fan que je suis.

Pourtant les premières infos distillées sur les blog et forums n’étaient pas enthousiasmantes.
Là ou on espérait voir Billy Nighy en Holmes et Kenneth Brannagh en Watson, Guy Ritchie nous annonçait le recrutement de l’américain cocaïnomane Robert Downey Junior et du play boy Jude Law pour tenir les rôles d’une adaptation moderne en rupture avec les codes habituels de l’univers d’un Holmes traditionnel.

L’inquiétude atteignait son comble lors de la parution des bandes annonces qui semblaient nous promettre un Holmes cuisiné à la sauce super héros avec un zest d’Underworld et d’Arme fatale.

C’est donc assez fébrilement que l’on prenait place dans une grande salle des Champs Elysées pour voir réellement ce qu’il en était.

Contre toute attente le film de Guy Ritchie est excellent.
C’est un blockbuster réussi, divertissant, bien rythmé, bien interprété et effectivement résolument moderne dans son traitement visuel et en rupture avec la vision du Holmes victorien.

Robert Downey Junior campe un Holmes attachant, vif, bagarreur, plein d’humour et assez jeune. Jude Law révolutionne l’idée que l’on a du Docteur Watson en incarnant un séduisant homme d’action à rebours du rat de bibliothèque que l’on avait coutume de voir dans les films de Sherlock Holmes.

Visuellement, Guy Ritchie nous offre un Holmes spectaculaire avec des effets Matrix et des découpages et de micros flash back ou retour en arrière dans tous les sens afin de bien refléter l’agilité mentale de son personnage, tout en menant en bateau le spectateur

De plus malgré tout se modernisme, force est de constater que l’esprit et ce que l’on aime dans les aventures de Sherlock Holmes est bel et bien là.

L’intrigue est elle aussi au niveau. Elle est si bien menée que le spectateur y perd son latin et comme Holmes et Watson ne sait plus s’il s’agit d’une énigme rationnelle ou totalement fantastique.

Du coup on ne s’ennuie jamais dans ce pur film de divertissement à l’esprit bande dessinées et comics book assumé qui ravira plusieurs générations de fans et qui je l’espère fera découvrir ce fascinant personnage à une nouvelle génération.

Le Sherlock Holmes de Guy Ritchie dépoussière le mythe et donne une version aussi intéressante et novatrice que celle qu’a pu donner Christopher Nolan a avec son Batman begins.
On en redemande !!!!

La princesse et la grenouille

2010-02-21T18:08:00.002+01:00

Note : 4/4

Cela n’a l’air de rien, mais La princesse et la grenouille est un évènement !!
Certes un nouveau film de Disney est toujours un évènement.
Bien sûr, avoir une héroïne Black quelques mois après l’élection de Barrack Obama est un signe qui ne trompe pas sur l’identité américaine en ce début de XXIème siècle.
Mais à mes yeux l’évènement se situe ailleurs !!

La vraie révolution de ce nouveau Disney est un retour en arrière.
En effet à l’heure ou animation rime avec Pixar et la 3D, les studios Disney s’offre le plus beau des retours en arrière : Ils reviennent à la 2D et à l’animation traditionnelle.

On se rend compte devant ce film particulièrement réussit combien les couleurs chatoyantes et la chaleur des personnages de dessins animées nous manquaient.

Bien sûr, Pixar, c’est bien, inventif, novateur, révolutionnaire, drôle et bourré d’idées, mais la 2D de la princesse et la grenouille a des allures de madeleine de Proust.
Clairement les personnages 2D (Mowgli, Blanche Neige, Jasmine, Peter Pan, …) sont plus vivants et ont d’avantage de charme que n’en n’auront jamais Shreck, et les personnages de Toy Story.

Au-delà de cet aspect esthétique, La princesse et la grenouille est une vraie réussite.
C’est de très loin le meilleur Disney depuis Le roi lion.
Il faut dire que le célèbre studio nous avaient particulièrement déçus ces dernières années avec bon nombre de film ratés et assez loin de l’idée qu’on se fait de la magie de Disney.
Tarzan, Le bossu de notre dame, Kuzco, l’empereur mégalo, Hercule, l’Atlantide ont été des échecs à tout point de vue.

On avait même peur que Disney ait oubliée la recette de ses films et ne soit plus qu’un sinistre vendeur de produits dérivés ou un gestionnaire cupide de Parc d’attraction.

La princesse et la grenouille nous prouve le contraire.
Dans ce conte qui prend place à la Nouvelle Orléans, ou une jeune servante se transforme en grenouille après avoir embrassé un prince lui-même transformé en grenouille, le spectateur est transporté dans une vaste odyssée qui le verra traverser le bayou, rencontrer des personnages hauts en couleurs, rire, pleurer comme à la grande époque.

Coup de chance, le film se déroulant à la nouvelle Orléans, l’accent musical est mis sur un jazz certes édulcoré, mais bien vivant qui marque une solide rupture avec les terrifiantes chansons des derniers films interprétées par des clones au vibrato gonflé à la testostérone de Céline Dion ou de Maria Carey.
On ne peut que s’en réjouir.

La princesse et la grenouille célèbre donc le grand retour de Disney et ravira les enfants et leurs parents, mais peut être un peu plus les filles que les garçons.

Gainsbourg (vie héroïque)

2010-02-21T16:46:00.003+01:00

Note : 3/4

Peintre, musicien , écrivain, compositeur, réalisateur, auteur, acteur, showman, homme à femme, juif, père de famille, alcoolique, cultivé, désespéré, drôle, énervant, laid, sale, talentueux, scandaleux, génie, voleur, dandy, obsédé, sympathique, généreux, schizophrène, menteur, affabulateur, sensible, paresseux, fumiste, fumeur, provocateur...

Les qualificatifs ne manquent pas pour ce personnage qui a marqué son temps et qui le fascine encore les gens 20 ans après sa mort.

20 ans il n’en fallait pas plus pour qu’un film biographique lui soit consacré.

Le biopic contrairement aux idées reçues n’est pas une spécialité hollywoodienne. Cela dit les sommets du genre sont souvent américains.
C’est un genre ultra codifié (enfance, traumatisme, succès, traumatisme, come back et postérité) dont le résultat semble toujours un peu surfait ou le traitement un peu édulcoré par rapport à l’idée qu’on se fait du protagoniste.

Faire un film de deux heures sur Serge Gainsbourg et ses multiples facettes relevait clairement de la mission impossible tant le personnage est complexe et encore bien présent dans la conscience collective.

Pour cela, il fallait trouver l’acteur qui relèverait la mission d’incarner l’homme à tête de chou.
Ce défi est relevé au-delà de toutes les espérances grâce à une performance ahurissante de l’inconnu Eric Elmosnino qui fait oublier au spectateur qu’il n’est pas le grand serge.

Le reste du casting est d’ailleurs sans failles. Tous les acteurs sont plus que crédibles, de Mougalis à Philip Katerine, mais la palme revient sans doute à Lætitia Casta qui transfigure le coté Iconique de Brigitte Bardot.

Pour ce qui est de la vie, le réalisateur et auteur de BD Jeannot Swarc a prit la décision de ne pas s’imposer les barrières de la reconstitution fidèle dont il ne serait pas sorti indemne.

Le film tente de nous expliquer quel homme était Serge Gainsbourg.
L’idée est de montrer à travers quelques moments choisis, fantasmés, caricaturés ou édulcorés ce qui le faisait avancer, ce qui le rendait si séduisant, si provocateur et si torturé tout en montrant l’ampleur de son œuvre.

De sa plus tendre enfance jusqu’à ses derniers jours, Jeannot Swarc rend palpable la schizophrénie de Gainsbourg et de son double Gainsbarre en l’illustrant par une grosse marionnette qui agit sur le personnage tel un petit diablotin rouge qui passe son temps à vous entrainer du coté obscur. Très présent lors des jours sombres, ce double n’est jamais bien loin lors des grandes heures.

Jeannot Swarc nous montre un personnage désespérément humain, bourré de valeurs mais totalement décalé, au verbe lapidaire, au second degré omniprésent et à l’humour au vitriol.
Tout cela renforcé par son coté dandy rive gauche et son génie créatif dépeint un personnage hors norme et fascinant, qui explique aisément son succès auprès du public et des femmes.

Le film rend aussi hommage à l’œuvre de Gainsbourg à travers les larges extraits de ses chansons brillamment réinterprétés mais aussi grâce à la transposition de l’univers de ses chansons dans les décors du film.

Quand il va chez le coiffeur, on est "chez Max coiffeur pour Homme".
Melody Nelson n’est jamais loin des groupies qui pullulent lors de la période sixties...

Tout cela donne un film singulier très poétique qui s’approche plus du film d’auteur que du gros blockbuster boursouflé et sans âme à la Ray ou à Walk the line.
A y regarder de plus près, l’esthétique du film est même assez fascinante. Son coté cliché ne dessert jamais le film. Au contraire, il le renforce.

Au-delà de ses qualités, le film ne fera pas forcement mouche puisqu’il décevra beaucoup de spectateurs qui ne seront pas sensibles à la poésie, à l’esthétisme et au coté décalé du film et qui ne veulent que découvrir ou revoir tel qu’ils en ont le souvenir ce personnage incontournable de la culture française du XXème siècle.
A ceux-là, on conseillera un bon documentaire sur la star, ce qui n’est pas très compliqué à trouver ou la lecture l’excellente biographie de Gilles Verlant.

Ou sont passés les Morgan

2010-01-31T23:07:00.003+01:00

Note : 1/4

On a tous des faiblesses pour certains acteurs, réalisateurs, chanteur, films…
Parfois ces faiblesses sont totalement inexplicables et sont parfois même totalement coupables.
De manière inexpliquée, certains personnages bénéficient d’une impunité totale.
Une impunité qui perdure contre vents et marées et qui finit par devenir totalement irrationnelle.
Si la liste n’est pas démesurée, elle est tout de même assez longue.
Christophe Lambert est un de ceux-là.
Longtemps je lui ai tout pardonné. Fasciné par son début de carrière tonitruant (Tarzan, Highlander, Le sicilien, Subway), son succès des deux cotés de l’atlantique et son capital sympathie légendaire, je suis resté un fan assidu. Je lui ai souvent trouvé des excuses dans des films inexcusables (Fortress, Deux doigts sur la gâchette, Why me, Résurrection).
Je suis l’un des principaux ambassadeurs de certains de ses films que je considère limite comme des trésors cachés (Max et Jérémie, La proie, Le sicilien). J’ai même trouvé la patience de voir certains de ses films directement sortis en vidéo (Adrénaline, Roadflower, Gideon, Gun men).
Seuls Vercingétorix et Beowulf sont venus à bout de cet entêtement.
Sa liaison avec Sophie Marceau est une sorte de revanche à mes yeux car elle montre à qui en doutait que notre Lambert national n’est pas dépourvu de ressources.

Depuis son cultissime Zoolander, Ben Stiller est de ceux là aussi. Sa bouille me fait rire.
Je suis fan même du plus mauvais de ses films. Je vais voir Les nuits aux musées. Je kiffe ses comédies romantiques, Polly et moi et sa fameuse scène de retour de restaurant indien inclus.

Plus jeune, je me passionnais sincèrement pour les aventures du Colonel Bradock et de la Delta Force de Chuck Norris. Du coup j’aime Chuck Norris presque autant que Christophe Lambert. Seules ses prouesses de vendeur de matériel de culturisme sur le télé-achat et le Walker Texas rangers ont eu raison de ma dévotion.
Mais je prends encore mon pied devant Invasion USA, même si je l’apprécie différemment.

D’autres comme Sean Connery ou Harrison Ford sont pour moi pardonnés de tout même de Haute voltige et de Fire wall.
Hugh Grant a une place de choix au milieu de cette distribution prestigieuse.
Bien que totalement hétéro sexuel, je suis comme beaucoup sous le charme de Hugh Grant.
Ce mec me plait avec son allure british, ses costumes de chez Hackett, sa fausse timidité, sa maladresse légendaire et son humour auto flagellatoire plein de second degré.
Souvent je me dis que ce doit être quand même plus facile avec les filles quand on est Hugh Grant. Je verrai d’ailleurs d’un assez bon œil le fait de me réincarner en Hugh Grant si j’étais bouddhiste.

Je ne rate aucun de ses films, pire j’y trouve presque mon compte à chaque fois.
Je jubile devant 4 mariages et un enterrement, Coup de foudre à Notting Hill, Love actually ou Pour un garçon qui sont à mes yeux ses meilleurs films.
Je trouve plein de circonstances atténuantes au Come back, American dreamz ou L’amour sans préavis. Je supporte Bridgett Jones et Raisons et sentiments. Je suis l’un des seuls spectateurs au monde à avoir trouvé son seul et unique film d’action Mesure d’urgences pas si mauvais que ça.
Je suis toujours content de le voir dans des films de jeunesse ou on ne l’attend pas forcement comme Maurice, Lune de Fiel, Les vestiges du jour ou L’anglais qui gravit une colline.
Bref je ne suis pas objectif devant un film de Hugh Grant, mais je l’assume.

Fainéant assumé, Hugh Grant ne se foule plus depuis longtemps et vit allègrement sur son capital sympathie et ses irréductibles fans.
Malgré ses 50 ans et le fait qu’il n’est plus un jeune premier son coté séducteur est intact et pourrait sans peine déclencher des émeutes beatlessienne dans une boite de nuit le soir des résultats du baccalauréat.

De moins en moins présent au cinéma, Hugh Grant ne sort de sa tanière que pour relever les compteurs.

C’est avec Ou sont passés les Morgan qu’il vient ces jours ci recharger son compte en banque avec beaucoup de désinvolture et un sourire charmeur.

La guest star est incarnée par l’ignoble Sarah Jessica Parker qui pousse son rôle d’intégriste New Yorkaise encore plus loin que dans Sex in the City. Elle forme un couple au bord du divorce avec un avocat anglais qui met toute son énergie à recoller les morceaux.

A la suite d’un meurtre, le couple se retrouve pourchassé par un tueur à gage et doit se réfugier en plein cœur du Wyoming.

On assiste alors à un pale remake de Bienvenue chez les Chtis qui voit ces new yorkais végétariens addicts à leur Iphone et à leur psy plongés au beau milieu des rodéos qu’organisent des cowboys faisant des barbecues sur de la musique country au milieu du mid-west.

Clairement le film est débile et n’a absolument aucun intérêt à part celui de voir les deux têtes d’affiches cabotiner à l’extrême dans leur registre favori.

On est donc dans le service minimum pour Hugh Grant dans ce film réalisé par son pote Mark Lawrence qui avait déjà mis en scène le Come Back.

Les mimiques et les blagues décalées de Hugh Grant arriveront à donner un semblant d’intérêt à ce nanard. Encore faut-il comme moi les apprécier.
1 sur 4 quand même car je ne suis pas objectif.

Mr Nobody

2010-01-30T14:03:00.003+01:00

Note : 3/4

Un Ovni est un film comme on n’en voit pas ou peu que ce soit dans sa forme, ou dans son propos. Il peut être compris ou incompris, aimé ou détesté mais ne laissera personne indifférent.
C’est un film qui peut être novateur, surprenant, dérangeant, déconcertant, irrévérencieux et politiquement incorrect.
Bref c’est un film qui transgresse les codes qu’ils soient narratifs, visuels, émotionnels pour proposer un autre regard au spectateur.

Les grandes évolutions qu’a connu le cinéma viennent souvent de réalisateurs novateurs qui ont lancé des pavés dans la marre pour troubler le spectateur et pour entrainer le cinéma plus loin qu’il ne l’était.

Des films comme les premiers Godard étaient des ovnis puisqu’ils tranchaient totalement avec l’académisme en vigueur dans le cinéma Français de l’époque.

Citizen Kain était un ovni puisque son mode narratif était inédit pour l’époque. C’est en effet le premier film marquant à utiliser le flash back et la voix off.

Que dire de l’œuvre de David Lynch ou de Jodorowski dont on ne sait pas ou peu ce qui relève du fantasme ou de la réalité.

Le propos irrévérencieux au-delà du politiquement incorrect de certains films en font des ovnis : C’est arrivé près de chez vous, Attention les enfants regardent.

Léone en réinventant les codes du western était un concepteur d’ovnis comme on n’en avait pas vu avant. Son style visuel et narratif était nouveau et archi dérangeant pour beaucoup.

Kubrick par son éclectisme et la diversité de ces choix et le traitement narratif ou visuel de ces films est un auteur d’ovnis qui riment avec chef d’œuvres.

Mr Nobody est un Ovni. Il mêle beaucoup de composante d’UFOlogie à la fois et nous emmène aussi dans une forme d’inconnu.

Jako Van Dormael, réalisateur belge, auteur de deux films assez marquants et primés un peu partout (Le huitième jour et Toto le héros) fait son retour avec Mr Nobody après 10 ans de silence.

Lorsqu’on demande au plus vieil homme du monde dans un futur assez lointain quel est le moment marquant de son existence, celui-ci se souvient d’avoir eu un choix cornélien à faire. A neuf ans il a du choisir entre partir vivre avec son père ou sa mère.
Les différentes réponses à ce choix allaient lui proposer des conséquences et des itinéraires de vie différents.
Ce sont ces différents itinéraires que Jako Van Dormael nous raconte en ne sachant plus quel est celui qu’a réellement emprunté son personnage principal ou ceux qu’il a fantasmé.

Mr Nobody devra néanmoins s’en approprier un pour donner un sens à sa vie et mourir en paix.

Si le thème du choix et de ses conséquences a souvent été évoqué au cinéma - on pense assez facilement à Smoking / No Smoking d’Alain Resnais - l’angle prit par Van Doermal est totalement inédit.

Jako Van Dormael a mis sept ans pour écrire son film.
On comprend aisément pourquoi son scénario est si dense.

Plutôt que de traiter tous les itinéraires de Mr Nobody d’un point de vue linéaire et parallèle, le réalisateur fait le choix de les imbriquer les uns dans les autres afin que le spectateur ne sache pas quel est le vrai et qu’il s’identifie à la confusion du personnage principal qui ne sait plus quel est son véritable passé.

A travers ces itinéraires, Jako Van Dormael consacre des très grandes parties du film à une foison de sentiments qui font la nature humaine : actes manqués, la nostalgie, l’amour, la volonté, la dépression, l’arrivisme, la frustration, l’honnêteté, le rêve…

Tous cela propose un scénario très complexe dans lequel on perd un peu son latin par moment tant cela part dans tous les sens. C’est d’ailleurs la grosse faiblesse du film.

En revanche Mr Nobody est totalement extraordinaire à d’autres niveaux.
D’un point de vue visuel, le film comprend plus de créativité que dans 99% des films sortis en 2009 réunis.
Les décors, prise de vues sont délirants.
Même si l’on retrouve certaine influences comme le cinéma de Jeunet, le Kubrick de 2001, le Lucas de THX 1138, et de nombreuses références au cinéma français, c’est un style totalement propre que nous propose Van Doarmel. Un style qui atteint une virtuosité incroyable par moment.

Cet aspect visuel est renforcé par un montage complètement maitrisé qui promène le spectateur sur une période de 125 ans dans des pays différent, des vies différentes en entretenant ce sentiment de confusion global que le spectateur doit ressentir pour se sentir proche du personnage principal.

Jared Leto est époustouflant dans les facettes multiples de son personnage qui n’en est pas un mais plusieurs à la fois.
Les 3 actrices principales sont toutes assez fascinantes dans leur style avec une mention spéciale pour une Diane Krugger en brune dont l’éclat transfigure l’écran.

Mr Nobody est un film de réalisateur. Tout amateur d’images et de réalisation y trouvera son compte et risquera d’étudier ce film pendant de nombreuses années tant il fourmille d’idées novatrices et de scènes jamais vues.
En revanche sa complexité lui fera perdre pas mal de spectateurs. Il n’y a pas de twist off, de linéarité. Son montage et son fil narratif déconcertant sont trop indigeste pour le grand public.

Cela n’empêche pas le film d’être une véritable prouesse et moment de cinéma comme on en voit peu.

Jako Van Doermal est un auteur à part entière. Son film est un film d’auteur avec tout ce que cela comporte mais un très beau et bon film d’auteur.
On est à des années lumières du box office et des projections tests pour ado mais peut être pas si loin que cela de l’éternité.

Invictus

2010-01-29T18:15:00.002+01:00

Note : 2/4

Invictus est le troisième film de Clint Eastwood en 1 an après L’échange et Gran Torino. A bientôt 80 ans la star est clairement à l’heure actuelle le cinéaste majeur le plus prolifique de son temps.

Invictus jette un coup de projecteur sur la manière dont Nelson Mandela s’est servi de la coupe du monde de rugby et des springboks pour créer une cohésion nationale en Afrique du Sud au lendemain de son élection et de la fin de l’apartheid.

Cette page d’histoire importante raconté dans le film met en valeur le coté visionnaire, et la personnalité fascinante de l’ancien leader de L’ANC.

Morgan Freeman livre une très bonne interprétation et habite le personnage en faisant ressortir une intelligence de tous les instants, et la bonté absolu qui a tout sacrifié pour l’amour de son pays et de ses concitoyens.

On ne peut pas en dire autant de Matt Damon qui incarne François Pienar le capitaine charismatique des Springboks durant la coupe du monde 1995.
Sa prestation est d’une transparence absolue. Le leader charismatique qu’il doit être donne une image d’un homme effacé sans envergure et particulièrement timide.
C’est probablement du au fait que le rugby est un sport totalement inconnu aux États Unis, et que Matt Damon est du coup totalement étranger à l’engagement, aux valeurs et à la mentalité qu’il faut pour s’imposer dans ce sport.
Les réunions de l’équipe sont à peine plus consistantes et enflammée que celle d’une patrouille de louveteaux

Tout le traitement du rugby est un peu édulcoré car même les matchs dont il est question dans le film ne ressemblent en rien au combat que représente un match de coupe du monde de rugby.

C’est un peu embêtant, car du coup le film parait assez polissé malgré une réalisation solide et académique dont Eastwood est coutumier.

Clairement, même si le film est loin d’être mauvais et que son attrait historique est indéniable, il vaut mieux voir un documentaire sur le sujet ou les matchs d’époque qui témoigneront d’avantage de l’intensité de cette page d’histoire.

Il est clair qu’aucun film traitant de sport de haut niveau en dehors de la boxe ne réussit à être complètement crédible au cinéma.

Les tentatives sur le foot avec Goal ou A nous la victoire ont été un peu light.
Le tennis est absent du cinéma.
Les films sur le baseball comme Le meilleur ou Les indians relève de la BD pour jeunes.
Seul L’enfer du dimanche d’Oliver Stone sur le foot américain semble tirer son épingle du jeu même s’il est très fatiguant à regarder car entièrement filmé en camera à l’épaule.

Cette tentative d’Eastwood sur le rugby ne sera pas plus concluante.

Une petite zone de turbulences

2010-01-28T13:07:00.002+01:00

Note : 3/4

En France Michel Blanc est un personnage incontournable du paysage du cinéma.

Pour beaucoup, il est et restera l’un des membres de la troupe du Splendide et le Jean Claude Duss des Bronzés.

Si l’on occulte le terrifiant troisième opus des bronzés ce temps est révolu depuis plus de 25 ans.

Durant ces 25 dernières années Michel Blanc nous a montré qu’il valait mieux que cette image quelque peu réductrice.

A travers des rôles complexes comme Monsieur Hire, des prises de risques comme Tenues de soirées, des comédies aigres douces comme Je vous trouve très beau, il a montré qu’il était un comédien assez exceptionnel.
Son talent ne s’arrête pas là puisqu’il a mis en scène des films assez intéressants comme Une mauvaise passe ou Embrassez qui vous voudrez dans lequel l’humour acerbe de ses dialogues aiguisés prouve qu’il est l’un des meilleurs spécialistes du genre dans le cinéma français.

A mieux y regarder, ses dialogues incisifs, leur humour noir et leur originalité nous prouvent que Michel Blanc était beaucoup plus important qu’on ne le pense dans le succès du Splendide. Les films pathétiques de Jugnot, Clavier ou Balasko en solo sont la preuve criante qu’ils se retrouvent bien dépourvus quand les dialogues et l’esprit du petit chauve hypocondriaque leur fait défaut.

Avec Une petite zone de turbulences, Michel Blanc fait son retour sur le grand écran.
Même s’il n’en est pas le réalisateur, ce film est bien son projet puisque c’est lui qui a écrit l’adaptation du roman anglais duquel il est tiré. C’est encore lui qui en a écrit le scénario et les dialogues. Et c’est lui qui s’en est octroyé le rôle principal.

Une petite zone de turbulence est un vaudeville qui aurait su s’échapper des grands boulevards et de leurs théâtres grotesques pour trouver un équilibre instable entre l’humour anglais et le regard meurtrier de Michel Blanc.

La dépression que traverse Jean Paul, hypocondriaque torturé au moment ou il s’aperçoit que sa femme le trompe, que son fils est homosexuel et que sa fille va se marier avec un con est le prétexte à un festival de dialogues corrosifs écrits au vitriol.
Les amateurs d’humour noir, de second degré ne pourront qu’apprécier, rire et applaudir ce tour de force.

Si Blanc est omniprésent à travers son personnage fétiche d’hypocondriaque dépressif, il est extrêmement bien accompagné par ses partenaires.

Melanie Doutey rend détestable son personnage d’enfants gâtés colérique. Miou Miou joue avec énormément de finesse son personnage de femme modèle pas si modèle que cela.
Gilles Lelouche joue avec beaucoup de finesse son personnage d’agents de sécurité sensible.

Tous les autres personnages, même les plus insignifiants, sont le fruit du regard acerbe de Michel Blanc et retranscrivent tous un petit défaut ou caricaturent une attitude ou un mode de fonctionnement que l’on croise trous les jours dans la rue, au boulot ou dans sa famille.

Le film ne tient que par l’écriture d’orfèvre de Michel Blanc et de son univers si particulier que seuls Bacri et Jaoui peuvent parfois approcher (Un air de familles ou Le gout des autres) quand ils sont en forme.

Si l’on aime le genre, la Petite zone de turbulence vous secouera de plaisir.
Les autres ne comprendront rien. Tant pis pour eux !!!!

Agora

2010-01-27T09:15:00.002+01:00

Note : 1/4

En 1996, le film d’un jeune réalisateur âgé de 24 ans à peine sortie de son école de Cinéma ouvrait le festival de Berlin et montrait aux yeux du monde que le cinéma espagnol ne rimait pas fatalement avec Almodovar et Carlos Saura et qu’il fallait compter avec Alejandro Amenabar.

Premier essai, coup de maitre pour Amenabar !!
Avec Tesis, un thriller terrifiant sur l’univers des "snuff movies" dont il avait signé la mise en scène, le scenario, le montage et la musique et qui fut primé un peu partout tout en séduisant un large public, il s’imposait d’emblée comme un surdoué absolu.

Attendu au tournant, il récidivait 2 ans après avec Ouvre les Yeux, un film psychologique aux frontières du fantastique et de l’anticipation. Novateur et visuellement époustouflant, ce film récolta aussi une moisson de prix dans de nombreux festivals et récolta aussi les faveurs du public qui ne pouvait rester indifférent à tant de talent.
Tom Cruise fut époustouflé par le film, en racheta les droits et l’adapta pour lui et en fit un remake pour Hollywood sous le nom de Vanilla Sky. Un remake plutôt malheureux qui ne rendit pas hommage à son modèle.

Pris sous la coupe de Tom Cruise, Amenabar saisit l’opportunité qui lui était faite de tourner aux États Unis. Il signa un des thrillers surnaturel les plus fascinants de l’époque avec Les Autres pour lequel Nicole Kidman interprétait le rôle principal.

De retour en Espagne en 2004, il produisit, scénarisa et réalisa Mar Adentro, un film casse gueule sur l’euthanasie avec Javier Bardem qui récoltai lui aussi une moisson de prix dont un oscar, un golden globe et le grand prix de la mostra de Venise.

Avec un parcours sans faute de ce niveau, Amenabar est clairement rentré dans le club très privé des cinéastes dont on attend les films et que l’on va voir les yeux fermés.

Son projet Agora était en gestation depuis un petit moment.
Se confronter à un péplum, c’est assez casse gueule, mais venant d’Amenabar tout est possible.

Si le péplum est par essence une grande fresque spectaculaire dont Spartacus, Ben Hur et Gladiator sont les figures de proue, Agora en respecte les codes mais s’en démarque assez rapidement pour délivrer une réflexion différente dont l’essence n’est pas uniquement basée sur la bravoure, les batailles et l’héroïsme.

En effet le portrait de la philosophe et astronome Hypatie d’Alexandrie en 400 après Jésus Christ est à l’opposé des exploits du Général Maximus Decimus incarné par Russel Crowe dans le Gladiator de Ridley Scott.

En dressant le portrait d’une femme moderne obnubilée par ses recherches sur l'existence du système héliocentrique et le fait que les planètes tournent autour du soleil suivant une orbite en ellipse et non en cercle comme il était convenu jusqu’alors, Amenabar nous livre une approche plus que singulière du genre.

Au-delà du portrait d’Hypatie, le film s’évertue à insister sur le contraste entre cette femme moderne et libre et les guerres de religion dont la violence et la cruauté ravagèrent Alexandrie au moment de l’avènement du christianisme.
Clairement, Amenabar n’y va pas de main morte et dresse un portrait des premiers chrétiens d’une violence noire. La vision qu’il nous en donne est celle d’une bande de fanatiques à faire passer Oussama Ben Laden pour un chef scout.
L’évêque Saint Cyril est présenté comme un bourreau sanguinaire absolu qui règne sur une bande de dévots tel un Raël croisé avec un Adolf Hitler.

Au final le film se transforme en une attaque en règle contre le fanatisme et les religions.
On nous montre celles-ci et le Christianisme en particulier qu’à travers leurs ravages meurtriers.
De plus dans le film, elles sont accusées d’avoir plongé le monde dans l’obscurantisme en rabaissant l’homme et la science pour mieux assouvir leur pouvoir.
En quelque sorte c’est un plaidoyer maçonnique qu’Amenabar nous propose avec Agora ou l’anti-thèse d’un film comme Quo Vadis.

Pour traiter d’un tel sujet, il était évidemment plus simple de s’attaquer aux Chrétiens d’Alexandrie plutôt qu’à Mahomet ou aux conflits de la bande de Gazza.
C’est toujours les mêmes qui prennent c’est un peu agaçant !!!!

Que l’on adhère ou non à cette prise de position, on s’éloigne énormément du péplum traditionnel. La distraction que celui-ci apporte au spectateur laisse place à une épaisseur dans laquelle il est difficile de se retrouver puisque notre mode de vie est assez éloigné de la vie de tous les jours à Alexandrie.
Le film souffre donc de quelques longueurs dues à cet état de fait ainsi qu’au manque d’intérêt que peuvent susciter les recherches scientifiques d’Hypatie chez le spectateur lambda.

Bien sur dans sa forme, le film d’Amenabar est une prouesse. Sa reconstitution d’Alexandrie et de sa bibliothèque est à couper le souffle. La mise en scène est plus qu’inspirée. Les acteurs sont efficaces, la trame narrative est bien amenée.
Amenabar a énormément de talent et ce talent est présent sur chaque image.

Pourtant, malgré ce brio, et même si l’on occulte le coté polémiste du film, Agora est un film assez ennuyeux.
Et l’ennui est à mes yeux le pire ennemi du cinéma. Amenabar ne doit pas avoir le droit de nous ennuyer, il a trop de talent pour cela.

Le Concert

2010-01-26T14:48:00.002+01:00

Note : 3/4

Porté par un bouche à oreille terrible et de nombreuses critiques dithyrambiques, Le concert est le succès surprise de cette fin d’année 2009.

Le réalisateur du film, Radu Mihaileanu, est un cinéaste français d’origine roumaine dont la famille a fui le régime de Ceausescu pour s’installer en France.
Ce n’est pas un inconnu car il a été assistant réalisateur sur de nombreux films (de James Bond à Marco Ferrerri en passant part Jean Pierre Mocky) mais il a surtout fait parler de lui à travers des films comme Vie ou Vas, vis et deviens et Train de vie qui ont été primés dans de nombreux festival.

Le film raconte l’histoire assez rocambolesque d’un chef d’orchestre surdoué du Bolchoï mis au placard sous Brejnev pour ses positions antipatriotiques et qui se retrouve homme de ménage à l’opéra de Moscou.
Il tombe sur un fax proposant à l’orchestre du Bolchoï un concert prestigieux au théâtre du Chatelet de Paris.
Il décide de s’approprier cette invitation et de reformer son orchestre contre vents et marées et de le faire passer pour le Bolchoï afin mener à son terme un concert qu’il n’a jamais pu finir et de prendre une revanche sur le passé.

On n’est pas loin du remake version Russe des Blues Brothers.
Aussi fanfaronne que peut paraitre cette hypothèse on en est pas vraiment si éloigné.

En effet comme dans le film de John Landis, on voit deux énergumènes galérer pour réunir un ancien orchestre éparpillé, plus vraiment concerné et totalement désabusé par les ratages du passé.
On retrouve aussi un humour omniprésent, des personnages hauts en couleurs et une véritable déclaration d’Amour à la musique avec un grand A.

La comparaison s’arrête là car Le Concert est tout sauf un plagiat. On est en effet très loin d’Hollywood et des cascades de bagnoles et du rythm and blues.
Le film a une identité slave très forte qui vous fait passer du rire aux larmes.
La folie douce d’Emir Kusturica n’est pas très loin, les personnages hauts en couleurs du Barbier de Sibérie de Nikita Milkaeilkov non plus.

Tout cela nous donne un film plein de bons sentiments, résolument positif plein de drôlerie comme on aimerait en voir plus souvent.
Le concert est un film parfaitement maitrisé, solidement interprété par les acteurs français et russes.
Il remplit complètement son contrat et touche le spectateur exactement là ou il voulait le toucher : En plein cœur !!!

Le succès du film n’est donc absolument pas usurpé même si dans sa forme Le Concert ne révolutionnera en rien l’histoire du Cinéma. C’est du bon cinéma de papa, très académique mais particulièrement bien réussi qui saura séduire un public très large pour qui il sera probablement l’une des deux ou trois sorties en salle obscure de l’année.

Le Concert est aussi la preuve qu’il existe heureusement une alternative crédible aux blockbusters en 3D qu’on va nous infliger dans les prochaines années et que les émotions ne riment pas fatalement avec les centaines de millions de dollars de James Cameron et que la musique ne s’arrête heureusement pas à celle de l’ignoble James Horner.

Il faut donc aller voir Le Concert, avec toutes sa famille car il plaira autant au jeune de 12 ans qu’à ses grands parents et arrière grand parents. C’est dire si le film est fédérateur.

Depeche Mode - Palais Omnisports de Paris Bercy, le 19 janvier 2010

2010-01-25T15:41:00.004+01:00

Note : 3/4

Il ne peut en rester qu’un !!!

En 2010, Depeche Mode est le Highlander du courant New wave électronique apparue au début des années 80 en Angleterre.
30 ans après leurs débuts et plus de 100 millions de disques vendus, ils sont les seuls à avoir maintenu leur popularité et une carrière artistiquement crédible. Tous les autres ont disparu ou presque.

Certains n’ont pas su se renouveler et ont été les victimes d’un son devenu ringard avec le temps.
D’autres survivent dans des circuits de concerts nostalgique et ne fédèrent que quelques fans ultimes qui n’achètent même plus leurs albums.
Les autres ont splitté ou se sont reconvertis dans d’autres domaines et Dieu merci ne nous effraient plus avec leur terribles tenues vestimentaire, leurs coiffures immondes, leur maquillage outrancier et leurs synthétiseur Bontempi aujourd’hui purement inaudibles.

On pense dans le désordre à des groupes comme Orchestrial Manœuvre in the Dark aka OMD, Soft Cell, The human league, Dead or Alive, Adam and the Ants, Duran Duran, Eurythmics, Alphaville, Franky goes to Hollywwood, Visage et autres Yazoo et Camouflage ou Erasure.
Depecha Mode fait partie des derniers grands mohicans de la musique des années 80 dont la popularité n’a jamais faibli avec The Cure et U2.

Leur concert à Bercy est l’un des derniers de l’énorme tournée 2009 qui promouvait leur dernier album Sound of the universe.
Une tournée des stades au succès colossal qui a cependant connu quelques soubresauts et dates annulées en raison de l’opération d’une tumeur cancéreuse qu’a du subir le chanteur Dave Gahan.

C’est un Dave Gahan bien rétabli et un groupe très en forme et archi-rôdé par les nombreuses dates précédentes qui s’appropriait l’arène du sinistre Palais Omnisports de Bercy.
Une fois n’est pas coutume, il faut souligner que le son était exceptionnel et n’a pas pâti des maléfices sonores de la terrible architecture de Pierre Parat, Michel Andrault et Aydin Guvan.

Porté par ce son digne d’un rouleau compresseur sur lequel le jeu de batterie de maréchal ferrant de Christian Eigner donnait l’impression de s’incruster dans votre cervelle, Depeche Mode montre à qui en doutait qu’ils ne sont pas là pour plaisanter et que l’amateurisme et l’approximatif n’a pas de places chez eux.

Cela parait évident mais outre ses sons électro particulièrement travaillés et inoxydables à l’usure du temps et de la kitcherie, le véritable plus produit de Depeche Mode, c’est Dave Gahan !!!

Ce mec est un show man et un chanteur exceptionnel.
Il est clair que l’électro de Depeche Mode n’est qu’une superposition réussie de sons électroniques travaillés, de rythmes tribaux oppressants et des quelques riffs de guitares assez simplistes. Le coté mélodique vient presque uniquement du chant de Dave Gahan.
Son charisme et sa présence remplissent sans peine l’immense scène de Bercy et sa voix de stentor baryton est sans nul doute l’une des plus marquantes du genre au coté de celles de Nick Cave, Iggy Pop ou Jim Morrison.
Sa voix emmène la musique de Martin Gore et de ses acolytes dans une autre dimension qui explique sans peine le succès du groupe.

La première partie de la set list fait la part belle aux années 90 / 2000 du répertoire et au nouvel album.
Une chanson comme Wrong, le single du dernier album, s’inscrit sans peine comme un classique du groupe et trouve parfaitement sa place au milieu des classiques de cette période comme Walking in my shoes.

Le premier morceau emblématique de la période 80’s sera A question of time dans une bonne version mais on aurait aimé que Dave Gahan chante les refrains plutôt que de laisser chanter le public.

Après une petite session des chansons de Martin Gore, on entrera dans le vif du sujet avec les chansons historiques du groupe.
Tout de suite l’ambiance et la qualité du set monte d’un cran.
Il est clair que les morceaux des derniers albums des années 90 et 2000, s’ils sont bons et complètement dans l’esprit du groupe, n’atteignent en rien le niveau des grands classiques des années 80 et du début des années 90.
Au delà de leur notoriété immédiate, le chant et les refrains de Dave Gahan sont beaucoup plus fédérateurs sur les titres de cette période.

Il est clair que peu de groupe peuvent enchainer des hymnes comme Policy of truth, In your room, I feel you, Enjoy the silence, Never let me down again, Behind the wheels et Personal jesus.

Le public ne s’y trompe pas et exulte littéralement à juste titre en scandant les refrains à l’unisson.

Malgré cela le concert s’arrête presque brutalement après Personal Jesus et 2 heures de show.

Il y a de la frustration dans l’air. On se dit qu’on aurait bien rempilé pour 30 minutes de plus ou supprimé quelques chansons récentes pour pouvoir entendre les putains de tubes qu’ils n’ont pas joué ce soir tel que Master and servants, Shake the disease, I just can’t get enough, People are people, Everythings counts, Black celebration, Something to do…

A cause de cela on quitte la salle avec un zeste d’amertume en ayant l’impression d’avoir vu un excellent concert mais d’être parti avant la fin.

Jacques Dutronc - Zénith Paris, le 15 janvier 2010

2010-01-25T15:10:00.007+01:00

Note : 2/4

On aime tous Dutronc.
Beaucoup d’entre nous ont été bercé par ses chansons depuis leur plus jeune âge.
De plus c’est un personnage assez énigmatique mais particulièrement sympathique et même assez fascinant.
Avec sa gueule d’ange, son regard vif et malicieux, son sourire impertinent, son humour dévastateur et sa désinvolture assumée, Dutronc est une vraie figure culturelle française.
En tant qu’acteur et chanteur, il a tutoyé les sommets sans donner l’impression de se fouler une demie seconde.
Ami de Gainsbourg, mari de Françoise Hardy, Van Gogh chez Pialat, fêtard invétéré, ermite en Corse, amateur de vin et de cigare, ce mec véhicule une image hyper sympathique du français dans toute sa splendeur.
A l’heure du débat sur l’identité national, on pourrait peut être dire qu’être français c’est être Dutronc. Ce serait pas mal !!

Absent de la scène depuis près de 18 ans, son dernier disque (assez dispensable malgré ses retrouvailles avec Lanzman) Madame l’existence est sorti il y a près de 7 ans, Dutronc annonçait son retour sur les planches en mai dernier pour une cinquantaine de dates dans toutes la France qui le ferait quitter sa tanière Corse

Sa cote de popularité n’étant pas retombé d’un millimètre depuis son apparition au milieu des années 60 , les places se sont arrachées très vite et c’est donc assez heureux que l’on prenait le chemin du Zénith plein de cactus et de fille du père noël dans la tête.

C’est assis nonchalamment dans un fauteuil club que Dutronc fit son entrée sur scène.

Un groupe de requins de studio déroulant du blues rock plein de testostérone, l’accompagne. C’est avec beaucoup de désinvolture que Dutronc saisit son micro et attaque sa soirée par un Et moi et moi et moi de très bonne facture.
Bonne nouvelle, sa voix est parfaitement intacte et énergique.
Dés lors les tubes rock se succèdent : Fais pas si fais pas ça, La fille du père Noël, On nous cache tout on nous dit rien…
Si les interprétations sont bonnes, le son calibré un peu trop propre de son groupe de requins de studio n’a pas la fraicheur du son « Kinksiens » des versions originales.
Le public (pas mal de jeunes retraités et quelques gamins d’une trentaine d’année) est assis et étonnamment passif. Pourtant ces chansons sont à reprendre en chœur.
On aurait aimé entendre ce répertoire rock yéyé dans une plus petite salle avec un son un peu plus crade devant un public plus jeune et plus vivant.

Mais Dutronc, ce n’est pas que du rock, c’est aussi un crooner. Sa voix fait merveille sur Le plus grand des voleurs, Les playboys, Comment elles dorment...

Le concert tourne alors plus au cours de chant. Entre chaque morceau Jacques Dutronc fait des vannes et cultive son personnage de désinvolte bourru sur-sensible à l’humour acerbe pour le bonheur du public.

Des titres des années 80 viennent s’intercaler avec Qui se souci de nous et le fabuleux Hymne à l’amour (moi l’nœud) qui semblent secouer et réveiller le public.

Vincent Lindon vient pousser la chansonnette en duo sur Tous les goûts sont dans ma nature de manière assez bancale. Il faut dire que ce n’est pas son métier.

Dutronc n’est pas une bête de scène. Si son charisme est évident et sa voix très bonne, on sent que la scène n’est pas son domaine. Statique et bourré de timidité, il l’aborde sans trop se fouler et sans avoir trop réfléchi à l’impact des enchainements de chansons ; il n’y a pas de montée en puissance. A force de parler systématiquement entre chaque chanson il empêche l’ambiance de décoller vraiment.
C’est peut être le prix de voir Dutronc en tout début de tournée, son spectacle n’est probablement pas encore rodé.

Cela ne nous empêche pas de prendre un plaisir fou à écouter Le petit jardin, Il est 5 heures paris s’éveille, J’aime les filles, Les cactus, L’opportuniste, Sur une nappe de restaurant dans de très bonnes versions.

A y réfléchir, on se dit que l’animal a quand même un répertoire assez magique.
Mais c’est sans trop se fouler que Dutronc assume sa tournée relevé des compteurs.

La soirée se termine par deux des chansons arnaque de son répertoire : Merde in France et La compapade.

Dutronc quitte la scène comme un éclair avec sa désinvolture légendaire avant de revenir pour un rappel ou il reprendra une version copier coller de Et moi et moi et moi par laquelle il avait attaqué la soirée.

On aurait préféré avoir Mini mini mini, Le responsable ou L’aventurier, Les gens sont fous les temps sont flous pour clore ce récital même si L’idole aurait été la parfaite conclusion de cette soirée tant elle reflète le personnage.

Ce fut un concert minimum syndical un peu bancal. On mettra ça sur le compte du début de tournée.
Un peu plus travaillé avec des enchainements de chansons plus énergiques et plus cohérent dans une salle avec une fosse sans places assises et un peu plus intime comme l’Olympia, le concert aurait été d’un autre niveau.

Mais Dutronc reste Dutronc et ca fait quand même plaisir d’avoir pu le voir sur scène !!

Avatar

2010-01-04T13:57:00.002+01:00

Note : 2/4

Ce mois cinématographique de décembre 2009 aura été écrasé par la sortie d’Avatar, le dernier méfait de James Cameron.
Vendu dans un désert cinématographique inédit pour une période de Noël, il écrase tout sur son passage.
En effet la concurrence ne semble pas avoir voulu relever le défi.
Aucun Disney ou magicien à lunette ne s’opposent aux créatures bleues de la planète Pandora.

Avec une campagne de communication comparable au déferlement d’un tsunami, une présence sur la toile digne d’un Obama en campagne mettant en exergue le plus gros budget de tout les temps (record fait pour être battu régulièrement ceci dit…) il fallait être un ermite pour ne pas être approché par la promotion du film.

De plus l’évènement bénéficiait d’un plus produit, puisque c’est bien de marketing dont on parle, avec la fameuse projection en 3D ou relief annoncée comme le nec plus ultra de la modernité.

Je m’autoriserai d’ailleurs une petite digression sur ce sujet.
On a longtemps vendu les films Pixar comme des films de 3D alors que ce sont des films en image de synthèse, 100 % crée sur ordinateur.
La 3D est le terme générique pour parler de film en relief.
Le cinéma en relief est d’ailleurs tout sauf une nouveauté. En effet en 1954, le réalisateur de B movies Jack Arnold avait fait sensation en utilisant ce procédé pour sa fameuse Créature du Lac Noir en utilisant un procédé de superposition d’images basé sur des couleurs filtrées par des lunettes sensibilisant chaque œil à une couleur primaire différente, jouant sur la perception de profondeur.
Les enfants nés dans le milieu des années 70 connaissent parfaitement ce système puisqu’ils avaient été nombreux à se procurer des lunettes pour voir cette fameuse créature en relief lors de la diffusion de ce film dans la fameuse dernière séance d’Eddy Mitchell. Cela avait d’ailleurs été un gros fiasco.

Outre La créature du Lac Noir, la 3D s’est invité sur pas mal de films et particulièrement sur les films d’horreurs dans les années 80 et 90. Le requin des Dents de la mer 3, L’ultime cauchemar de Freddy, Jason, le tueur au masque de hockey des Vendredi 13, La maison d’Amityville ont eux aussi expérimenté le relief pour augmenter la tension chez le spectateur.

Les Rolling Stones et U2 ont aussi fait en sorte de filmer des concerts en 3D qui ont été projetés dans des salles spécifiques comme la Géode.
Disneyland et le Futuroscope de Poitier ont eux aussi conçu des attractions basées sur ce procédé dans leurs parcs.

Ce que l’on sait moins en revanche, c’est que Le crime était presque parfait d’Alfred Hitchcock et le quatrième opus des aventures d’Emmanuelle ont aussi bénéficié du plus produit en relief.
Avis aux amateurs…

Si la 3D n’est donc pas une nouveauté, elle était jusqu’alors compliquée à mettre en place et pas forcement au point.
Depuis deux ou trois ans, et avec l’avènement des salles à projection numériques, le système est revenu sur le devant de la scène car il est beaucoup plus simple à mettre en place.
Quelques films mineurs l’ont utilisé : La terrible adaptation de Voyage au centre de la Terre avec l’homme aux yeux de poissons, Brendan Fraser, des films d’horreurs (Destination finale) et un paquet de film d’animation en image de synthèse (Volt, La haut, L’âge de glace…)

Le système étant désormais rodé, il était temps de le tester sur un vrai bon gros block buster afin de mesurer son impact auprès des ados qui sont les premiers consommateurs de cinéma. Des consommateurs qui désertent quelque peu les salles en étant happé par les consoles de jeux qui les placent au cœur d’une aventure alors que le cinéma ne peut que les mettre devant une aventure.

On comprend donc que la 3D d’Avatar est une date importante car si l’essai se révèle payant, on peut s’attendre à voir de nombreux block buster en 3D déferler sur os écrans dans les années à venir au moment des fêtes de Noël.

Revenons au film !!!

Avatar est un tour de force et un vrai film de cinéma.
En effet si l’on estime que le cinéma est une usine à rêves et de divertissements à grand spectacle, Avatar en est l’illustration même.

James Cameron, par la dimension et l’ampleur de ses projets cinématographiques est bel et bien le digne héritier de Cecil B de Mille (réalisateur en son temps des Dix commandements, de Sanson et Dalila, du Plus grand chapiteau du monde) et de ses films pharaoniques qui était eux aussi des laboratoires pour les effets spéciaux ou des techniques nouvelles pour l’époque comme le Technicolor.

En utilisant et améliorant toutes les techniques en gestation depuis des années (effets spéciaux, numérique, motion capture, 3D, images de synthèse…) James Cameron arrive à nous faire vivre sur la planète Pandora, à nous promener dans ses forets, à voler dans le ciel sur des ptérodactyles, à nager au fond des rivières, à participer à des batailles terrestres et aériennes délirantes.
De ce point de vue là Avatar est un film extraordinaire et presque sans équivalent qui ne peut laisser insensible même le fonctionnaire le plus sinistre de l’administration publique.

LA 3D apporte un peu plus d’ampleur au film même si celui-ci reste tout aussi spectaculaire sans elle.

Avec Avatar et comme pour ses films précédents (Terminator, Aliens, Abyss, Titanic), le cinéma de James Cameron se démarque par son modernisme, sa technologie de pointe et son ambition.
Cependant cette quête effrénée de la démesure a un prix.

Le but des films de Cameron est de mettre en avant à la manière d’un feu d’artifice les technologies les plus modernes.
Du coup ses films résistent mal à l’épreuve du temps puisque cette technologie correspond forcement à un instant T qui sera fatalement dépassé puisque celles-ci ne cesseront d’évoluer.

Il faut donc voir Avatar maintenant et sur très grand écran.
Pas dans dix ans car le film aura vieilli et probablement mal vieillit. Regardez Titanic ou T2 aujourd’hui et vous comprendrez …
Il est clair que l’univers de Pandora avec ses couleurs chatoyantes, fluoressantes et phosphoressantes semble tout droit sorti d’une fullmoon party sur une plage thaïlandaise et de la BD Aldebaran. Un univers qui risque toutefois d’être obsolète dans 10 ans.

Imaginer la vision de ce film sur un écran de télévision serait aussi fascinant que de regarder un concert d’Iggy pop ou des stones sur Youtube.

A baser son film sur la technologie, Cameron laisse souvent l’histoire au second plan et c’est le très gros défaut du film.
Avec un tel budget, on aurait pu imaginer une équipe de scénaristes sortant des trames narratives solides, des personnages à plusieurs facettes, des rebondissements terribles.
Mais Cameron s’est laissé emprisonner par le Marketing.
A vouloir séduire le plus grand public possible et à faire secouer le money maker il est devenu l’esclave des projections tests.

Du coup, toute l’histoire est devenue simpliste, les rebondissements convenus et prévisibles et les personnages totalement manichéens.

La colonisation de la planète Pandora par des terriens aveuglés par l’appât d’un métal précieux les poussant à commettre un génocide manque clairement d’originalité.

La résistance s’organisant autour d’un héros handicapé mais pourtant fédérateur fait penser dans son traitement à une relecture de Mission de Rolland Joffé, de Gladiator, de Blood diamond ou de Braveheart.

Alors que de vrais thèmes de sciences comme le dédoublement de personnalité, les actions simultanées dans deux endroits différents, auraient pu être exploité de manière originale Cameron s’emploie à nous proposer un scénario totalement convenu et mille fois vu et revu.

Si le personnage principal tient plus que la route, les personnages secondaires sont des désastres absolus tant ils sont débiles, inexpressifs et archi caricaturaux.
Le grand méchant en chef qui dirige les assauts avec son mug de café à la main et dont le manque d’humanité ferait passer le Terminator pour un poète lyrique est d’un pathétique achevé.
La prestation de Michelle Rodriguez et sa poitrine opulente en pilote d’hélicoptère tiraillé entre son devoir militaire et sa conscience est à peu près aussi poignante que Denise Richards en astrophysicienne dans un James Bond avec Pierce Brosnan.
Je m’arrêterais là car la liste est longue et que je ne souhaite pas égratigner Sigourney Weaver pour qui j’ai le plus grand respect.

Cameron est un cinéaste excessif. Il veut trop en mettre plein la vue et il en fait des tonnes et des tonnes : Les effets spéciaux, les histoires d’amours soutenues par des violons dégoulinants, les combats dantesques, les méchants très très méchants, les gentils très gentils.
Dire que l’ensemble maque de finesse est un euphémisme.

Au-delà de la mise en scène, il veut renforcer son propos avec un message à destination des générations futures à travers deux thèmes chocs : l’écologie et la lutte contre le racisme !!!
Une écologique hyper opportuniste dénonçant la déforestation et prônant la préservation des espèces en dangers.
La lutte contre le racisme à travers la représentation des hommes bleus qui font irrémédiablement penser à des afros américains aux yeux bridés et qui malgré leur coutumes qui nous sont étrangère ont énormément de choses à nous apprendre.

Tout cela est enrobé par un mysticisme de bas étage ou la croyance en l’au-delà et aux puissances de la nature semble être l’ultime salut.
Au-delà de l’opportunisme on rigole quand même doucement en repensant au budget du film et au bilan carbone de celui-ci…

Pour enrober le tout, Cameron a le mauvais goût de faire appel pour la musique à l’ignoble James Horner dont je dénonce ici le manque de talent régulièrement.
Une fois de plus, celui-ci nous sert une partition pompière, omniprésente, dégoulinante d’une vulgarité absolue et d’une finesse de diplodocus.
Pour appuyer le coté écolo du film, Horner nous inflige une musique éthno new age aseptisée comme le groupe Era n’oserait même pas nous en proposer…
Le sommet de la vulgarité, et de l’horreur musicale atteint son paroxysme lors du générique de fin avec la chanson de Léona Lewis.
Avec une voix qui mélange le pire de Céline Dion et de Maria Carey, elle hurle comme un chien devant la pleine lune à grand renfort de vibratos des paroles débiles qui feraient passer My heart will go on de Céline Dion dans Titanic pour une alliance entre Mozart et Arthur Rimbaud. C’est proprement effroyable !!!!
Cela dit les spectateurs quittent la salle très vite du coup…

Si Avatar peut représenter par son coté visuel une date dans l’histoire du Cinéma, un film hors norme comme on en voit peu, c’est aussi un soufflé, un beau soufflé doré très appétissant mais qui retombe assez vite.
Cependant ses faiblesses sont assez criantes et l’empêcheront à mes yeux d’avoir la même portée, la même profondeur qu’un Star Wars ou que Le Seigneur des anneaux.

On passe toutefois un bon moment devant un grand écran car le film nous emmène quand même bien plus loin qu’une ligne de RER.

Le vilain

2009-12-14T22:27:00.004+01:00

Note : 1/4

Albert Dupontel est un comédien fabuleux, probablement l’un des tous meilleurs, si ce n’est le meilleur du paysage cinématographique français actuel. Ses interprétations dans Deux jours à tuer, L’ennemi intime ou Fauteuils d’orchestre sont mémorables.

En marge de et activité d’acteurs, Dupontel est aussi metteur en scène.
Un metteur en scène singulier avec un univers bien particulier pour ne pas dire totalement singulier.
Avec Bernie, Le créateur ou Enfermés dehors, il avait marqué les esprits par son outrance, son humour acide et son esthétique déjantée.
Il n’y a pas de demi-mesure, on adore ou on déteste. Bernie ou Le créateur comptent des fans pour ne pas dire des dévots absolus pour qui chaque film de Dupontel est un film culte.
Les autres ne comprennent pas, forcement son univers peuplé de caricatures affreuses bêtes et méchantes et son univers relevant d’avantage de Fluide Glacial que des Dossiers de l’écran ou des romans de Jane Austen.

C’est donc en sachant pertinemment où je mettais les pieds et sans être fan que je me suis retrouvé à voir Le vilain son dernier film.
L’histoire d’un mauvais fils qui veut se débarrasser de sa mère qui n’est pas dupe de ses intentions n’a pas grand intérêt.
Elle est prétexte à développer une galerie de personnages outranciers qui pourraient être en quelques sortes les petits anges diablotins rouges quand les personnages de l’univers de Jean Pierre Jeunet sont les petits angelots blancs.

La mère est interprétée de manière remarquable par Catherine Frot, qui livre une fois de plus une interprétation lunaire comme elle seule sait le faire en gentille vieille dame du coin de la rue. Albert Dupontel quand à lui se réserve le rôle du vilain et offre à Bernard Farcy et Bouli Laners et leurs gueules impossible des personnages savoureux.

Pourtant le film ne prend pas. Je ne saurai dire si c’est Dupontel qui est moins méchant ou si c’est son film qui est moins inventif que par le passé.
C’est paradoxal car il ne manque pas d’idées saugrenues visuelles et narratives mais on ne rentre pas dans le film. On le trouve même un peu long et indigeste. Si l’on sourie une ou deux fois, on ne rit jamais et on n’est jamais coqué non plus.

Le Vilain est donc pour les amateurs des premiers films de Dupontel un pétard mouillé et une fois de plus un film que ses détracteurs trouveront débiles et à peine distrayant.

Une affaire d'Etat

2009-12-08T13:42:00.002+01:00

Note : 0/4

Porté par un casting plus que solide, par une bande annonce percutante et de bons articles de presse cette Affaire d’État s’annonçait sous les meilleures auspices.
On s’attendait à un film dans l’esprit des grands films politiques des années 70 comme I comme Icare, L’héritier ou Mille milliard de dollars boosté par une mise en scène à la Ne le dis à personne. Bref à un vrai film de genre français populaire, c’est dire si la motivation était présente !!

Sauf que quand on manque de talent, il faut parfois s’abstenir.
C’est le triste constat qui s’impose à la sortie de la salle.

Eric Valette, le réalisateur semble pourtant animé par une démarche sincère et une vrai volonté de vouloir renouveler le cinéma de genre Français en nous proposant un thriller ou s’entremêle le coté obscur de la manipulation politicienne et un vrai polar d’action.
On sent bien qu’Eric Valette a grandi avec de bonnes références et qu’il a été marqué par les films de Verneuil, la musique de Morricone, les grands rôles de Delon, Ventura et Belmondo, des seconds rôles comme Charles Denner, Bernard Blier, Michel Auclair, François Perier ou Charles Vanel.
On sent bien qu’il a voulu offrir au public un grand film comme 36 quai des Orfèvres ou Ne le dis à personne.

Et pourtant, malgré toute cette bonne volonté et la sureté de ses gouts, Eric Valette ne peut nous offrir qu’un énorme navet.
Et c’est bien dommage !!!!!

Malgré un scénario habilement construit où l’enquête d’une jeune flic sur la mort d’une prostituée à Pigalle et l’explosion d’un avion bourré d’armes contrebande au large des cotes africaine s’avèreront être une seule et même affaire : une affaire d’État mettant en cause les plus hautes instances et ébranlant l’équilibre diplomatique franco-africain. Sauf que le film tourne à la catastrophe.

Comme quoi une bonne histoire et de bons acteurs ne sont rien sans un bon chef d’orchestre !
Sans vouloir accabler le pauvre Eric Valette, le naufrage du film semble malheureusement à lui être imputé totalement à moins qu’il ait subit des restrictions et de grosses contraintes financières et temporelles de son producteur.

Cela se traduit par une réalisation et un esthétisme à peine plus enthousiasmant qu’un épisode du Commissaire Moulin ou d’un Navarro du début des années 90.

Pire, les acteurs semblent totalement abandonnés à leur triste sort en ne sachant pas comment rendre crédible cette histoire.
Il faut dire qu’ils ne sont pas aidés non plus par la pauvreté absolue dialogues qu’ils ont du apprendre.
André Dussolier peine à tirer son épingle du jeu et semble déboussolé. Christine Boisson, malgré un physique toujours aussi séduisant semble revenir à une force d’interprétation digne de celle qu’elle avait dans Emmanuelle. Rachida Brakni, pourtant sociétaire de la comédie française ne nous offre qu’une interprétation monolithique quasi "chuck norrissienne" de son personnage de flic obstiné. Les seconds rôles sont d’une transparence absolue à l’exception de Philippe Magnan qui nous sert son numéro éculé de salopard détestable sans donner l’impression d’y croire.
Mais la palme revient à Thierry Fremont !!!
En roue libre totale, cet acteur dont on connait pourtant le potentiel, campe un tueur féroce à grand renfort de tics nerveux, de sourcils froncés et de grimaces pour faire peur aux passants et aux petites filles. On est au bord du film burlesque ou d’une parodie des Inconnus. En singeant le De Niro de Taxi Driver couplé avec le Terminator de Schwarzenegger, Thierry Fremont nous inflige une prestation encore plus désastreuse que celles des pires moments de la terrible carrière du jusqu’alors inégalable de Clovis Cornillac (Les brigades du tigre, Le serpent, Le scorpion). Il en devient risible.

A cela vient s’ajouter une bande originale ou des extraits de BO de Moriconne qui feraient merveille chez Tarantino ne transmettent pas plus d’émotions que dans la dernière pub de GDF Suez. Le reste de la musique est un artifice pompier qui n’élève jamais le propos.

A cela vient s’ajouter un coté provoc à deux francs qui voudrait nous faire croire que les soirées de nos ministres s’apparentent à celles de Don Simpson (producteur déjanté de Top gun et du Flic de Beverly Hills, mort de ses excès).
Même transposé au cinéma on imagine mal notre ministre de la défense Hervé Morin tapant de l’héroïne dans des partouzes SM sous les dorures de la république.
Même si certains diront que cela doit sans doute en être ainsi, on n’y croit pas une seconde devant la caméra d’Eric Valette.

En plus de tout cela, on finit aussi par s’ennuyer fermement et il est clair qu’il sera difficile de donner une seconde chance au cinéma d’Eric Valette, qui ferait mieux de donner une autre orientation à sa carrière ou de se contenter de mettre en scène des polars pour TF1 le jeudi soir.

The Doors of the 21st century - Zénith Paris, le 8 décembre 2003

2009-12-03T11:51:00.002+01:00

Note : 4/4

Les Doors en concert au Zénith de Paris en décembre 2003, cela pouvait porter à sourire tout en sentant grandement le traquenard et le relevé des compteurs, voir même le tribute band !!

Attiré par une curiosité un peu malsaine mais aussi par le fait que, tout bien réfléchi, les chansons des Doors sont malgré tout des putains de bonnes chansons, on se laisse aller à acheter une place.
On prend le chemin du Zénith en ne sachant pas trop à quoi s’attendre mais on est quand même un peu rassuré par certaines interviews publiés avant le concert.

En effet, ce soir les Doors s’appelleront The Doors of the 21st Century.
Robbie Krieger (guitare) et Ray Manzarek (orgue) seront bel et bien de la partie même si John Densmore (batterie) a décliné sa participation.
La lourde tache de se substituer à l’icône Jim Morrisson incombe à Ian Atsbury.
Le chanteur de The Cult (groupe rock néo seventies ayant eu un succès mondial à l’exception de la France à la fin des années 80) pouvait ne pas être un mauvais choix. Il est doté d’un certain charisme et d’une voix de baryton qui pourrait tenir la route.
Cette fine équipe est soutenue par un batteur et un bassiste.

De plus Ray Manzarek annonce la couleur. Ils joueront le soir du 60ème anniversaire de la naissance de Jim Morrisson dans la ville ou il est mort et enterré.
Pour l’occasion ils annoncent qu’en plus de leurs classiques ils joueront l’intégralité de l’album L.A. Woman, qu’ils n’avaient jamais joué sur scène en raison de l’exil parisien et de la mort de leur leader.

Bonne nouvelle, la salle est comble. On aurait redouté de se trouver dans un Zénith à moitié vide.
Le public est composé de tous les âges : du lycéen au vieux routier des festivals des années 70.
Il attend patiemment dans une atmosphère cannabique en écoutant de vieux blues que crache la sono du zénith.

Puis les lumières s’éteignent, des images de Jim Morrisson projetées sur un écran géant s’accélèrent au son de Karmina Burana. Le public joue le jeu, on est pas loin d’avoir des frissons.

Les musiciens débarquent et attaquent directement par Road house Blues.
Dés lors tous les doutes et toutes les appréhensions s’effacent.
Le son est bon, fidèle à l’idée qu’on se fait des Doors. Mais surtout Ian Atsbury fait bien mieux que tenir la route.
Son Charisme et son physique pourrait être celui de Morrisson à 45 /50 ans. Sa voix reste fidèle est respectueuse de Morrisson sans tomber dans l’imitation.
Bref on y croit, on est bien dans le trip.

Le trip devient extraordinaire puisque Break on through, When the music is over, Love me two times, Alabama song, Five to one s’enchainent et nous emmènent de plus en plus loin.

L’une des très bonnes surprises de la soirée, c’est que Manzarek et Krieger sont dans une forme éblouissante. Ils enchainent des solos et des improvisations particulièrement inspirés, bien au-delà de ce qu’on pouvait attendre et parfois même supérieurs à ceux de l’époque Morrisson.

Un petit passage plus intime nous donne la possibilité d’entendre The Crystal Ship, People are strange et une version hallucinante de Spanish Caravan.

Après un mini break, c’est l’heure de L.A. Woman.
Tout l’album y passe.
La version de Riders on the storm est un sommet qui ne sera dépassé que par L.A. Woman qui reste l’une des 10 plus grandes chansons rock de tous les temps.

Le rappel commence sous les meilleurs auspices puisque les Doors du 21eme siècle nous gratifient de versions délirantes de Not to touch the earth, Wild child avant de finir en apothéose sur Light my fire pendant un bon quart d’heure!!

C’est un triomphe absolu, le public est survolté, déchainé, il en redemande. On n’ose pas y croire. On est déjà là depuis trois heures.

Et pourtant, toute lumière allumée, ils reviennent et nous envoie un Soul kitchen qui fait danser et tripper toute la salle.

Ce devait être un soir d’état de grâce. Certains diront que l’âme de Jim flottait au dessus du public mais je suis plus terre à terre.
Je retiens surtout que :
Je me suis pris une claque dont l’intensité était inimaginable.
Qu’on ne pouvait pas rêver d’une meilleure set list.
Qu’au final il n’y a pas grand chose de plus cool que d’écouter les Doors en live en 2003 et que même si ça peut en faire sourire certains, c’est probablement l’un des 5 plus grands concerts qu’il m’est été donner de voir.

PS : j’ai eu la chance de les revoir sur scènes 8 mois plus tard et même si c’était très bien, l’état de grâce n’était plus là et le concert n’a pas atteint les sommets de ce 8 décembre 2003.

Et pour quelques dollars de plus

2009-11-23T10:09:00.002+01:00

Note : 4/4

Après Il était une fois la révolution il y a quelques semaines, le Grand Action nous donne la rare possibilité de voir des Sergio Leone sur grand écran.

Cette fois-ci c’est Et pour quelques dollars de plus que nous avons la possibilité de revoir.

Et pour quelques dollars de plus est le second volet de la trilogie des dollars.

Le premier volet était Pour une poignée de dollars qui, loin s’en faut, n’est pas le meilleur film de Sergio Leone. Il avait toutefois le mérite de poser les codes de sa vision du cinéma et du western.

Avec le recul, ce film fut un énorme pavé dans la mare, un vrai film Punk !!!
En présentant l’Ouest Américain comme une terre désolée, peuplée de tueurs et de racailles n’ayant d’autres scrupules que l’avidité de l’or et la cruauté la plus bestiale. Il est clair que l’approche de Léone dénotait par rapport à l’ouest triomphal de John Wayne et John Ford.
Outre cette représentation, le film de Leone introduisait un anti héros sans foi ni loi interprété par un inconnu du public, Clint Eastwood dont on ne sait rien, même pas le nom.
Avec un budget proche du néant, des dialogues plus que basiques, une photographie exceptionnelle apportant une vision totalement neuve au cinéma et une première collaboration avec Morricone, Léone remporta un succès inespéré.
D’autant que comme tous ces westerns, le Far West fut filmé à Almeria en plein Andalousie avec des figurants italiens et espagnols.

Fort de ce succès, il obtint un budget plus consistant pour réaliser son deuxième western Et pour quelques dollars de plus.
En assumant complètement son style, Léone poussa le bouchon encore plus loin et donna une vision encore plus personnelle et un bien meilleur film.

Sur les deux heures du film, les trois premiers quarts d’heures ne servent qu’à présenter les trois personnages : Deux chasseurs de primes et un outlaw de la pire espèce. Dans cette présentation, on ne sait rien de leurs vies, à peine leur noms mais on comprend à qui on a à faire et comment ils fonctionnent.

L’histoire ne se déclenche donc qu’au bout de 45 minutes, ou l’on comprend que les deux chasseurs de primes sont contraints de s’associer afin de mettre la main sur le terrible outlaw appelé l’Indien.

Après un braquage de banque et bien des péripéties, tout ce petit monde se retrouve dans un petit village près du Mexique appelé Agua Callente, un village où l’on n’aime pas beaucoup les étrangers.

C’est dans ce village que les protagonistes abattront leurs cartes. Certains sont venus pour l’or et d’autres pour se venger.

Présenter comme cela, ca ne donne pas vraiment envie et semble assez classique.

Cependant la mise en scène que fait Sergio Léone de cette histoire transfigure le film et nous livre l’un des 5 meilleurs westerns de tous les temps.

Il nous offre une vision onirique de tous ces évènements.

La chorégraphie réalisée avec la musique du maestro Ennio Morricone magnifie les scènes en leur donnant une ampleur inégalée quasi biblique.

Chaque scène est un chef d’œuvre photographique.

L’attitude et la dégaine des personnages ou s’entremêle parodie, réalisme et cynisme leur donne une personnalité et un charisme rarement atteint sur un écran de cinéma.

Les scènes d’anthologie se succèdent (le braquage de banque, la provocation de Klaus Kinski…) pour finir sur un final délirant sous la forme d’un duel au milieu de la poussière ou la vérité éclatera au son de la musique de Morricone et avec l’intervention de Clint Eastwood.

L’interprétation de Gian Maria Volonte en pistolero violent et exalté fait froid dans le dos. Le cynisme d’Eastwood et les yeux de vautour de Lee Van Cleef porte ce film au sommet du cinéma de genre.
Un sommet qui sera d’ailleurs franchi avec le troisième film de cette trilogie qui atteindra à mes yeux le firmament du 7eme art : Le bon la brute et le truand.

A la suite de cela Léone entamera une nouvelle trilogie. La trilogie des « Il était une fois » qui donnera une vision de la construction du continent Américain à travers le crime, le vice et la vengeance et dont la portée cinématographique sera aussi bonne voire meilleur que la trilogie des dollars.

Comme Stanley Kubrick, Sergio Leone mourut trop jeune en n’eut pas le temps de réaliser un film sur la bataille de Stalingrad qui, d’après les phantasmes de nombreux fans, promettait d’être au film de guerre ce que la trilogie des dollars fut au western.
Il se murmurait aussi que ce projet aurait été aussi le premier volet d’une nouvelle trilogie.

On en rêve encore !!!

Muse - Palais Omnisport de Paris Bercy, 17 novembre 2009

2009-11-20T18:57:00.003+01:00

Note : 3/4

Si l’on laisse de coté les vaches sacrés comme les Stones, AC/DC, U2 dont les albums ne présentent plus d’intérêt depuis des années et ne sont qu’un prétexte afin de promouvoir de gigantesques tournées best of, Muse est probablement avec Radiohead et les horribles Coldplay le groupe de rock le plus populaire de son époque.

Je ne débattrai pas sur le fait que ce constat nous amène à penser que l’on vit une triste époque d’un point de vue rock, car le concert donné par Muse à Bercy mérite bien plus d’attention.

Certes, je ne suis pas un grand fan ou connaisseur de la musique de Muse. Le trio de Matt Bellamy n’évoque à la base pour moi que des singles percutants chantés par une voix fortement influencé par Jeff Buckley et Thom Yorke. Une sorte de Radiohead du pauvre en plus énergique, plus pop et moins aventureux mais toutefois infiniment supérieur à ces geignards de Cold Play.

Toutefois avant de parler de ce concert qui a bousculé mes préjugés sur ce groupe je voudrais faire un aparté sur deux sinistres personnages : Pierre Parat et Michel Andrault.

Ces noms ne vous sont pas familiers, mais tout amateur de musique live vivant à Paris subit depuis des années les conséquences insupportables de leur travail désastreux et obsolète.

En 1983 ces deux architectes ont conçu le Palais Omnisport de Paris Bercy.
Cela fait donc plus de 25 ans que nous subissons l’effroyable acoustique de ce sale bloc de béton.
Combien de concerts ont été ruinés par cette caisse de résonance pourrie. La liste est infinie, mais pour ma part je retiendrai les performances endommagées de Neil Young, Simon and Garfunkel, Metallica, Johnny, Cure, Depeche Mode et j’en oublie…
Outre l’acoustique, sa forme rectangulaire est une insulte à la mise en place d’un concert digne de ce nom, surtout quand on voit des architectures comme celle de l’O2 arena de Londres ou du Zénith de Rouen avec leur conception en amphithéâtre et une architecture dédiée à l’acoustique et au son.

A l’heure ou une place de concert coute un bras, la moindre des choses serait de pouvoir y assister dans de bonnes conditions.
50 ou 100 euros pour ne pas entendre une voix ou une guitare c’est très très cher
Si le POPB est une bonne salle de sport (tennis, basket, moto) il faut impérativement que la ville de Paris se dote d’une grande salle digne de celles de Londres (O2 ou Brixton academy).

Revenons à Muse.
Le concert du 17 novembre aurait peu être un concert exceptionnel s’il n’avait pas été joué à Bercy. Non pas que la salle ait été trop grande, mais l’acoustique a encore fait des siennes et c’est bien dommage.

C’est dans une salle sold out depuis des mois que Muse défendait son nouvel album : Resistance.
Le public était survolté et étonnamment mixte et assez jeune. Les vieux routards des seventies et les jeunes quadra presque plus dynamique n’avaient pas répondu présents.

Première évidence, Muse assume son statut de gros groupe de stade avec brio.

La mise en scène est exceptionnelle et assez novatrice.
Les trois membres du groupe attaquent le concert avec un extrait plus qu’efficace de leur nouvel album juché sur trois immenses cubes sur lesquels sont projetés des images et un light show laser digne d’un épisode de Star Wars.
On en prend plein les yeux où que l’on soit placé. Cette scène est à toute épreuve et doit pouvoir faire son effet dans les plus grands stades, ce qui est rarissime.

Les cubes apparaitront et disparaitront au gré de des chansons.

Les chansons, parlons en!!!
Sans être fan du groupe, on s’aperçoit assez vite qu’on en connaît une majeure partie (et pas seulement les classique d’Orygin of symetry comme Bliss ou Plug in baby).
On s’aperçoit aussi qu’il n’y a aucune mauvaise chanson et qu’elles sont toutes taillées pour la scène.
Les crescendo de guitare sont époustouflants, les mélodies sont prenantes, les solos tonitruants et les refrains fédérateurs et scandés par un public qui obtient clairement ce qu’il était venu chercher.

On sent bien que le show de Muse est hyper pro, millimétré et que rien n’est laissé au hasard. Les amateurs d’improvisation et de funambulisme musical en seront pour leur frais et devront passer leur chemin.

Coté charisme, Matt Bellamy ne manque pas de présence même si ce n’est pas un frontman charismatique.
Cela n’a guère d’importance puisque le show suppliait à merveille cette carence.

Si l’on se concentre sur la musique, il est clair qu’elle évoque mille groupes (Radiohead, Queen par sa grandiloquence, Led Zep, Jeff Bucklay). Mais tout bien pesé c’est surtout du Muse car force est de constater que le groupe a un vrai style et une personnalité que je ne soupçonnais pas.
Muse mérite son succès.

Le set durera deux heures et clairement on en aurait redemandé.
On a même envie de réécouter les albums et on se laisserait bien tenté par une autre date, même dans un stade.

Cela aurait été un très bon concert s’il n’avait pas eu lieu dans le blokhaus de Pierre Parat et Michel Andrault et si un abruti n’avait pas braillé les refrains dans mes oreilles avec un talent digne des inoubliables de la nouvelle star et dans un anglais yaourt du plus bel effet.
Et clairement le point manquant de la note se situe bien là et nulle part ailleurs.

Easy Star all Stars - Elysée Montmartre, 3 novembre 2009

2009-11-15T18:31:00.004+01:00

Note : 3/4

C’est avec beaucoup de curiosité et d’appréhension que je me rendais à l’Elysée Montmartre pour le concert des Easy Star all Stars.

En effet ce collectif de rastas azimutés s’est rendu célèbre en adaptant des albums de rock historique dans leur intégralité dans des relectures reggae dub plutôt réussie.

En 2003 leur premier coup d’essai fut un coup de maître avec l’adaptation délirante du Dark side of the moon des Pink Floyd sous le nom de Dub side of the moon.
Acclamé par un public très large ne se limitant pas au traditionnel public reggae puisque l’engouement des fans ultimes du Floyd ne tarit pas de louanges, les Easy star all stars s’offrirent une tournée mondiale.

Fort de ce succès, ils se lancèrent il y a deux trois ans dans l’adaptation de Ok Computer de Radiohead sous le nom de Radiodread.

Leur passage ces jours si à l’Elysée Montmartre était dicté par la tournée promo de leur dernier méfait appelé Easy stars lonely heart club dub en hommage à l’album culte des Beatles.

C’est un Élysée Montmartre deux tiers rempli qui accueillait le groupe de Dub.
Ce n’est pas si mal puisque le groupe phare de la scène reggae actuelle Groundnation se produisait le même soir au Zénith.

Chauffé à bloc par un toaster et une section cuivre tonitruante, le public se fit rapidement hypnotisé par les lignes de basses lourdes et roots des Easy star.

La set list fut un best of de leur albums. Hommages au Floyd, à Radiohead et aux Beatles.
Si l’on excepte des bonnes versions de A day in a life et When I am sixty four, on fait rapidement le constat que les morceaux des Beatles et de Radiohead sont moins percutants que les morceaux de Dark side of the moon.
Les versions de Time, Great gig in the sky, et une reprise de Time sont tout bonnement extraordinaires.

Le public dansait et acclamait ce groupe de dub qui clairement maîtrise son affaire sur une scène et nous gratifie d’un excellent concert bien rythmé et bien dansant.

Si l’on quitte la salle après une heure trente de concert avec une bonne humeur évidente, il est toutefois évident qu’on est plus proche du niveau et de l’intérêt de la ligue 1 que de la ligue des champions.

Gong - Le Bataclan Paris, 4 novembre 2009

2009-11-13T18:10:00.004+01:00

Note : 4/4

C’est dans les vielles casseroles qu’on fait les meilleurs plats !!!
Tel est le constat que l’on peut dresser à la sortie du concert de Gong au Bataclan en 2009.

Gong est un groupe culte bien qu’assez méconnu du grand public qui existe depuis près de 40 ans mais qui draine un public fidèle sans cesse renouvelé.

Formé en France à la fin des années 60 par Deavid Allen, un australien un peu perché qui était aussi le fondateur de Soft Machine avec Robert Wyatt et Kevin Ayers, Gong est d’avantage un collectif qu’un groupe.
Fondé en plein flower power, gong était à la base un groupe dont les membres vivaient dans une communauté hippie dans le Sud de la France.
Bien entendu cette communauté était à géométrie variable et empilait les talents les plus divers et improbables pendant des lapses de temps plus ou moins long.

Tout au long de son histoire Gong a vu passer des dizaines de musiciens virtuoses que l’on a retrouvés par la suite dans de multiples formations (Hadouck Trio, Hawkwind, Miles Davis, et bien d’autres).
Le batteur Pierre Moerlen, les guitaristes Steve Hillage et Deavid Allen, le Saxophoniste Didier Malherbe, le claviériste Tim Blacke, le percussionniste Mino Cinelu et l’inclassable Gilly Smyth sont les plus connus d’entre eux.

La musique de Gong est au carrefour de plusieurs styles et est assez inclassable et pas forcement simple d’accès hors de la scène.
Elle peut être qualifiée de psychédélique, de jazz rock, d’acid jazz, de space rock, de musique planante, de free jazz ou de rock progressif.
Au final c’est un peu un mélange de tout cela.
Elle a beaucoup variée selon les époques et les influences des musiciens passés dans ses rangs et des différentes émanations du groupe. A certaines époques plusieurs Gong se produisaient en même temps. Le Pierre Moerlen’s Gong qui était plus free jazz, le Planet gong plus space rock avec Daevid Allen ou le Acid mother gong de Gilly Smyth.
Cependant, ces émanations se regroupaient de temps à autres pour des concerts commun ou des conventions regroupant les groupes des anciens membres de Gong.

Las albums marquants sont Angel Egges, Flying Teapot, You, Gazeuse, le Live etc.

Sur scène, Gong a la réputation de toujours livrer des concerts mémorables ou s’entremêlent les envolées musicales, les phases planantes, les transes hypnotiques, les breaks les plus improbables et des solos et des improvisations totalement virtuoses.

Ne les ayant jamais vus auparavant, c’est avec beaucoup de curiosité que j’attendais de concert, mais aussi beaucoup d’appréhension car certains musiciens pouvaient avoir dépassé la date de péremption (Gilly Smyth a 76 ans et Daevid Allen 72 ans) et que je ne savais pas du tout quoi attendre de leur son en 2009 et du répertoire abordé lors de cette tournée.

C’est avec les éléments historiques (Allen, Malherbe, Hillage et Smyth) que Gong faisait son retour en France.

Très vite beaucoup de mes appréhensions sont tombées.

Oui certains membres du groupe sont vieux, mais ils restent en pleine possession de leurs moyens !
Gilly Smyth a bien cette voix mi sorcière mi sirène si caractéristique. Daevid Allen avec sa tête de Merlin l’enchanteur ou du Doc Emmet Brown de Retour vers le futur montre l’enthousiasme d’un petit garçon espiègle tout en déployant un charisme et une énergie naturelle que beaucoup doivent lui envier. Je ne parle pas de la qualité de son jeu de guitare et de la manière hyper maitrisée dont il utilise sa voix qui semblent s’être bonifiée avec les années.

Le répertoire abordé se concentre sur les albums historique (Flying teapot, You et Angel eggs notamment).

La musique de Gong est une musique qui vous prend par surprise. Elle vous prend par la main et vous emmène dans toute une série de climats différents comme si l’on suivait paisiblement le cours d’un ruisseau de sa source jusqu’à sa jetée dans la mer.

La noirceur et le pessimisme sont totalement absents de cette musique qui trouve un équilibre improbable tour à tour fascinant et hypnotique entre le psyché planant, le free jazz et une base rock totalement assumée superposée par des sons électroniques bien sentis.

Gong, par sa simplicité et son coté positif et festif communicatif se situe très loin de l’univers un peu dark de King Krimson, de l’atroce lourdeur de Yes ou du coté intello conceptuel de Soft Machine.

Les musiciens semblent heureux d’être là et gratifient un public tout acquis à leur cause de solos sidérants qui l’emporte dans les tréfonds de son imagination.au cœur du monde de Gong (un monde peuplé de farfadets, de théières volantes, de sorcières et de magiciens).
La musique de Gong est un espace de liberté ou les musiciens au-delà des solos trouvent une alchimie unique dans les confins de leur créativité.

Par leurs enthousiasme, leurs désinvolture et l’impression de facilité absolue qu’ils dégagent, on oublierait presque que la musique de Gong est complexe et qu’elle ne peut être jouée que par des musiciens plus qu’accomplis qui maitrise la scène à la perfection.

On n’entend pas ce type de musique tous les jours, il faut la vivre sur scène pour en saisir toute sa portée et tout son intérêt.
Une écoute attentive, même confortablement installé chez soi, peut s’avérer déconcertante mais sur scène c’est une autre histoire.
Elle est magnifié par la puissance du son, par les improvisations des musiciens, par l’attitude halluciné et franchement drôle de ce vieux savant fou de David Allen et de ses déguisements extravagants tout comme les vidéos trippantes projetées qui sont elles aussi une invitation au voyage.

Clairement ce concert fut un grand moment de musique télé porteuse. Le seul regret que l’on puisse avoir en quittant la salle est qu’il n’est malheureusement pas évident que l’on puisse avoir la chance de revoir ce groupe sur scène, et que ce type de musique n’est aujourd’hui plus beaucoup jouée.

C’était en somme le concert d’une espèce en voie de disparition qu’il faudrait protéger, préserver et faire connaître.

Il était une fois la révolution

2009-11-12T11:11:00.003+01:00

Note : 3/4

Octobre 2009, la programmation cinématographique est en passe d’atteindre le degré zéro.
On se laisserait presque tenter par le dernier Franck Dubosq, c’est dire si ce que les exploitants de salle nous proposent est d’une nullité abyssale.
Tel un oasis au milieu du désert, le Max Linder nous propose sur écran géant la copie neuve en version originale de Il était une fois la révolution de l’immense Sergio Léone.

Voir un Sergio Léone sur grand écran est une occasion malheureusement aussi rare qu’un concert d’Ennio Morricone. C’est dire si cela ne se rate pas.

En toute objectivité Sergio Léone est à mes yeux un génie absolu. Il est l’un des réalisateurs les plus imaginatifs, fascinants que la terre ait jamais porté.
Il a clairement révolutionné le cinéma par son approche visuelle, son utilisation du flash back, son culte de l’anti héros, le tempo hyper lent de sa narration, l’absence d’information sur ces personnages et par son utilisation magnifiée de la musique.

On ne peut bien entendu pas parler de Léone sans parler du Maestro Ennio Morricone.
Camarades d’écoles, les deux hommes ont réinventé le rôle de la musique dans le cinéma moderne. En revenant à la source ils ont placé la musique comme un personnage à part entière du film. Dans l’œuvre de Léone, la musique de Morricone raconte tout ce qui ne se dit pas à travers les dialogues (et Dieu sait qu’il ne se dit pas grand-chose).
Grâce au génie du Maestro, certaines scènes prennent une dimension fantastique tant la musique traduit, enlumine et magnifie toute la palette des émotions que l’on peut trouver dans les images de Leone.
Une telle osmose entre les images et la musique n’a probablement jamais été retrouvée même dans les films de Stanley Kubrick et de Quentin Tarantino.

Sergio Leone a clairement réinventé le western en lui apportant une dimension onirique inégalée sans rien trahir de son identité et de sa sensibilité européenne et de sa culture italienne.
En six ou sept films, il a laissé une empreinte indélébile sur des millions de fans de cinéma.
Grace à lui Clint Eastwood et Ennio Morricone sont devenus les géants que l’on connait.
La notoriété de certains acteurs comme James Coburn, Lee van Cleef, Charles Bronson, Gian Maria Volonte, Rod Steiger ou Eli Wallach n’existe presque uniquement grâce au traitement que leur a réservé Sergio Leone dans ses films.
En révolutionnant tous les codes du western, il a pu donner à Henri Fonda son dernier et peut être plus grand rôle dans un contre emploi absolu et signer des westerns complètement définitifs.
Après lui, peu de gens se sont essayé au western, l’héritage était trop lourd.
Les quelques rares bons western sortis dans les trente à quarante ans qui ont suivis ne rivalisent en rien avec ceux du maître.
Vénéré à juste titre par les plus grands réalisateurs actuels (de Tarantino à Scorcese en passant par Spielberg, Eastwood ou Coppola), Sergio Léone est avant tout un auteur totalement singulier.
Loin de tout formatage, de toute querelle de chapelle, il a imposé sa vision et son style à travers une représentation plus que personnelle de la construction du continent américain des débuts de l’ouest sauvage (Pour une poignée de dollars) jusqu’au dernier tiers du 20ème siècle (Il était une fois en Amérique).

Le cinéma de Léone est un cinéma d’homme. Les femmes y sont presque absentes à l’exception de Claudia Cardinale dans Il était une fois dans l’Ouest. Cependant celles-ci sont souvent une clé dans le comportement des personnages (La sœur du Colonel Mortimer, l’Irlandaise d’Il était une fois la révolution…).

Les personnages de Léone ne sont guidés que par deux motivations : L’or et la vengeance
C’est à travers ces deux quêtes et le vice et l’opportunisme qu’elles engendrent qu’ils prennent part malgré eux à la construction de l’Amérique
Malgré ce regard cruel et violent, les personnages restent cependant des hommes parfois capables d’une humanité insoupçonnée (la scène du cavalier mourant dans Le bon la brute et le truand) dans les situations les plus inattendues.

Le grand écran est indispensable au cinéma de Léone. Les paysages, les gros plans, les lumières, l’étalonnage le technicolor et, il faut le souligner, le grain de la pellicule donne une chaleur et une personnalité photographique que n’aura jamais un film filmé en numérique.

C’est tout cela qui rend le cinéma de Sergio Léone magique et indispensable.

Il était une fois la révolution est probablement le moins bon des Léone !!!
Mais sur grand écran c’est quand même une grande claque.
Mexique, 1913, Juan un pilleur de banques péones rencontre au beau milieu de la sierra Sean, un expert en dynamite Irlandais.
Malgré un antagonisme absolu ils s’associent avec des ambitions diverses dans le pillage d’une banque.
Ce braquage de banque sera le point de départ de leur enrôlement malgré eux dans la révolution mexicaine et dans une véritable odyssée.
Cet odyssée commence comme un récit picaresque, qui par bien des aspects n’est pas sans rappeler les aventures de Don Quichotte. Mais il se mue par la suite sur une vraie réflexion sur la violence inhérente à la construction d’un pays et aux mécanismes du pouvoir.

Cela donne à Léone l’occasion de travailler ses thèmes de prédilections : La vengeance, l’appât de l’or, l’opportunisme et le fait que l’histoire avec un grand H est souvent le résultat d’une sommes de petites histoires bien moins reluisantes.

La photographie est splendide. Elle atteint son sommet lorsque Léone oppose lors de flashback éblouissants le vert de l’Irlande à la poussière de la Sierra.
Les gros plans et le tempo narratif rappelle à tout le monde que c’est bien un film de Sergio Leone et de personne d’autre.

Ennio Morricone signe l’une de ses plus belles partitions, on peut en avoir les larmes aux yeux.

James Coburn et Rod Steiger livrent les meilleures performances de leur carrière à travers des personnages typiquement léonien.

Le bruit des balles et des explosions est inimitables, les scènes de batailles sont exceptionnelles.

Malgré tout cela, le film souffre de quelques faiblesses. C’est le seul film de Léone ou la longueur de certaines scènes dépasse parfois la limite de l’ennui.
De plus certaines ellipses scénaristiques compliquent la compréhension du film à des moments clés.
Les scènes clés du film sont peut être moins percutantes que les scènes clés des autres Léones
Tout cela fait qu’Il était une fois la révolution souffre de la comparaison avec les autres films de Léone.

Il était une fois la révolution forme avec Mon nom est personne la catégorie des Léones désavoués.
Peut être cela est-il du au fait que Léone ne voulait initialement pas réaliser ces films ?
Il a cependant signé celui-ci alors qu’il ne l’a pas fait avec Mon nom est personne.
Mais si un Léone désavoué n’est pas un chef d’œuvre, il reste cependant un grand film de cinéma.

Quel pied de voir çà sur grand écran !!!!!
Le 3 sur 4 est un très gros trois mais mon niveau d’exigence s’accentue lorsqu’il s’agit d’un Léone…

Turzi - Elysée Montmartre Paris, 29 octobre 2009

2009-11-11T14:24:00.002+01:00

Note : 2/4

Quelques jours après la sortie de son nouvel album B, Turzi se produisit à l’Elysée Montmartre afin de fêter dignement cette parution.
Comme nous le pressentions lors des concerts auxquels nous avions assisté avant l’été, B tient ses promesses et s’impose résolument comme l’un des meilleurs albums de Rock enregistré par un ressortissant français.
Bizarrement comme Air, Phoenix ou Étienne de Crecy, Turzi vient lui aussi de Versailles même si sa musique ne s’apparente pas vraiment à la French Touch. A mes yeux elle vaut bien mieux.
Bien sur nous ne sommes pas chez U2 ou Coldplay. Le rock de Romain Turzi ne s’adresse pas au tout venant. Le Rock de Turzi demande à la base une exigence d’écoute supérieure. On est à la limite de l’avant-garde. Les groupes les plus connus auxquels il pourrait s’apparenter sont sans nul doute des groupes comme Sonic Youth, My bloody valentine ou Can.
Si son audience est encore balbutiante et underground, il est néanmoins invité dans une multitude de festivals en Angleterre, USA, Japon ou il a fait sensation. Ce n’est donc pas par Hasard si des gens comme Bobby Gillepsie, l’âme de Primal Scream et la déroutante Brigitte Fontaine ont apporté leur contribution à cet album.

Le concert de L’Elysée Montmartre était donc une occasion pour fêter en grande pompe la sortie de cet album attendu par pas mal de monde et dont les échos dans la presse étaient plus qu’alléchant.
Pour l’occasion, de nombreux groupes amis se produisaient en première partie pour des fortunes diverses. On notera la bonne prestation d’Etienne Jaumet (Zombie Zombie, Married Monks) en set DJ avant de laisser place au maitre de cérémonie.

Le public était au rdv et assez curieux de ce qui allait lui être proposé.
C’est donc vers 22 Heures que Turzi fit son apparition et démarra son concert par le terrifiant morceau d’ouverture du nouvel album.
Pour donner toute sa force, sa rage et sa subtilité, la musique de Turzi doit être bien jouée et avoir un son extrêmement bien réglée pour que toute la subtilité de ses sons puisse être transmise.
Malheureusement, le son n’était pas au rdv et cela avait l’air d’énerver beaucoup les musiciens qui ne semblaient pas avoir de retour de leurs instruments. Du coté du public, si la puissance du groupe était bien perceptible, on entendait malheureusement presque pas la guitare o combien importante de Romain Turzi. C’est en effet elle qui vous emporte et vous fait décoller et qui donne ce petit plus que beaucoup de groupes n’auront jamais.
Or cet élément primordial était masqué par une basse et une batterie trop présente et oppressante. L’équilibre et l’ampleur de la musique de Turzi n’a été retranscrit ce soir que par intermittence.
C’est donc la grosse déception de cette soirée alors que le son avait toujours été parfait lors des autres concerts que j’ai eu la chance de voir.

Visuellement, Turzi aurait mérité un meilleur traitement. S’il est acquis que l’on n’a pas à faire à un groupe de showman mais à un vrai groupe de musicien, il faut que le groupe travaille un peu plus sa théâtralité.
Loin de moi l’idée de donner des cours de danse comme à la star académie, mais il me semble qu’un light show ou des visuels projetés plus marquants au milieu de fumigène pourrait rendre la musique plus impressionnante.

Sur le son comme pour les lumières, je pense que Turzi a souffert des infrastructures de l’Élysée Montmartre.
En effet les ingénieurs du son et roadie étaient vraisemblablement ceux de Garance Production. Or ceux-ci ont du être déconcertés par le matériel digne de Star Wars que Turzi utilise pour ses concerts et qui est très très loin de celui d’un groupe de reggae de base.
Coté lumière, les infrastructures du Nouveau Casino et du Point Éphémère offre une ambiance plus sombre ou l’influences des light est bien plus perceptibles.

Ce concert aura donc été une demie déception sans que celle-ci viennent de la musique et des musiciens.
La musique de Turzi est, je le répète, l’une des plus hallucinante jamais enregistrée par un groupe de Rock en France Sa portée sur scène est elle aussi indubitable et impressionnante mais il faut pour cela un son top niveau.

On attend donc malgré tout son prochain concert avec beaucoup d’impatience.

Placebo - Zénith Paris, 25 octobre 2009

2009-11-09T11:03:00.003+01:00

Note : 2/4

Le Zénith affichait complet pour le deuxième des trois concerts parisien de Placebo.

En 15 ans de carrière Placebo s’est imposé comme un étendard du rock dit indépendant à l’orée des années 2000, période ou le Rock ne semblait n’être plus qu’un souvenir délaissé à la faveur d’une mouvance électro-techno plus que discutable dont la postérité reste à ce jour une illusion.

A cette triste époque Placebo s’était affirmé comme un power trio énergique fortement influencé par Joy Division, Cure, le glam rock et David Bowie période trilogie berlinoise.
Outre ces influences, Placebo possédait en la personne de Brian Molko, un chanteur avec une voix vraiment personnelle et véhiculait une attitude sulfureuse basée dur les codes sexe, drogues et rock and roll qui ne laissait pas indifférent.
Mais surtout, Placebo avait la recette pour pondre des tubes à répétition suffisamment fédérateurs pour attirer en même temps l’attention du fan de rock le plus exigeant que les programmateurs des grandes radios FM et donc de s’imposer comme dans nos contrée comme un groupe grand public.
Des titres comme Pure morning, Every you and every me, Slave to the wage ou The bitter end sont effectivement des titres imparables.

Placebo tourne pour soutenir son nouvel album Battle of the sun sorti peu avant l’été et qui est marqué par un changement de personnel puisque le batteur Steve Hewitt a cédé sa place à un jeune bucheron tatoué américain du nom de Steve Forrest.

Il faut souligner que placebo passe trois soirs au Zénith plutôt qu’un soir à Bercy, ce qui est plus qu’appréciable puisque cela nous donne l’occasion de les voir dans une vraie salle de concert à dimension presque humaine et ne souffrant pas de l’acoustique effroyable du blockhaus du 12ème arrondissement.

Revenons au concert :
Mauvaise nouvelle !!!
Impossible de se garer car le parking du Zénith est en réparation, nous arrivons donc en retard et le concert est déjà commencé et ce n’est jamais évident de rentrer à froid dans l’ambiance d’un concert déjà lancé.

Première impression :
Placebo en 2009, c’est de la grosse artillerie. Le son est puissant et excellent. Ils n’ont pas lésiné sur les moyens et le light show est très impressionnant.
On est désormais très loin du power trio des premières années puisqu’ils sont sept sur scène.
A chaque chanson les musiciens changent d’instruments et démontre une collection de guitare impressionnante.
La set list est un savant mélange de nouveaux et d’anciens titres joué de manière hyper professionnelle et carrée.
On est clairement pas là pour plaisanter. Placebo donne au public ce qu’il est venu chercher : Du son et des tubes !!!!
Sur scène le nouveau batteur démontre une puissance de feu digne de l’étoile Noire face à la planète Alderande, ce qui est assez impressionnant.

Brian Molko chante bien et maitrise bien la scène même si il est loin d’avoir le charisme d’un Bowie, d’un Nick Cave et d’un Iggy Pop. Il vaut toutefois mieux qu’il reste silencieux entre les morceaux car ses sorties sont presque dignes d’un Nikola Sirkis ou d’un Jean louis Aubert au meilleur de leur forme.

Son acolyte, le bassiste Stefan Ofsdal promène sa grande carcasse qui est une sorte de croisement entre un Frankenstein anorexique maniérée et du personnage de The Gimp dans Pulp Fiction (l’étrange esclave SM enfermé dans un coffre). Au-delà de son apparence, force est de constater que le musicien maitrise son sujet et qu’il est la base de l’architecture musicale du groupe.

Au-delà de cette première impression remplie de puissance et de professionnalisme, d’autres constats s’imposent à nous.

Même si le public a l’air d’être content, le groupe est glacial, il semble qu’il manque d’âme. Sa prestation aussi professionnelle soit elle ne transmet aucune chaleur et aucune émotion.
On a l’impression d’être devant un concert millimétré ou chaque note ou attitude est tellement travaillée qu’elle ne laisse aucune place à l’improvisation.

Bien sur certains me diront que Placebo est un groupe un peu dark-flirtant avec le courant gothique. Je vous l’accorde aisément, cependant placebo ne véhicule pas ce magnétisme ou cet esthétisme froid et fascinant que l’on peut retrouver chez Bahaus, Joy Division, The Cure ou Nick Cave.

Mais le plus marquant, c’est que placebo, derrière son attitude et son gros son est en fait un groupe pour nanas.
En effet derrière les guitares, les refrains et les couplets sont finalement assez bubble gum. L’attitude androgyne de Brian Molko semble beaucoup leur plaire.
La preuve c’est que la gente féminine est d’ailleurs particulièrement présente dans le public et qu’on y retrouve pas mal de groupies ado hurlant comme si elles avaient croisé Patrick Bruel ou Tom Cruise il y a 20 ans ou Tokyo Hotel il y a deux ans.
Il se peut qu’il y ait une filiation entre Tokyo Hotel, Indochine, et Placebo pour le public.
Ces groupes s’écoutent à 15, 18 et 20 ans.

Plus le concert avance plus on s’aperçoit que Placebo n’a rien inventé.
Musicalement, même si c’est très bien joué, il n’y a aucune personnalité. Tout est pompé à droite et à gauche, édulcoré et formaté pour coller à l’image qu’ils tentent de donner. Placebo est donc le parfait exemple du groupe mainstream qui touche le grand public mais qui ne marquera pas l’histoire.
Il y en a d’autre dans cette catégorie et selon les époques : Coldplay, The Troggs, Pat Boone…

On est donc finalement pas à un concert de Rock mais à un showroom présentant un produit formaté à un public ciblé et sélectionné pour sa capacité à l’aimer et le consommer.

Autrefois, Placebo avait probablement une âme et de la spontanéité, mais c’est aujourd’hui un vampire coaché par des marketeurs et des conseillers en communication.
Il y a fort à parier que leurs albums ne cesseront jamais de se répéter et de devenir de moins en moins intéressants.

500 jours ensemble

2009-10-27T19:13:00.005+01:00

Note : 3/4

500 jours ensemble est une comédie presque romantique.
Autant l’avouer tout de suite, je suis totalement client des comédies romantiques. Qu’elles soient françaises, anglaises, américaines, avec ou sans Hugh Grant je suis preneur à moins qu’elles ne se prennent trop au sérieux ou qu’elles soient interprétées par Sandra Bullock, Reese Witherspoon ou Renée Zellweger qui m’insupportent particulièrement.
Je préfère aussi le genre quand il est contemporain. L’outrance romantique des adaptations de bouquins de Jane Austen et les films avec Emma Thomson se heurtent probablement à mon manque de sensibilité féminine.

500 jours ensemble avait donc tout pour me plaire. Le film répond à tous les codes du genre :

jeune première et jeune premier romantique,
humour bon enfant,
musiques pop bien choisies pour vous aider à sortir une larme de crocodile,
copains tour à tour envahissant patient et sympa bien que déconcertés par le désordre sentimental des protagonistes,
dommages collatéraux des émois sentimentaux sur la vie de tous les jours,
absence totale de questions existentielles,
happy end de rigueur.

Le film répond au cahier des charges mais il y répond même avec un peu de cynisme, un regard un peu décalé, des interprètes attachant un mode narratif plutôt malin et une bonne réalisation.

Les 500 jours de passions amoureuses entre Tom et Summer, de leur balbutiements en passant par les disputes et les réconciliations nous font l’effet d’une friandises légèrement acidulée que l’on savoure pendant 90 minutes en se disant que quelque part on a été à un moment ou à un autre assez proches des personnages de ce film sympathique qui ne se prend pas au sérieux .Le film bénéficie d’une bonne BO qui ravira les ados ou post ados célibataires qui attendent le prince charmant sans y croire mais en l’espérant très fort.

Bref un film idéal pour un soir de déprime, une sortie en amoureux ou un dimanche après midi pluvieux.

Prince - le Grand Palais, 11 octobre 2009

2009-10-13T18:32:00.003+02:00

Note : 3/4

Prince en concert à Paris, cela ne s’était pas produit depuis une grosse dizaine d’années.
Clairement Prince est sans nul doute l’un des derniers représentants vivant de ce que l’on peut appeler les mégastars de la musique.
De plus, contrairement à certains, il est l’un des rares a ne pas avoir dépassé la date de péremption. A 51 ans il semble être en pleine possession de ses moyens mais il reste aussi l’un des plus imprévisibles.

Prince sur scène est précédé d’une réputation délirante. Il est unanimement considéré comme un musicien surdoué et une bête de scène capable des performances les plus extravagantes et les plus diverses.
Cet été à New York il a enchainé 3 concerts le même jour avec trois groupes différents.
Il peut aussi un jour faire un concert de jazz, le lendemain un concert de Funk et enchainer le surlendemain par un concert crooner au piano ou une performance rock avec des guitares à la Hendrix.
Il est aussi coutumier d’after show dans de petites salles rentrés dans la légende dans lesquels il se laisse aller à des sessions d’improvisation époustouflante comme celui du New Morning en 1987 ou de ceux donné au Bataclan lors de ses derniers passages.
Souvent ce type de concert est annoncé avec une fausse identité.
Il est aussi capable de quitter une scène si on le prend en photo ou si le public ne réagit pas comme il le souhaite.
C’est dire s’il est difficile à suivre.

Cela fait quelques semaines qu’on subodorait une visite princière à Paris. En juillet des shows à l’Olympia avaient été évoqués puis annulés pour être repoussés.
On n’en savait pas beaucoup plus jusqu’à ce qu’une rumeur persistante ne circule sur le net annonçant deux concerts au grand palais dans la même journée le 11 octobre, soit 4 jours plus tard.
Prince serait tombé amoureux de l’endroit quelques jours plus tôt lors du défilé Chanel auquel il était convié et l’aurait booké dans la foulée pour une journée.
Aucun concert n’avait de Rock ou de Funk n’avait, à ma connaissance, jamais eu lieu dans cette enceinte.
C’est dire si l’engouement suscité par cette annonce était grand.

Se procurer un sésame pour ce type d’évènements n’est pas chose facile. Il faut savoir où, quand et comment les places seront mises en vente et il faut avoir la meilleure stratégie pour être parmi les heureux élus.
Il faut malheureusement aussi ne pas se formaliser d’un tarif exorbitant.

Ces deux conditions réunies, j’ai pris le chemin du Grand Palais pour le second concert de la journée programmé à 22 Heures dans un état de surexcitation avancé et une volonté de faire face à certains de mes aprioris pour mon premier concert de Prince.

En effet, que les choses soient claires :
Je ne suis pas un inconditionnel du Kid de Minneapolis. Je n’ai de sa musique qu’une culture Best of et single même si je me suis parfois procuré des albums comme Purple Rain, Around the world in one day, Sign of the times et Diamonds and pearls.

Sa musique m’a souvent décontenancé. Si j’y trouvais bien sûr un certain talent et un intérêt évident, elle est à mes yeux souvent pollué par un son trop eighties et des nappes de synthétiseur effroyables sorties tout droit d’une Bande Originale d’un "action movie" des années 80 comme le Flic de Berverly Hills ou de certaines envolées "Madonnesques".

Dans le Funk, je suis à la base plus intéressé par un son plus Roots comme celui de Sly and the family Stone, James Brown, Funkadelic, Isaac Hayes ou de l’afro beat de la famille Kuti.

La salle est assez étonnante. Débarrassée de tout décorum on pourrait se croire dans un immense entrepôt si le toit ne se révélait pas être une immense verrière grand siècle.
Le sol en béton contraste avec l’aspect extérieur du bâtiment. Mais le plus étonnant est que le concert n’a lieu que dans une aile de l’édifice tant celui-ci est grand.
On sent tout de suite qu’une telle architecture sera un frein à une ambiance chaude et moite comme le funk peut en provoquer.

A 21H45, des clameurs s’élèvent. L’auto proclamé Love Symbol fait son apparition dans son palais d’un jour et se dirige vêtu d’une tenue immaculée vers sa loge.

En plus d’une prohibition alcoolique digne du Chicago des années trente et d’une interdiction de fumer plus récente, les organisateurs prirent la parole et rappelèrent qu’il était interdit de prendre des photos sans quoi le souverain du jour quitterait la scène sans espoir de retour.
Les rares petits malins qui s’essayèrent à braver la loi princière se firent attraper et expulser de la salle par des vigiles qui n’hésitaient pas à fendre la foule pour saisir leurs proies.

A 22 Heure, sur une scène sans aucun artifice, la cérémonie commença.
C’est un Prince guitariste auquel nous avons droit ce soir. Le Funk est pour notre plaisir la grosse tendance de la soirée. Il attaque avec 1999 qui semble ravir les dévots du nain.
Il ne parait d’ailleurs pas si petit que cela.

Le répertoire s’attarde sur les premiers albums comme Purple rain et des morceaux comme Contreversy.

Ce qui se dégage de ce début de concert, c’est qu’indubitablement Prince a un charisme évident.
De plus c’est un véritable virtuose à la guitare. Il semble jouer avec une facilité déconcertante des trucs pourtant pas évident en se permettant des variations inspirées et des improvisations qui vous emmènent d’un tempo à un autre comme si de rien était.
Vocalement, c’est une tuerie. C’est le groove incarné. Il dégage un érotisme moite qui à la réflexion lui est totalement propre. Il dégage aussi une vraie intensité.

Clairement, on est dans un déluge de Funk.

Les morceaux s’enchainent avec bonheur. On a notamment droit à des impros sur le Freak de Chic, une bonne reprise de Without love des Doobie Brothers et un hommage à Sly Stone avec Everyday people et I want to make you higher.

Puis au mout de 75 minutes il quitte la scène. On se dit que le concert est en train de tourner au braquage vu le prix des places.

Heureusement il ne s’agit que d’un intermède avant un Purple rain qui fera hululer la foule et un nouvel envol vers des morceaux de Funk hypnotique pendant 45 minutes supplémentaires avant que, semble-t-il satisfait, Prince donne congés à ses sujets.

On a bien à faire à un musicien de génie et le concert valait le détour. Cependant ce n’était pas non plus le concert du siècle.
L’Atmosphère était froide et métallique. L’omniprésence de nappes de synthétiseur m’a personnellement beaucoup gêné mais je m’y attendais.
J’ai aussi eu l’impression que Prince malgré tout son talent ne donnait pas tout ce qu’il avait dans le ventre. J’aurais aimé le voir pousser ses chansons d’avantage dans leur retranchement. On a l’impression que plutôt que d’emmener tout le monde vers une explosion, une éruption de Funk acide, il se contentait de balader son public d’un groove à l’autre.
Ce qui aurait pu être une tuerie m’a semblé parfois trop tranquille.
Non, je n’ai pas été déçu mais je suis resté un poil sur ma faim.

En terme de Funk purement musical, je suis beaucoup plus adepte de Georges Clinton ou de la chaleur de la famille Kuti, même si aucun d’entre eux n’a les mêmes facilités musicales et l’érotisme de la voix du plus connu des témoins de Jehova.

Néanmoins je me serai bien laissé tenté si j’en avais eu l’occasion par le concert du lendemain à la cigale (la meilleure salle de concert de Paris avec l’Olympia). Je suis d’ailleurs persuadé que le concert m’aurait plu d’avantage.

Le Petit Nicolas

2009-10-05T15:33:00.003+02:00

Note : 3/4

Le petit Nicolas sur grand écran est un projet un peu casse gueule tant les personnages de Nicolas et ses amis répondent à une imaginaire développé par des générations entières de lecteurs des petites nouvelles de René Goscinny.

Le moins que l’on puisse dire, c’est que la transposition sur grand écran a été extrêmement bien travaillée.

L’une des difficultés majeures a probablement été de trouver une histoire complète permettant pas mal de digression plutôt que de faire une suite de sketches comme peuvent l’être les livres
De ce point de vue là, ça tient la route.
L’histoire du petit garçon qui se rebelle contre ses parents de peur que sa vie change avec l’arrivée d’un bébé est prétexte à toutes les entourloupes avec sa bande de copains.

Le parti pris de conserver Le petit Nicolas dans les années 50/60 est un choix qui évite de trahir l’âme et les dialogues de Goscinny. On imagine pas le petit Nicolas parler comme les ados de LOL.
De ce point de vue là, c’est une vraie réussite car l’esthétisme et le langage de l’époque sont bien préservés sans pour autant déplaire aux enfants d’aujourd’hui.
Il faut noter que le scénario et les dialogues ont été entre autre travaillés par Alain Chabat qui possède la formule magique pour adapter Goscinny au cinéma. Sans lui les deux autres Astérix ont été des naufrages dignes du Titanic.

Le casting aurait pu tourner au casse tête mais au contraire le choix des acteurs semble avoir été une évidence. Kad Merad et Valérie Lemercier sont parfaits et hilarants. Les seconds rôles (Prevost, Galabru, Anemone, Kimberlain, Duchaussoy, Demaison) renforcent le sentiment que rien à été laissé au hasard et donne vraiment vie à leur personnages.
Les enfants sont tous excellents (mention spéciale à Clotaire) et correspondent à l’idée que l’on peut en avoir en lisant les livres à l’exception du petit Nicolas. En effet celui-ci est un peu être un peu lisse et un peu grassouillet par rapport à l’image qu’il m’évoque.

La narration des livres qui leur donnait toute leur saveur est bien transposée dans le film.
Une voix off prend le relais des dialogues pour rester dans l’esprit et ne dénature en rien l’œuvre de Goscinny.

Bref il n’y a pas grand-chose à redire sur la qualité de l’adaptation.

Tout cela donne un film, plaisant, potache, drôle et bien rythmé plein de bonne humeur.
A l’image de la guerre des boutons, il ravira petits et grands avec ses très bons gags et leur coté désuet.
C’est clair que ceux-ci peuvent paraitre un peu proprets à l’heure des films de Judd Apataw d’American Pie et de Ben Stiller. Mais peut-on vraiment s’en plaindre ?
Certainement pas les fans du Petit Nicolas qui y trouveront leur compte.

C’est un film que les grands parents iront voir avec leurs petits enfants et apprécieront comme il se doit.
C’est un film que les cinquantenaires et les soixantenaires regarderont avec nostalgie.

En revanche si l’on est allergique à l’esthétique des Choristes, d’Amélie Poulain et si l’on est un fan de la discrimination positive il vaut mieux passer son chemin.

On peut aussi émettre des doutes sur le succès de ce film dans les zones d’éducation prioritaires, qui seront assez peu concernés.
Les geeks, les fans de hip hop, de Twilight, de Tokyo Hotel, de Worfld of Warcraft risquent aussi d’être indisposés.

L'affaire Farewell

2009-10-04T15:52:00.002+02:00

Note : 4/4

L’Affaire Farewell n’est pas une prouesse cinématographique, un film coup de poing porté par des effets de mise en scène délirants et des performances d’interprétation hors du commun.
L’intérêt du film de Christian Carion se situe ailleurs. Il réside dans le fait qu’il nous raconte une très bonne histoire. Une histoire vraie qui a clairement bouleversé le monde. Et elle est excellemment bien racontée.
Le propre du Cinéma étant de mettre en valeur de bonnes histoires, l’Affaire Farewell est une réussite.
L’histoire de cet officier russe qui, sous le rideau de fer, livre à l’ouest par l’intermédiaire d’un ingénieur français des informations sidérantes qui finiront par déséquilibrer la bipolarisation du monde à l’orée des années 80, est peu connue du grand public.
Il est fait allusion à cet épisode dans le Verbatim de Jacques Attali et dans quelques livres d’histoires et certaines biographies de Ronald Reagan et de François Mitterrand mais aussi déterminant soit il, cet évènement fait à tort d’avantage partie de la petite histoire que de la grande histoire.

Le film de Christian Carion remet habilement en valeur cet épisode historique.
Il ne cherche pas à rajouter des effets qui aurait pu faire de son film un thriller mais explique les faits de manière linéaire et humaine en n’en négligeant aucun aspect.

Il est ainsi fait allusion à la perception de l’élection de François Mitterrand en 1981 par les Etats Unis, à la vie de tous les jours et au climat oppressant qui sévissait en URSS sous Brejnev, aux différentes méthodes de renseignements entre les USA, la France et l’URSS ainsi qu’aux difficultés personnelles qu’entraine une telle histoire pour ces acteurs.

La représentation de Gregoriev, l’officier qui livre les renseignements à l’ouest est très émouvante. Emir Kusturica redonne vie à un patriote Russe épris d’humanisme de culture et de poésie française qui agit de manière totalement désintéressé dans le seul but de donner la possibilité à son fils de vivre dans un monde meilleure.
Cette passion pour la France qui peut paraître étonnante dans le film, s’explique par le fait que sous le rideau de fer le français était la première langue étrangère étudiée à l’école puisque l’Anglais y était banni de l’enseignement classique et uniquement destiné aux scientifiques, diplomates.
Des générations entières de Russes ont donc étudié Saint Exupery et son petit prince, la poésie de Rimbaud, Mallarmé et Baudelaire.

Guillaume Canet livre une prestation honnête de ce Français dépassé par les évènements qui se rend compte petit à petit de l’importance de son action et de l’amitié et du respect grandissant qu’il éprouve pour Gregoriev.

La réalisation, si elle est très classique, ne souffre d’aucune faiblesse.
Il prend son temps pour raconter l’histoire et ne nous inflige pas d’une mise en scène épileptique très en vogue en ce moment, ce qui fait beaucoup de bien.
Christian Carion s’attache à montrer Moscou aux débuts des années 80 avec des focales qui ne sont pas sans rappeler beaucoup de film des années 70 et qui en donne une représentation très crédible sans pour autant qu’elle soit dénuée d’un certain sens esthétique et d’ambition.
De plus la musique est mieux qu’un faire valoir dans ce film.
La mise en scène et le film pourrait évoquer un croisement heureux entre le cinéma d’Henri Verneuil (Le serpent) et le cinéma de Regis Wargnier (Est Ouest).

L’affaire Farewell est au final un très bon film et un vrai témoignage historique et une très bonne histoire d’espionnage.
Et en tout cas, c’est typiquement le genre de film qui me plait.

C’est aussi un film qui montrera aux adolescents d’aujourd’hui que la Russie d’il y a trente ans était très éloignée de l’image qu’ils peuvent en avoir aujourd’hui :
Celle de gros multimilliardaires mafieux à la Abramovitch qui passent leur vie sur des yachts à Saint Tropez en compagnie de mannequins habillées chez Gucci et Dolce et Gabana et qui s’encanaillent en faisant des bataille de Cristal Roederer avec Puff Daddy au nikki beach.

C’est dire si les conséquences de l’affaire Farewell auront dépassé les attentes du Colonel Gregoriev !!!

Noir Désir - L'Olympia Paris, le 3 février 1993

2009-10-01T14:01:00.004+02:00

Note : 4/4

Quelques temps après la sortie de l’album Tostaki dont le single éponyme envahissait les ondes et remettait au gout du jour le pogo dans les soirées étudiantes, Noir Désir commençait une tournée marathon.

La première salle parisienne fut l’Olympia.

Attendu au tournant après une tournée écourtée pour raison de santé lors de la sortie de l’album Du ciment sous les plaines, la fameuse salle parisienne s’était remplie très vite (prix des places 110 Francs soit 17 Euros) et affichait logiquement complet.

Après une première partie assurée par les City Kids, groupe havrais mort peu de temps après, les lumières s’éteignirent et Noir Désir attaqua.

Attaquer, c’est le mot qui convient tant ce concert fut défenestrant !!

La première chanson fut La rage, extrait de leur premier album. La relecture survoltée de cette chanson transforma la salle en champ de bataille tant elle portait bien son nom.

No, no, no nous apprend ce que peut être une montée en intensité.

Ici Paris, Les écorchés, A l’arrière des taxis, Johnny confirment que la bataille fait rage.

Quand on parle de rage et de bataille, il faut néanmoins préciser qu’il ne s’agit pas d’une rage de bourrin façon métal à la KoЯn, mais d’une rage brute stylisée.

Quelques chansons comme Lolita et Marlène donnent de l’air à un public tout en le maintenant dans l’univers si particulier du Fleuve.

Clairement les textes de Noir Désir sont au dessus de la moyenne, ils transmettent une poésie d’auteurs maudits dont l’approche peut évoquer, toute proportion gardée, Rimbaud, Lautréamont ou Baudelaire.

Première évidence, Noir Désir est un groupe d’un niveau extraordinaire.

Personne ne joue de la guitare comme Serge Teyssot Guay. Son jeu est personnel, son son est abrasif et apporte désormais une vraie maturité à Noir Désir.

Mais Surtout Bertrand Cantat est un chanteur totalement faramineux. Sa voix est tour à tour belle, troublante, violente, rageuse et envoutante.

Il est littéralement habité et bénéficie d’un charisme et d’une présence hors du commun.

A bien des égards, sa silhouette s’approche d’un Corto Maltèse survoltée.

Il est de la trempe d’un Iggy Pop, d’un Nick Cave, d’un Jim Morrisson et peut être aussi d’un Brel.

Deuxième évidence : Le groupe ne se contente pas de faire un copier coller des versions albums. Au contraire ils les entrainent dans leurs retranchements. Tels des funambules sur une lame de rasoir, ils poussent leurs chanson au bout de la rage et de la transe.

Les versions de La chaleur, de The holy economic war emportent tout sur leur passage.

Le groupe nous offre une relecture de I want you des Beatles et de Long time man de Nick Cave en emmenant ces chansons au-delà de l’imaginable sur des chemins de traverses qui n’appartiennent qu’à eux.

Dans l’obscurité, des éructations, des cris stridents, des guitares font gronder l’orage, la batterie fait sonner le tonnerre et nous voilà En route pour la joie.

C’est une version dantesque de plus de dix minutes qui ravage l’atmosphère, et entraine le public de la transe chamanique à des crescendos aux sommets de l’intensité et de la rage.

Quelle claque !!!! On se sent hagard mais conscient d’avoir vécu un immense moment de musique et de scène.

Et contre tout attente, ce n’est pas fini. Noir Désir revient avec un violoniste et toutes lumières allumées, ils s’attaquent à Drunken Sailor, une chanson de marins qui redonnerait du courage à une armée en perdition.

Peut être qu’on ne reverra plus un tel spectacle.

Pour s'en rendre compte, Noir Désir - En route pour la joie à la Cigale, 1993

Terminator 2 : le Jugement Dernier

2009-10-01T13:38:00.004+02:00

Note : 2/4

Chose promise, chose due !!!!!!
A la suite de nos nombreux échanges sur le sujet, je m’étais engagé à revoir Terminator 2 que je n’avais pas vu depuis sa sortie en salle en 1991.
Clairement, votre virulence et vos arguments avaient quelque peu ébranlé mon jugement sur ce film et son réalisateur.
J’ai donc emprunté le DVD et je l’ai regardé hier soir.

Mon verdict est le suivant :

Clairement, le film a des qualités. Celles–ci résident principalement dans le fait que c’est :
1. Une très bonne suite qui bénéficie de la mythologie de l’excellent scénario du premier épisode
2. Clairement, Robert Patrick et son terminator en métal liquide est un excellent méchant.
3. Les effets spéciaux n’ont pas vieillis. Ils sont redoutables.
4. Le coté un peu Kitch eighties début nineties n’a aucune importance puisque le film est censé se passer en 1991.

Tout cela étant évoqué avec la plus grande franchise, je suis au regret de vous dire que votre jugement global sur ce film est particulièrement sur évalué et que vous restez tanqué sur vos émois d’adolescents pré pubères décérébrés.

En effet, T2 est un excellent blockbuster. C’est divertissant, ça explose de partout mais c’est quand même bien "bourrin".
De plus le jeu de Linda Hamiltton est particulièrement exécrable, les dialogues sont d’une pauvreté abyssale (et pas seulement ceux du Terminator, ce qui aurait pu se comprendre).

Les scènes d’actions aussi spectaculaires soient elles sont tirées en longueurs et finissent par être un peu assommantes.
La palme du film revenant à ce rajout débile de l’extrême fin du film, quand avant son sacrifice, le robot Terminator admet comprendre et ressentir quand John Connor pleure.

Je vous ferai grâce de l’énorme incohérence qui voit Robert Patrick arriver du futur nu, qui est obligé de taxer des vêtements à un flic et qui par la suite se régénère tout habillé quelque soit le personnage dont il prend l’apparence.

Je ne reviendrai pas sur l’affreuse musique (constante chez Cameron) d’où seul surnage le You could be mine des Guns and Roses.
Je ferai en revanche un petit point sur la réalisation. Si elle ne manque pas d’ambitions et de démesure, l'esthétisme de sa photographie est particulièrement absent. Il n’y a rien de beau, les filtres bleus fluos omniprésent datent bien le film de la fin des années 80. Au final et c’est une constante chez notre ami Cameron, sa réalisation aussi spectaculaire soit elle manque grandement de personnalité, de style et d’esthétisme.

Si je devais noter ce film , je mettrais 2 sur 4 car T2 reste malgré tout un super divertissement SF et j’aime bien ça.

C’est vrai que mis à part Le silence des agneaux (dont je ne suis pas très fan) la concurrence en terme de films d’actions étaient assez faible cette année là : Missing in action 3, Kick boxer, Hudson Hawk, Robin des bois version Costner et Higlander le retour.

Au royaume des aveugles les borgnes sont rois !!!!!

J’ai un temps pensé que T2 était le premier blockbuster de l’époque moderne et que du coup il avait un vrai coté novateur et devait malgré tout avoir toute ma reconnaissance.

Peine perdue !!! Robocop, Piège de cristal étaient sortis en 1988, Batman, L’arme fatale 2 et Abyss en 1989 , Nikita et Total Recall, 58 minutes pour vivre et Octobre rouge en 1990.

Dans cette liste, je vois au moins 5 à 6 films qui sont supérieurs à T2.

La comparaison que vous avez évoquée avec le premier opus de Matrix est particulièrement sympa pour T2 tant le film des frères Wakowski lui est supérieur en tout point. Revoyez les tous les deux et vous verrez.

Cela dit, il y a un domaine ou T2 restera un monument indépassable, c’est sur les flippers !!!!
Il sera toujours loin devant Amazon Hunt, Elvira et La famille Adams.

District 9

2009-09-26T10:41:00.002+02:00

Note : 1/4

District 9 était précédé d’un sacré buzz. Le réalisateur de la fameuse pub de Citroën avec un transformer, produit pour son premier long métrage par Peter Jackson. De plus le pitch du film était alléchant : Les extra terrestres venus pacifiquement se retrouvent asservis et parqués par les humains.
Tout cela était soutenu par une bande annonce et une affiche hyper efficace.

Bilan des courses :

Tous ces éléments sont au rdv.
Les effets spéciaux sont délirants et montrent une fois de plus que ILM (Industrial Light & Magic) est largement dépassé par le savoir faire des néo-zélandais bossant pour Jackson.
En effet, ils sont largement plus crédibles et réalistes et moins grandiloquents que ceux de Lucas.

Le style du film est très particulier. L’histoire est racontée comme un reportage basé sur des images de documentaires. De ce point de vue là l’effet est particulièrement réussi. La photographie et le style un peu abrupte et les images saccadés de caméra à l’épaule servent bien ce parti pris de base.

Le pitch est très bien exploité. Situer l’action en Afrique du Sud est assez symbolique, tout comme la gestion des extra terrestres par les humains renvoie sans cesse aux problèmes que nous connaissons avec les sans papiers ou aux pires heures de la seconde guerre mondiale.

Tout cela aurait donné un court ou un moyen métrage choc assez extraordinaire.

Le problème c’est que District 9 est un long métrage. Du coup il faut bien évidemment aller plus loin que le pitch.

C’est là que le bas blesse et ou l’on tombe dans ce qu’il y a de pire dans le genre SF.
La transformation du personnage principal est débile.
De plus on tombe dans un action movie à la Robocop dopé aux hormones archi gore.
Et oui, il ne faut pas oublier d’où vient Peter Jackson. Avant d’être Mr Lord of rings, il était Mister Brain dead pour toute une génération de geeks déviants.
Du coup on n’est pas franchement épargné sur le gore être le coté bourrin.
A cela vient s’ajouter une musique tapageuse archi pénible qui achève de fatiguer le spectateur déjà éprouvé par les soubresauts de la caméra portée.

Il y avait de l’ambition dans District 9. Il y a aussi du talent et un regard assez novateur. Mais il y a aussi tout ce que je déteste dans le cinéma : du gore, une camera épileptique, et des incohérences débiles qui finissent par m’achever.
Et pourtant le film est très loin d’être totalement mauvais ou raté.

Changement de bobine : James Cameron - Jips (2)

2009-09-24T14:36:00.001+02:00

De bons compléments..

OK pour une chose : je me suis peut être emballé concernant Aliens meilleur que Alien. Le premier de la série est effectivement un chef d'œuvre absolu ce que ne peut prétendre le deuxième même s'il est vraiment excellent.

T2 : Il y a effectivement un côté nostalgique mais les nombreux visionnages par la suite m'ont enlevé toute subjectivité. La structure, le montage, le script et son exécution sont a mon avis PARFAITS. C'est peut être le film "le mieux fait" de Cameron selon moi. Intéressant que tu te le revois Lol même si tu ne seras pas obligé de changer d'avis. Une deuxième relecture est parfois nécessaire (j'avais trouvé King of New York de Ferrara très banal la première fois).

Changement de bobine : James Cameron - Stan (1)

2009-09-24T14:30:00.002+02:00

Je me vois quand même obligé d'intervenir pour temporiser quelques unes de vos vérités sur Cameron.

Oui, Cameron fait de (très) bon films de SF, et oui, certain vieillissent particulièrement mal (Terminator).
Toutefois, T2 est parfaitement regardable aujourd'hui, Abyss aussi.

Oui, T2 est un vrai bon film, et je me range du coté de Jips pour dire qu'il est aux années 90 ce que Matrix est aux années 2000 et je ne crois pas que ce soit de la nostalgie. J'attends le re-visionnage de Lol qui ne l'a pas vu depuis sa sortie au cinéma, mais je suis optimiste.

Non, Matrix ne vieillira pas autant que le pense Lol et du coup, T2 non plus.

Non, Titanic n'est pas un bon film !
Toutefois, c'est une vrai bonne reconstitution qui ne vieillira pas, magistralement exécutée, très bien financée qui marque les esprits. Mais trop de clichés viennent gâcher totalement le plaisir : fin connue et trop attendue pendant trop longtemps, musique immonde et larmoyante, relation amoureuse et histoire chiante à mourir, acteurs sur-jouant... bref, je salue la performance, mais le cinéphile que je suis ne souhaite pas s'étendre plus et ne le reverra jamais! Il tient plus du film-mouchoir que du film pop corn.
A ranger dans la catégorie "plaisirs coupables" de Jips me parait donc opportun.

Non, Aliens n'est pas meilleur que Alien !
C'est une hérésie que d'écrire cela et de le penser. Ou alors il faut se placer uniquement dans le contexte du visionnage ciné pop-corn. De ce point de vue, c'est un bon film d'action SF, avec une pointe d'angoisse et beaucoup d'hémoglobine aussi bien humaine que d'alien. La première scène d'action est presque humoristique, tant les troupes d'élites prétentieuses se font décimer la gueule en moins de 2min.
Mais Alien est révolutionnaire à l'époque, tant sur l'histoire que la technologie et l'esthétique. On y croit, on a peur, on chie dans son ben et on pleure tellement c'est beau... C'est un chef-d'œuvre de la SF et du cinéma dans son ensemble. Un de ces 5 films qui ne vieillira pas dans cette catégorie.
Toutefois, le 2ème volet de la saga s'inscrit parfaitement bien dans l'ensemble de la série. C'est un bon film, indéniablement.

Les films de John Carpenter vieillissent encore plus que le plus vieillit des films de Cameron, c'est un fait.
Toutefois, contrairement à Cameron, Carpenter à un style et un univers bien à lui. Pour le coup, c'est un vrai réalisateur et un vrai metteur en scène.
Oui, Carpenter à une place parmi les grands directeurs de SF, mais pas dans notre discussion d'origine. En ce qui me concerne, je ne suis pas son actualité.

Je me dois de dénoncer Lol sur sa dernière intervention, car je perçoit dans son écriture une certaine mauvaise foi. Comme il l'a annoncé, c'est un terrain glissant que de se poser la question "est-ce bien nécessaire" : la réponse est oui, il est impératif que certain dans l'industrie fassent évoluer la technologie, même si c'est là leur domaine de prédilection comme Cameron.
Tout le monde n'est pas un Kubrik, au sens "complet" du terme. Tout le monde ne peut à la fois avoir une bonne histoire, de bon acteurs, une bonne musique, mise en scène, financement, montage, etc, etc. Il faut parfois un mec qui sache faire du spectacle et trouver une solution pour créer ce qui n'existait pas avant lui afin que d'autres viennent après et s'en inspirent ou utilise la même technologie au service d'une bonne histoire. Si cette solution provient du fait d'avoir bien vendu son projet aux producteur, je dis OK. Une sorte de théorie de la grappe d'innovation de Schumpeter appliquée au Ciné...
La principal qualité de Cameron serait d'être un bon financier? Et alors? Lol, je reprend une de tes expression : ne boudons pas notre plaisir !

Bon, dans l'ensemble, c'est tout ce que j'ai relevé qui méritait que j'intervienne et en guise de conclusion, je suis parfaitement d'accord avec Jips concernant la comparaison Cameron / Lucas / Zemekis, le retouchage des films SF, etc :
Oui : Cameron est un bon réalisateur de SF, pas un auteur et non, ses films ne sont pas à jeter.

Welcome dans notre liste, James Francis Cameron !

Changement de bobine : James Cameron - Lol (2)

2009-09-24T14:28:00.001+02:00

Soit !!
Clairement ses films ne sont pas à jeter, mais son talent est surtout d'arriver à réunir des budgets colossaux pour innover sur des techniques d'effets spéciaux inédites.
Mais au final est ce bien nécessaire ? C'est limite comme les bonus des traders (mais là je m'engage sur un terrain glissant).

Mis à part cela rien ne le distingue vraiment d'un John Carpenter (personnes ne l'a cité dans les réalisateurs à suivre).

Cependant je pense que T2 est pour toi comme la Madeleine de Proust et que tu n'es pas objectif car tu n'arrives plus à faire la part entre nostalgie et qualité (ça m'arrive pour Highlander ou Le diamant vert).
Je relève le défi de me mater T2 dans les prochains jours et de faire un compte rendu objectif.

Changement de bobine : James Cameron - Jips (1)

2009-09-24T14:20:00.003+02:00

Haha je vous ai dit de prendre vos casques, pas de sortir vos guns ;)

Premier désaccord donc, Chevalier, j'accepte votre duel, en garde!!

Une rectification d'abord : Je n'ai pas de "passion inconsidérée" pour Cameron même si je suis très loin de le détester. Tu ne l’aimes tout simplement pas et tes arguments sont recevables... Seulement je trouve difficile de l’ignorer comme un véritable poids lourd de l’industrie. Tous ses films, à de rares exceptions prés ont marqué l'événement à chaque fois (Aliens, T2, Titanic, Abyss n'étant vraiment pas démodés a mon goût).

Abyss pompe sur Rencontres... au même titre que ce dernier s'inspirait de The day the earth stood still de Robert Wise (et de bons nombres de films SF des années 50). Tu reconnais que le film est bon donc je n'irai pas plus loin.

Concernant Terminator, on est globalement d'accord. C'est un film qui a de grands mérites mais qui effectivement a mal vieilli (trop années 80).

T2 en revanche est une véritable tuerie selon moi. Je le compare a Matrix dans le sens ou il changé le cours de la SF. On a un autre désaccord ici concernant ces deux films. Les suites de Matrix sont deux grosses merdes immondes mais le premier... un kiffe total pour moi. Je ne pense pas que Matrix vieilli mal bien au contraire, c'est d'ailleurs en partie pour ça que je le place aussi haut.

Revenons à mon idole ;) Titanic est le premier film que j'allais mettre dans la catégorie "plaisirs coupables" que tu nous a proposé de taffer. Je te rejoins sur toutes tes critiques du film mais il n'empêche que ce film est un mammouth de l'histoire du cinéma. C'est un projet qui ressemble au Gone with the Wind de Selznick par sa démesure et son succès international. Le film a ses défauts mais en tant que spectateur pop corné jusqu'au pif, j’avoue avoir terriblement aimé. C’est le film dont on connait la fin mais qui réussi a tenir en haleine ce qui a mon goût n’avait pas réussi a faire Walkyrie par exemple.

Cameron n’est pas un auteur mais un réalisateur de Science Fiction et au même titre que les Zemeckis et autres Lucas, le jeu des acteurs n’est pas son fort. Ces types sont, je pense, plus passionnés par l’évolution technologique du CGI que par la préservation de la bobine. On adhère ou pas. La difficulté de faire de la grande Science Fiction est qu’effectivement les films de SF peuvent se démoder facilement (Ghostbusters) et que ceux qui restent bétons se comptent sur les doigts d’une main. Est-ce pour ça que Lucas a retouché ses premiers Star Wars pour mieux les actualiser ? Perso je trouve cette méthode franchement abusé. Un peintre repeint-il sa toile vingt ans après, un écrivain réécrit il son livre ? Un film est ce qu’il est a sa sortie et doit le rester (Je suis preneur de quelques Director's cut selon le contexte).

Lucas peut souffrir des mêmes critiques et plus (40 ans du même délire), mais imagine-t-on une liste des grands réalisateurs sans le mentionner? Cameron est un peu dans le même lot pour moi.

Je demande donc a messieurs les jurés d'acquitter Mr Cameron et de lui restituer ses droits de "grand" réalisateur, en espérant que le juge soit compréhensible ;)

Changement de bobine : James Cameron - Lol (1)

2009-09-24T14:10:00.002+02:00

Personne n'est parfait Jips.

Ta passion inconsidérée pour James Cameron en est l'illustration la plus parfaite.
En plus dans ton argumentation, tu donnes le bâton pour te faire battre plusieurs fois.
Je veux bien être indulgent pour Terminator. Le scénario du premier est proprement démentiel et sans pitié même si le film a aujourd'hui plus que mal vieilli. Les couleurs sont abominables et je ne parle même pas de la musique réalisée avec un orgue Bontempi.
Le deuxième bénéficie de moyens substantiel et se laisse voir comme un film pop corn.

Avec Aliens, Cameron propose la suite d'un mega classique SF basé sur l'effroi et l'épouvante en le mutant en une espèce de Doom sans finesse ou les aliens sont détruits à la pelle. La musique est aussi immonde.

Titanic a pour moi un mérite. Celui de faire attendre le spectateur pendant prés de deux heures avant de lui offrir ce pourquoi il était venu. Du coup il s'attarde sur les personnages et sur des histoires parallèles. Dommage que les personnages et l'intrigue soient dignes d'un bouquin de Barbara Cartland. Je ne m'attarderai pas sur la terrible musique de ce film. Outre l'insupportable Céline Dion, James Horner nous propose une BO dégoulinante, ruisselante de violons larmoyants sorti tout droit d'un orchestre pour ascenseur.

Abyss est un bon film, probablement l'exception qui confirme la règle, mais il est intégralement pompé sur Rencontres du troisième type.

Cameron a une chance, celle de pouvoir avoir les moyens d'innover. Il est l'archétype du barbu interrogé sur les bonus de DVD devant un fond bleu en expliquant de manière inintelligible les effets spéciaux de son film en oubliant de parler de l'histoire.

Jips, la comparaison avec Matrix est irrecevable tant les frères Wakowski se sont tout de suite perdus après un film. Certes Matrix était marquant pour l'époque mais sera, s'il ne l'est pas déjà complètement ringard d'ici peu. Comment peut on prendre au sérieux Néo avec son téléphone portable et sa cabine téléphonique à l'heure de l'I PHone ?
Les deux suites ont été désastreuses.

Pour revenir à Cameron, on a quand même à faire à un réalisateur sans style (contrairement à Tarantino, Spielberg dont on reconnaitrait un film sans savoir qu'il est d'eux), dont les films deviennent ringards en moins de dix ans et qui est probablement un des réalisateurs aux pires goûts musicaux du marché.

Son Avatar est cependant tentant car la Bande annonce parait flamboyante mais je lui prédit déjà le chemin de la ringardise en moins d'une dizaine d'année car encore une fois, Cameron donne sa version de la motion capture et de la 3D. J'espère qu'il n'a pas oublié que le cinéma se fait avec des acteurs. En plus la musique est une nouvelle fois signé par l'ignoble James Horner.

P.S. : Je connais pas bien Mallick car je n'ai vu qu'une partie de La ligne rouge mais les images sont sublimes.

Changement de bobine : Les réalisateurs - Jips (2)

2009-09-24T14:03:00.002+02:00

Quelques commentaires sur le retour de Stan.

Olivier Marshall : On pense pareil. 36 est un GRAND film et même si son dernier n'est pas du même niveau, ce n'est pas un raté loin de la. Je reste bluffé par la maitrise technique de cet "ex-flic alcoolique" comme vous dites, mais comme dit Lol à voir s’il ne s’essouffle pas et n’a pas déjà pressé tout le citron de son expérience à la PJ.

Shyamalan : C’était le Hitchcock moderne, 4 premiers films vraiment super jusqu'à ce que je vois The Happening, une grosse merde, tellement grosse que je suis sorti du ciné vraiment énervé. On espère que c’est un accident de parcours mais si on compte Lady in the Water (que du coup je ne suis pas presse de voir vu ce que tu en dis), ça fait deux gros accidents. Attention Night, on se souvient que Michael Cimino est descendu en enfer pour moins que ça.

Bryan Singer : Yes, gros oubli de ma part. Son Superman est encore un mystère (par sa nullité) pour moi mais sa trilogie des X-men est vraiment de grande qualité, Good Pupil et Usual Suspects, donc oui c’est un cador pour moi aussi.

Paul Thomas Anderson : Autre oubli, c’est du solide, du très solide.

Gus Van Sant : Effectivement, à prendre en compte. Je m’attendais à mieux avec Harvey Milk mais il n’empêche, un type important.

James Cameron : Mettez votre casque (pour si vous sautez au plafond) mais indéniablement ce type est à prendre en compte dans notre discussion. Hé oui, j’adooore Titanic haha. T2 est un film incroyable par son innovation technologique (a révolutionné la SF au même titre que Matrix après lui), Aliens que j’ai vu il y a peu de temps est peut être meilleur que le premier (!). Je ne sais quoi penser d’Avatar mais après Inglourious Basterds c’est LE film que je veux voir cette année.

Sam Mendés est un bel auteur qui ne force pas son inspiration. Il ne tourne pas assez mais peut être a-t-il raison.

James Gray a une « patte » indéniable et semble avoir trouvé son acteur en Joachin Phoenix (avec Philipp Seymour Hoffman et Ed Norton, le meilleur de sa génération).

Clint Eastwood : D'accord avec toi Lol, même si je suis moins critique depuis ses trois derniers films (Letters, The changeling, Gran Torino) que j'ai vraiment adoré.

Terrence Malick : Ne l'aurions nous pas oublié celui là aussi? Badlands, The Thin Red Line et New World, mystiques!

Concernant les réalisateurs français prometteurs, j’avoue être un peu largué, perché sur mon cocotier mexicain. Je n’en vois pas assez ici et j’ai pris du retard. D’accord cependant pour Guillaume Canet qui surprend par sa maturité. Malheureusement j’avais lu le Harlan Coben (qui n’est pas un bon roman mais seulement un très bon script) et n’ai pas eu l’effet de surprise escompté. Le film est supérieur au livre et surtout quelle BO (!!)

Changement de bobine : Les réalisateurs - Lol (2)

2009-09-23T11:36:00.002+02:00

On a aussi oublié de parler de Polanski, Joe Dante et Soderbergh (carrière atypique et inégale)
Dans le style grand spectacle et malgré tous ses clichés et poncifs, j''aime bien Edward Swick (Blood diamond, Le dernier samouraï).

Je suis content qu'on ai pas évoqué Woody Allen qui à l'exception de Match point fait tous les ans le même film depuis trente ans.

Clint Eastwood est pour moi surévalué. Certains de ces films sont très très bons (Mystic river) mais sont souvent trop linéaires, classiques et à mon sens manquent d'imagination et de maestria.

On n’a pas parlé de l'école Honk Kong (Johnny To, John Woo, Ringo Lam) mais je ne suis pas un expert.

Olivier Marshall : Ok pour 36 mais il faudrait qu'il passe à autre chose que le fic alcoolo et désabusé. Son dernier film est pour moi un coup d'épée dans l'eau. Il n'a pas su exploiter le capital acquis avec 36. Je peux me tromper mais s'il ne confirme pas avec son prochain film, il sera un épiphénomène rien de plus !!

Shyamalan : Pleinement d'accord avec toi. J'ai bien peur que l'inspiration se soit tarie. Pour preuve son prochain film est le premier qu'il n'écrit pas. Aura-t-il une bonne histoire ?

Bryan Singer : Pleinement d'accord. Le défaut de ce mec est aussi qu'il aime trop les super héros. Ok les X-men c'est sympa mais obsolète depuis les Batman de Nolan. De plus le Superman reborn était naze. A noté le film Un élève doué que je vous recommande.

Sam Mendes : pas d’accord. Pour moi Les sentiers de la perdition est un plantage et n'a aucun intérêt. Mais c'est vrai qu'American beauty est pas mal.

Paul Thomas Anderson : effectivement gros oubli mais je n’adhère pas à Punch drunk love.

On parle de réalisateurs et on n’a pas évoqué Guillaume Canet.
Dans le genre plus que prometteur, il n’y a pas beaucoup mieux en France.
Deux films, deux coups de maître dans deux genres super différent.
Ne le dis à personne est pour moi le meilleur polar français depuis plus de 20 ans.

Changement de bobine : Les réalisateurs - Lol (1)

2009-09-23T11:23:00.003+02:00

Ces dernières années, il y a peu de films que j'ai vus plusieurs fois au ciné.
Il y a eu le Star Wars 3, Casino royale, Kill Bill 1, Le seigneur des anneaux, OSS 117 2, Le premier jour du reste de ta vie. Mais c'est vrai que je manque de temps.

Clairement Amenabar est un oubli hallucinant de ma part.
C'est clair que ce qu'il fait est un sans faute, sachant que son moins bon film est probablement celui qui a eu le plus de succès : Les autres.
Je pense que ce mec est dramatiquement espagnol et que ce qu'il a vu d'Hollywood ne le fait pas tripper.

Lynch est un grand mais à de rares exceptions (Elephant man, A true story) il ne me touche pas ou presque pas. Certaines scènes de Sailor et Lula sont impressionnantes mais pour le reste j'ai lâché l'affaire.
Stan veut me réconcilier avec lui en me montrant Dune avec des épices.

Nolan a clairement réussit à renouveler le film de super héros et à faire de son Batman un monument indépassable du genre. La plupart des autres ont l'air ridicule à coté (Les 4 fantastiques, Dardevil, Spiderman) et même les X-men souffrent de la comparaison.
Clairement ce mec est à suivre car Memento était un super premier film, mais j'ai adoré son film sur la rivalité entre deux magiciens Le prestige (pourtant j'étais passé à coté lors de la première vision cf. ma critique).
Dans le même style il y a un film à voir avec Ed Norton : L'illusionniste d'un inconnu nommé Neil Burger.

Del Toro, je n’accroche pas. C'est un super technicien mais Hellboy, Blade, Mimic... ça ne me parle pas. En revanche, je pense que bien encadré par un producteur exécutif il peut réussir son Hobbit au même titre que Lirvin Kershner (ce mec a aussi fait un James Bond et Les yeux de Laura Mars) et Richard Marquand ont réussi leur Star Wars.

Honte sur moi : je n'ai pas vu Old Boy en entier.
Il fait partie des classiques que je n'ai jamais vus : Taxi driver, Blow up, Blow out, La liste de Shindler, Edward aux mains d'argent, 8 et demie, Spartacus, La nuit américaine...

Quand à Danny Boyle, ce mec est un surdoué mais il est capable du meilleur comme du pire et même du hold up.
Transpotting est son meilleur film, 28 jours après réinventent le genre mais The beach, son film de SF et Une vie moins ordinaire sont vraiment en dessous.
Quand à son film indien Slumdog Millionaire, c'est l'archétype du hold up : Un bon film, mais surévalué qui ne résistera pas à l'arrêt de la diffusion de Qui veux gagner des millions.

Je ne suis pas fan des "cannois", ces réalisateurs qui n'existent que par et pour le festival de cannes : Almodovar, Von Trier, Haneke, Angelopoulos, Morretti, Dardenne, Kiarostami, Raul Ruiz, Ken Loach...
Les seuls que je sors du lot sont Tarantino et James Gray.
Cela dit James Gray malgré son immense talent et quelques supers films comme The yard ou La nuit nous appartient et Little Odessa manque d'humour, de folie et de dérision.

Tim burton malgré de grands film (Sleepy hollow, Ed Wood) est enfermé dans son propre style et tourne en rond depuis un moment (Big Fish, son dernier avec Johnny Deep), pire il traine un navet de grande envergure avec le naufrage de sa Planete des singes. C'est pour moi l'un des pires remake jamais fait : (Bon sujet de débat). Ses Batman sont juste devenus ridicule depuis que Nolan a repris le flambeau.

Il faut suivre un français qui s'appelle Remy Besancon qui a fait deux super films : Ma vie en l'air et Le premier jour du reste de ta vie et il n'a pas trente ans.

Je regrette qu'on ai plus d'auteurs à la Claude Sautet.

Un mec comme Eric Rochant a explosé en vol et ne fait malheureusement plus que de la commande de seconde zone (des séries pour Canal) alors que ce mec avait fait Un monde sans pitié, Les patriotes, Aux yeux du monde et un super film d'action politiquement incorrect : Total western et révélé Yvan Attal.

Changement de bobine : Les réalisateurs - Stan (1)

2009-09-23T11:17:00.003+02:00

Sur le thème des directeurs dont j’attends le prochain film avec impatience, voici mon petit complément :

En France, Olivier Marshal, qui, dans le genre polar, a frappé 3 grands coups avec Gangster pour son premier film (pas mal pour un ex-flic de la PJ, quand même), son chef d'œuvre qu'est 36 quai des orfèvres (scénar parfait, scène d'action très très sérieuses, photo, casting et jeu des acteurs... je ne lui vois que des qualités), et enfin MR 73, très sombre, avec des imperfections de scénar, mais bon, pas mauvais non plus.
J'espère simplement qu'il réussira à se diversifier...

Aménabar, je confirme, c'est du très lourd. Indispensable dans une collection de DVD digne de ce nom.

Je garde de l'espoir avec Shyamalan, même s'il nous a démontré qu'il pouvait pondre des daubes tel que Lady in the water (vraiment zéro), et The happening, qui laisse un arrière goût de sans queue ni tête (même si ce n'est pas aussi mauvais que Lady in the water).
Cela étant dit, j'avoue que son Last airbender m'inquiète. Le sujet, s'il est correctement financé peut se montrer intéressant, mais le choix du casting me fait un peu peur (avec Dev Patel notamment... ça pue la récupération de la notoriété du personnage central de Slumdog millionaire).

Bryan Singer : Un mec qui rend une copie telle que Usual Suspects ne peut pas être ignoré, même si je sais que vous n'avez pas été convaincu par Walkyrie (moi, si). Je continuerai à surveiller de près ses prochaines sorties...

Un mec comme Sam Mendes ne peut être ignoré. Je vais peut-être chercher un peu loin, mais bon, American Beauty en premier film, Les sentiers de la perdition, qui avait au moins le mérite de mettre en scène Paul Newman, et Revolutionary Road cette année. On ne peut faire l'impasse sur son actualité.

D'accord pour Cameron. Ce n'est plus possible de le prendre au sérieux après avoir fait Titanic (même si nous sommes bien obligé de constater le nombre d'entrées...). N'empêche que s'il ne s'était pas perdu en route, ça aurait pu être un incontournable dans le genre : Terminator en 84, Aliens en 86, Abyss en 89, Terminator 2 en 91 !!! Bon, après ça se gâte sérieusement avec True Lies... mais bon, ne l'oublions pas pour autant.

Paul Thomas Anderson... je ne sais pas, mais quelque chose plane au dessus de ce mec... Il peut être tout de même violemment inspiré quand il le faut : Boogie Nights, Magnolia, Punch drunk love (que je n'ai pas vu, mais qui, paraît-il n'est pas mauvais), There will be blood.

Dans les cannois, j'en sauve un, et un seul (Tarantino mis à part, et James Gray même si je n’aime pas trop) : Gus Van Sans. Même si c'est un grand malade mental, il a fait Elephant et Good Will Hunting. Ça sauve tout le reste !

Changement de bobine : Les réalisateurs - Jips (1)

2009-09-23T11:05:00.005+02:00

Le message qui suit est la réponse de Jips à la pré-critique d'Inglorious Basterds du 19 août dernier.

Superbe analyse de nos grands cinéastes contemporains même si je ne résiste pas l'envie de débattre sur certains points. Ce n'est au fond qu'une question de goût et c'est tout le kiffe de "discuter cinoche".

Tout ce que tu écris sur Tarantino est tellement vrai et c'est seulement dommage que certains soi-disant "cinéphiles" résiste encore à acclamer le génie cinématographique d'un type que je mets au même niveau des très grands (allez, je laisse Kubrick en dehors de ça). Sa trajectoire filmographique, sa place dans l'histoire et l'évolution du cinéma son irremplaçables: "He changed the game a few degrees and continues to do so" dixit un pro du scalp.

"Qui sont les autres ?" pourrait être le titre de ton article et c'est là que je vais mettre mon grain de sel.

Mes avis concernant quelques uns des cadors que tu cites :

Luc Besson : Ta phrase m'a fait éclater de rire car trop vrai

Coppola et de Palma : Trop d’accord avec toi, ils sont morts et ne reviendront pas.

Jeunet : Oui et non. OK pour Un long dimanche... dont on a l’impression que Jeunet a fini de racler son fond de tiroir Amélie Poulain. Il reste cependant à mes yeux le Tim Burton français, créateur d’un univers unique et tellement original.

Spielberg : C’est vrai mais il est vraiment trop productif pour ne pas avoir de ratés.

David Fincher : Hormis Tarantino, il vient après concernant une filmographie impeccable. Son Panic Room est un peu le Death Proof de Tarantino pour moi.

Scorcese : Raging Bull, The Goodfellas et Casino sont dans l’ordre trois chefs d’œuvre mais j’avoue être légèrement insensible au reste, hé oui même Taxi Driver qu’il faut que je revois pour être sûr.

Peter Jackson : Tu as effectivement peut être raison mais en même temps, que peut on faire après une trilogie pareille?! En tant que producteur, il prend le chemin d’un futur mogul en puissance, faiseur de poids lourds comme The Hobbit (Guillermo del Toro !!) et District 9 qui sort bientôt. Concernant ce dernier, ça m’a l’air d'être une sacré claque de science fiction.

Kevin Mac Donald : Mon plus gros désaccord avec toi, j’ai vu Le dernier roi d’Ecosse que j’ai trouvé vraiment super mais je ne le mettrai pas dans la même conversation que les autres.

Iñarritu : Il s'est fâché avec Arriaga, son scénariste fétiche, et je crains que ses prochains films seront moins impactant.

Ceux qui suivent sont pour moi d’autres qui se rapprochent d’une filmo parfaite et dont j’attends les prochains films avec (presque) autant d’impatience qu'un nouveau Tarantino :

Alejandro Amenábar : Tesis, Abre los ojos, The Others, Mar adentro... Qui dit mieux ? Son dernier film, Agora, se joindra je l’espère aux quatre premiers chefs d’œuvres.

David Lynch : J’adore.. J’avais peur d’Inland Empire et encore une fois j’ai volé très haut.

Christopher Nolan : Lui aussi est un beau tueur de notre époque mais je le cite pour sa filmo et non pour l’attente crispante que j’ai avant son dernier film, fan mais pas groupie.

Guillermo del Toro : Je trouvais sa série des Hell Boy vraiment pas mal et puis j’ai vu Pan’s Labyrinth... Meilleur que le meilleur de Burton pour moi. Savoir qu’il dirigera The Hobbit...

Park Chan Wook : Mon pote!! Old Boy est mon number 1 absolu des dix dernières années. Sa trilogie de la vengeance est unique et JSA vraiment super. J’attends donc son Thirst avec beaucoup mais alors beaucoup d’impatience aussi.

Danny Boyle : J'allais l'oublier! Shallow Grave, Trainspotting, The beach (désolé j'adore), Sunshine (oh my God!!), 28 days later, Slumdog... Gloops!! A life less ordinary et Millions étant ses seules (relatives) faiblesses.

J'en citerai d'autres, plus mineurs mais bien plus grands que les Jon Favreau de la planète :

Michael Haneke (Funny Games one of my old time favorites), Lars Von Trier (Five Obstructions!! Mon meilleur de 2009, son Anti Christ m'intrigue vraiment), Darren Aronovsky... J'en oublie sûrement mais ce n’est pas comme si on était autour d'une bière à refaire le Septième Art.

Changement de bobine (débats et opinions)

2009-09-22T13:04:00.003+02:00

L'idée de départ de ce blog était simplement de se démarquer de la masse anonyme des critiques postées sur Allociné et Concert&co. Il y avait de la matière, de la volonté, il ne restait plus qu'à trouver un nom, une mise en page et à faire un gros travail de copier/coller.
Le blog étant maintenant à jour, deux possibilités s'offrent à moi : Soit je continue de poster régulièrement mes critiques au fil des semaines, en espérant qu'elles suscites un intérêt, voir même qu'elles persuadent certaines personnes de voir le film ou d'aller à un concert que j'ai pu défendre... soit j'enrichit encore un peu plus ce blog.

La deuxième option s'est imposée presque naturellement à moi car depuis quelques semaines, ma boite mail se voit agrémentée de "discussions" autour de plusieurs sujets dont le thème central est le Cinéma.
Ces discussions sont le résultat de trois personnes qui, si elles n'ont pas forcément les mêmes goûts, ont en commun une certaine vision du Cinéma :
Stan, rien à voir avec Stanislas Borowitz si ce n'est l'administration et l'édition de ce blog.
Jips, dont l'éloignement géographique nous oblige à procéder par mail.
Et moi-même, Lol de mon surnom, apparu bien avant que l'ère Internet et les millions d'ados ne voit en ce terme que le "laugh out loud" ou lol...

J'espère que ces discussions, baptisées "Changement de bobine (débats et opinions)", vous donneront l'envie d'approfondir les sujets que nous aborderons ici, de voir les films que nous conseillons ou de revoir certain film sous un autre angle, comme c'est le cas pour nous.

The Rolling Stones - Olympia Paris, 3 juillet 1995

2009-09-22T12:02:00.002+02:00

Note : 4/4

Après un jeu de piste s’achevant au Virgin mégastore et quelques heures de queue, j’étais titulaire du précieux sésame : Un billet pour voir les Rolling Stones à l’Olympia
Voir les Stones à l’Olympia, c’est quelque part le Graal pour tout fan de rock.
Ils n’étaient pas passés dans cette salle depuis la fin des années 60. C’est dire l’état d’excitation qui m’habitait.

Vers 20 heures, l’Olympia se remplissait et retenait son souffle en ne prêtant que peu d’attention à la première partie.
Bourré à craquer, le public était composé aux deux tiers de fans hardcore mais aussi d’un tiers d’invités personnels des Stones. On pouvait ainsi croiser Jack Lang, Carla Bruni, Jack Nicholson, Joe Strummer, Jean louis Aubert, Jerry hall et bien d’autres.

Les clameurs devenaient de plus en plus tonitruantes et pourtant le rideau rouge ne bougeait pas.
Le public survolté hurlait le gimmick de Brown sugar pour combler son impatience.

Les lumières finirent par s’éteindre et les Stones entamèrent leur set par un impitoyable Honky tonk woman repris en chœur par un public en état de grâce.

Il est clair que la présence hallucinante du groupe dans un stade se retrouve décuplée dans une salle comme l’Olympia.
Il ne faut pas perdre de mémoire que les Stones sont l’incarnation du Rock.
Ce soir, il n’y a pas besoin de démesure pour affirmer cet état de fait.
Jagger reste le premier à chanter de manière dédaigneuse et garde un charisme et une présence inaltérable malgré les années.
Les Stones sont un groupe et pas une accumulation de solistes.
Pris indépendamment les uns des autres, ça ne vaut pas grand-chose, leurs albums solo prouvent bien cet état de fait. Leur musique est un magma en fusion qui n’existe que par le fait qu’il résulte d’une alchimie unique. Une alchimie qui, ne l’oublions pas, leur a valu de sortir des albums d’une qualité inégalée pendant près de 15 ans.
Pour comparaison les Doors n’ont duré que 4 ans, les Beatles 7 ans, le sommet des Stooges 2 ans).

Les titres s’enchaînent avec de vraies surprises : beaucoup d’extrait d’Exile on main street dont un Shine a light d’anthologie, Rip this joint et Sweet Virginia, mais aussi des classiques de scènes comme Miss you, Start me up, It’s only rock and roll, all dawn the line, etc.

On a juste le temps de se reposer avec les horribles et traditionnelles chansons de Keith Richards qui sont comme à l’accoutumée un véritable supplice mais qui permettent au public de reprendre son souffle.

La version jouée ce soir de Midnight rambler est probablement la meilleure qu’il m’ait été donnée d’entendre. Littéralement hypnotique et physiquement dopée, elle martèle dans la tête du public que les Stones ne sont pas les Stones pour rien.
Cela remet bien les choses en place. S’il était besoin de le rappeler, les Stones ne craignent pas grand monde sur scène. Il sera difficile par la suite de voir un concert soutenant la comparaison.

Si le public est en extase, Jagger, Richards Watt (particulièrement ovationné) et Wood ne sont pas en reste. On sent que ce concert est une cure de jouvence pour eux, que la communion avec le public n’est sans aucune comparaison avec celle qu’ils reçoivent dans une tournée des stades.

Jagger se permet le luxe de reprendre Like a rolling stone et d’annoncer le morceau comme un titre de Bob Dylan spécialement composé pour eux.

Le concert se termine avec des tubes de folies (Brown sugar, Jumping Jack Flash) et s’achève en laissant un public KO avec un sourire d’extase béat qu’il n’aura probablement plus l’occasion d’arborer.
En effet, les Stones ne rejoueront plus qu’une fois en 2003 à l’Olympia et le fait de pouvoir se procurer des places pour ce genre d’évènement relève d’une probabilité digne d’un euro millions.

Manu Chao - Zénith Rouen, 9 septembre 2009

2009-09-17T13:43:00.003+02:00

Note : 4/4

Depuis maintenant plus de 25 ans, partout ou il passe, du plus grand festival au plus petit bar de quartier, que ce soit avec la Mano Negra, en solo ou avec Radio Bemba, Manu Chao déchire tout et met tout le monde d'accord.
Son succès planétaire résulte de la générosité et du talent avec lequel il aborde la scène.

Quand on a eu la chance d'assister à un concert de Manu Chao, on y retourne les yeux fermés. Pour ma part, c'est la cinquième fois que je voyais l'ancien leader de la Mano Négra.
Plutôt que d'aller l'apercevoir dans les dates parisiennes (Fête de l'humanité et Solidays), j'ai privilégié une date de province pour le voir dans une ambiance plus intime.
Intime, c'est toutefois assez vite dit puisque le Zénith de Rouen est plus grand que celui de Paris et ne compte pas moins de 8000 places. C'est toutefois 10 fois moins que pour les dates parisiennes.
Il faut souligner que même si elle n'as pas la chaleur de l'Olympia, le Zénith de Rouen est une salle extrêmement bien foutue. L'acoustique y est bonne. On est jamais très loin de la scène.
On aimerait avoir des salles comme celles ci à Paris plutôt que l'horrible Palais Omnisports de Bercy.

A 21h00 Radio Bemba s'est propulsé sur scène et tout de suite le ton est donné.
Manu Chao et ses sbires jouent comme des dingues et soulèvent le public en moins de 5 minutes.
Chaque chanson est un mix de plusieurs autres et durent prés de 15 minutes.
On a la sensation que la musique de Manu Chao est en évolution perpétuelle. Les morceaux présents sur disques ne sont pas un aboutissement mais au contraire le point de départ de l'évolution d'une chanson qui se transformera au gré des tournées, de l'alchimie des musiciens et du public comme de l'instinct et de l'humeur du jour.
Après des mois de tournée, nous avons donc des chansons qui diffèrent toutes des versions albums et la balance de la qualité de celles-ci penche toujours en faveur des versions live.

Il faut dire que Manu Chao est un artiste de scène. On sent que c'est son espace vital, qu'il s'y sent bien et qu'il en maîtrise tout les éléments. Sa maîtrise du public et de l'impact de sa présence scénique est sans failles.
Sa musique pleine de rythme, de joie et de générosité se marie depuis près de trente ans sur les planches dont les mots d'ordre ont toujours été l'énergie et la sueur.
Pas besoin de décorum et d'effet spéciaux, l'énergie et la musique captivent tout le monde.
Le public chante et danse dans l'euphorie la plus totale du début à la fin du concert.
Clairement, Manu Chao donne à chaque fois des concerts de près de trois heures comme on en voit pas ailleurs. Et le public en redemande.

La première heure est plutôt basé sous le signe du ska, reggae et funk avec des chansons comme The monkey, Que hora son.
La deuxième partie s'oriente vers la rumba et la samba. Par la suite, on est dans une session nostalgique avec des chansons de la Mano Negra (King of bongo, Mala vida). Après deux heures trente, Manu s'attaque à son répertoire français de l'album Sibérie m'était compté (les versions jouées ce soir sur cette partie sont bien plus aboutie que celles du concert de Bercy il y a un an) avant de se finir sur un rappel endiablé avec Pinochio.

La musique est bourrée d'influences maîtrisées et digérées (rap, reggae, funk, punk, samba, rumba, chanson française, rock, rai...). Tout cela donne un mix qui n'appartient qu'à Manu Chao. Clairement il a son propre style, mille fois imité et jamais égalé.
Ses concerts sont nettement au dessus de la moyenne et dire que l'on conseille à tout le monde d'y aller est un euphémisme. On ne peut pas être déçu d'un concert de Manu Chao, même si on n'aime pas sa personnalité et même si on est hermétique à sa musique.

Manu Chao fait partie du club des artistes que je retournerai inlassablement d'aller voir à chaque fois qu'il se produit dans l'hexagone comme un pèlerinage.
Membres de ce club restreint :
Iggy Pop (mais il va bientôt être trop tard)
Nick Cave and the bad seeds
Pink Floyd (on se rabat désormais sur Roger waters)
Noir Désir (la aussi c'est compliqué)
Ennio Morricone (la encore le temps qui passe n'est pas mon allié)
The Levellers (qui ne passent plus en France)
The Pogues (qui ne passent plus en France)

Un prophète

2009-09-17T13:25:00.002+02:00

Le 28/08/2009
Note : 4/4

Dire que l'on pense le plus grand bien de la famille Audiard est un euphémisme.
Michel a marqué d'une empreinte indélébile le cinéma français pendant 25 ans entre 1960 et 1985. S'il est une légende du dialogue, il était en revanche un piètre réalisateur. Son Cri du cormoran de soir au dessus des jonques ne valait que par son titre. Idem pour Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canard sauvages, qui malgré répliques cultes et un casting de copains ayant l'air de s'amuser, ne se prenait tellement pas au sérieux qu'il en devenait poussif.

Le cinéma de son fils Jacques pourrait être le négatif de celui de son père. En 5 films, il s'est imposé comme l'un des meilleurs réalisateurs français. Avec un style sans concession, une direction des acteurs sans égale, des sujets complexes et sans aucun artifice, il avait réussit à mettre d'accord la critique et un public loin d'être confidentiel. Depuis Sur mes lèvres, Un héros très discret et De battre mon cœur s'est arrêté, il faisait clairement partie des réalisateurs dont on attend avec curiosité et confiance chaque film.

La réputation qui entourait son dernier film était dithyrambique ; le film avait reçu le grand prix du dernier festival de Cannes. Pourtant la plupart des critiques et observateurs criaient au scandale car pour eux un prophète méritait bien d'avantage.
Isabelle Huppert, la dernière présidente du Jury du festival aurait fait pression et imposé à son jury contre son avis que le dernier film de son ami Michael Hanekke obtienne la palme d'or en lieu et place de Un prophète.

A Cannes les observateurs pronostiquaient à juste titre que le prix d'interprétation masculine se jouerait au coude à coude entre Cristoph Walz pour son interprétation délirante du colonel Hans Landa dans le Inglorious Basterds de Tarantino et le débutant Tahar Rahim pour son rôle de Malik, jeune taulard à la destinée prophétique dans le film de Jacques Audiard.

Toujours à Cannes, Tarantino disait du film de Jacques Audiard qu'il était à ses yeux une claque aussi intense que Le Trou de Jacques Becker.

Une fois l'effet Cannes estompé, les critiques de la presse écrite prirent le relais quelques semaines avant sa sortie en salle en parlant du prophète comme d'un chef d'oeuvre absolu, du meilleur film français de la décennie.

Tous ces éléments pris en compte, c'est dire si l'on était impatient de découvrir le film Un Prophète !!!

A l'issue des deux heures trente de projection, les lumières de la salle qui se rallumaient semblaient être une bouffée d'oxygène salvatrice au regard du coup de poing terrifiant que l'on venait de se prendre.

En effet l'itinéraire de Malik, un jeune délinquant naïf paumé et inculte que ses années de détention transforment en un caïd craint et respecté nous prend à la gorge des les premières secondes du film pour ne plus jamais nous lâcher.

Loin d'être un réquisitoire sur la prison comme école du crime, Un prophète traite d'avantage de la capacité d'adaptation et de l'instinct de survie en milieu hostile.

Jacques Audiard nous raconte cet impressionnant destin de manière brute, linéaire, réaliste avec une mise en scène sans artifice mais complètement maîtrisée. Aucun plan, aucune lumière, aucune prise de vue n'est laissée au hasard. Tout cela donne un film percutant, dur, âpre qui nous scotche à notre fauteuil.

La direction des acteurs est hallucinante. Et pourtant à l'exception de Niels Arestrup, le casting est composé de parfait inconnus.

Tahar Rahim, pour son premier rôle, livre probablement la performance de sa vie. Dans un premier rôle, on ne voit finalement que la performance de Peter O'Toolle dans Lawrence d'Arabie pour rivaliser tant en éclat qu'en intensité avec celle de Tahar Rahim.

Niels Arestrup, dont on avait pu apprécier le talent et le coté machiavélique dans De battre mon coeur s'est arrêté, livre une performance édifiante dont seul semble pouvoir se rapprocher le Jack Nicholson de Shining et des Infiltrés. Son charisme fait de son personnage de caïd corse une bombe à retardement permanente qui inspire la plus profonde frayeur.

Les seconds rôles sont tous aussi justes les uns que les autres.

Le film est un sans faute complet, qui au delà de son histoire s'attarde aussi sur les tréfonds de la conscience de son personnage principal, ainsi que des codes, des castes et de la dureté de l'univers carcéral.
A la vision d'Un prophète, on espère de tout son être de ne jamais se retrouver en prison, même pour quelques jours.

Dire que le prophète est le meilleur film de prison français est un euphémisme. On retirerait volontiers l'adjectif qualificatif "français" de cette affirmation.

On est bien loin de l'Al Catraz de Clint Eastwood et des prisons remplis de prisonniers sympas et humanistes de La ligne verte et des Évadés.
A coté, les prisons de Brubaker et de Luke la main froide sentent bon le carton pâte.
On ne voit finalement que Midnight Express pour nous remuer autant, cependant le film de Jacques Audiard lui est infiniment supérieur.

Un prophète est la preuve irréfutable que le cinéma français peut proposer des films définitifs encrés dans la réalité sans tomber dans les travers "auteurisants", intellocrates et franco-français qui le plombent bien souvent.
C'est aussi une preuve que l'on peut faire des films poignant et spectaculaire sans effets spéciaux, sans casting bankables et sans musique pompeuse à la James Horner, bref qu'il existe une alternative à ces putains de blockbusters.

C'est aussi et surtout la confirmation que Jacques Audiard est un très très grand metteur en scène !!!!

Inglorious Basterds

2009-09-17T12:54:00.006+02:00

Le 21/08/2009
Note : 4/4

Le 19 août, jour de la sortie d’Inglorious Basterds était attendu depuis de nombreux mois par les fans du réalisateur américain (voir ma pré-critique).
La projection du film au festival de Cannes avait dissipé bon nombres de rumeurs.
En effet il fut un temps ou pour le casting on parlait, en plus de Brad Pitt, de Bruce Willis, Stallone, Samuel Jackson et d’Ennio Morricone à la BO, ce qui n’est finalement pas le cas.
Le sujet du film, initialement présenté par Tarantino comme un remake des 12 salopards et d’un obscur film italien avec un zest de Le bon la brute et le truand, nous laissait présager un film de baroudeurs virils et violent boosté par la patte du maître. Au final ce n’est pas le cas non plus.

Depuis Cannes, où malgré un accueil mitigé, le film partait avec le prix de l’interprétation masculine, on ne savait plus trop quoi attendre, penser ou croire du nouveau film de Quentin Tarantino. De plus, les bandes annonces conjuguées aux réactions contrastées de la presse ne faisaient qu’accentuer ce trouble et l’appréhension que l’on avait dans l’attente de ce fameux 19 août. Malgré tout on espérait vivement qu’Inglorious Basterds ne serait pas en dessous de la réputation de son auteur et qu’on allait pour la 7eme fois se prendre une claque Tarantinienne.
Si le propre de l’artiste est de surprendre, Quentin Tarantino confirme avec Inglorious Basterds qu’il est un grand artiste. Le film est un ovni !!!! On peut en penser à peu prêt tout et son contraire. En effet, Tarantino va à l’opposé de ce qu’on serait en droit d’attendre de lui.

Contrairement à ce qu’auraient fait 99 % des réalisateurs il se précipite la tête la première dans les pires clichés, en de dédouanant totalement de toute crédibilité et réalité historique et en caricaturant à l’excès les situations les plus improbables pour créer un univers qui lui est propre. Si l’on n’adhère pas à cet univers, il faut passer son chemin. Dans le cas contraire, on s’aperçoit très vite que Tarantino reste fidèle à sa marque de fabrique et son style.
En effet, si la "coolitude funky 70’s" omniprésente dans tous ses films jusqu’alors est assez logiquement mise entre parenthèse puisqu’il s’agit d’un film d’époque, tout le reste de la panoplie tarantinienne est bien présente.
On retrouve cette manière à contre courant de ce qui se fait actuellement de prendre son temps pour présenter chacun des personnages à travers de longs dialogues jubilatoires partant dans tous les sens.
On retrouve sa maitrise visuelle qui fait alterner des scènes assez lentes et statiques avec des montages rapides et explosif ou des ralentis stylisé des que l’action prend le dessus. Du coup clairement celle-ci en ressort renforcée.
La musique est toujours utilisée avec maestria et apporte de l’emphase au moment ou il faut.
La direction des acteurs est comme à l’accoutumée proche de la perfection.
Encore une fois, plusieurs histoires sont racontées en parallèle avant de s’imbriquer les unes aux autres.
Le second degré et l’humour décalé et politiquement incorrect sont bel est bien là.
Les clins d’œil cinématographiques sont omniprésents et de tous les plans.
Sa fascination pour les gros plans sur les pieds féminins est encore présente dans ce nouvel opus.
En quoi Inglorious Basterds est il surprenant et iconoclaste allez vous me dire ?

Cela étant acquit, comment pouvons-nous décrire Inglorious Basterds ?
Il s’agit d’un patchwork d’influences mixant To be or not to be de Lubitch, La grande vadrouille de Gerard Oury, Papy fait de la résistance, Il était une fois dans l’Ouest, Le bon la brute et le truand, Les 12 salopards en passant par Le dictateur de Chaplin, Le dernier métro de Truffaut, Star wars, OSS 117 version Dujardin, La grande illusion de Renoir, les films des Monthy Python ainsi que pléthore de films de guerres et de westerns hollywoodiens des années 50.
Le scénario met en scène un officier SS dont le raffinement aristocratique sorti d’un livre d’oscar Wilde contraste avec le zèle sadique avec lequel il traque les juifs dans une France sortie d’une image d’Epinal revisité par Marvel.
En parallèle, on retrouve un commando de chasseurs de nazi mené par un officier qui pourrait être la transposition américaine du frenchy OSS 117 de Jean Dujardin en plus trash.
En outre, on croise aussi une directrice de cinéma avec soif de vengeance, une actrice allemande agent double, un héros de guerre voulant se reconvertir dans la comédie, un espion anglais, un soldat allemand père de famille, Churchill, Gobbles, Hitler...
Tout ce beau monde se retrouve impliqué dans une histoire de vengeance et un complot visant à mettre fin à la deuxième guerre mondiale.

Tout cela donne un film iconoclaste et totalement surprenant.
Au-delà de la qualité de la mise en scène, il faut souligner l’interprétation délirante de Brad Pitt qui nous montre une fois de plus après Snatch et Burn after reading qu’il est particulièrement bon et irrésistible quand il casse son image dans un contre emploi.
Christoph Waltz a reçu le prix d’interprétation masculine pour son rôle du Colonel Hans Landa qui est l’archétype du méchant que l’on aime détester. Impressionnant, intelligent, raffiné, sadique, sans pitié, opportuniste mais aussi très drôle, ce personnage devrait offrir à l’acteur une multitude de propositions. On le verrait bien en méchant dans un James Bond.
La digestion de tout cela donne au final un objet non identifié qui penche d’avantage du coté de la comédie burlesque, du pastiche surréaliste que de la relecture du film de guerre. Inglorious Basterds pourrait bien être à tarantino ce que Docteur Follamour est à Stanley Kubrick.
Avec la dernière phrase prononcée dans son film "Je crois que celui-ci est mon chef d’œuvre", Tarantino provoque son public une fois de plus et nous montre qu’il assume pleinement son film et son coté décalé et les critiques qu’il va subir en leur faisant un gros bras d’honneur.

Tarantino nous prouve une fois de plus qu’il est un punk surdoué qui n’a peur de rien et dont l’œuvre dans sa globalité est l’une des plus singulières de l’histoire du Cinéma. Il est le seul à savoir faire du Tarantino comme Leone était le seul à savoir faire du Leone.

Inglorious Basterds est il son meilleur film ? Je ne pense pas qu’il faille se poser la question sous cet angle. On est en droit de lui préférer (ou pas) Pulp Fiction, Death proof ou Jacquie Brown.
Il faut plutôt se demander : Est-ce qu’Inglorious Basterds est un film de Quentin Tarantino ? Dans ce cas la réponse est un grand oui avec tout ce que cela comporte.

Quelle note peut on du coup donner à ce film ? Si on n’adhère pas au postulat de départ et qu’on est insensible au second degré, on ne peut pas apprécier le film qui peut paraitre alors abscons voir inutile. Toutefois on est dans l’obligation de mettre au moins un point pour la qualité de l’interprétation voire un autre pour la mise en scène.
En revanche, si on donne la prime à l’anti-conformisme, à la prise de risque, que l’on est prêt à rentrer dans l’univers déjanté de son auteur et à partager son goût pour le second degré et à accepter Inglorious Basterds comme étant un film burlesque par Tarantino, le film vaut son 4/4.

Public Enemies

2009-09-17T12:17:00.003+02:00

Le 23/07/2009
Note : 2/4

Johnny Deep dans le rôle de John Dillinger, ennemi public numéro un aux Etats Unis dans le Chicago des années trente, mis en scène par Michael Mann avec Christian Bale et Marion Cotillard était clairement une des grosses attentes de l’année. Avec un casting pareil, on est en droit d’attendre un film référence sur cette époque mythique, à la manière des Incorruptibles de Brian de Palma ou de Bonnie and Cyde.
Johnny Depp fait une prestation exemplaire dans le rôle de ce brigand sans foi ni loi, pilleur de banque, roi de l’évasion, violent et charismatique. Son physique d’ange conjugué avec un regard d’une noirceur insondable apporte un magnétisme et une profondeur implacable à un personnage qui sait aussi se montrer charmeur et séducteur. Par une mimique, un demi-sourire, un regard ténébreux, il donne juste ce qu’il faut pour que l’on soit fasciné par son personnage. C’est la marque des très grands acteurs quand ils ne tombent pas dans le cabotinage (cf. Pirates des caraïbes ou J. Deep en fait des tonnes). Christian Bale apporte une sévérité implacable à son personnage d’agent obstiné par la traque de sa proie, sans pour autant le déshumaniser. Marion Cotillard met au service de la fiancé de Dillinger son talent dans une prestation plus compliquée qu’il n’y parait. Les seconds rôles, par leur trogne parfois sortie d’une BD complètent le tableau de manière remarquable.
Outre le casting, les moyens sont clairement au rdv. La reconstitution de cette époque est fantastique, rutilante et très belle. Des voitures aux costumes, à l’utilisation de la musique, tout est plus que parfait. La photographie est splendide. Les prises de vue sont à la fois inventives et très belles. Michael Mann nous montre qu’il est un très bon metteur en scène. Les scènes d’actions sont efficaces. Il sait parfois créer une tension ou un climat oppressant avec trois fois rien. Certaines scènes sont de très haut niveaux (l’arrestation de la fille, la fusillade de la foret, la fin...).
Cependant, malgré toutes ces immenses qualités, Public ennemie ne rentrera pas dans la catégorie des Incorruptibles ou de Bonnie and Clyde. En effet, de grosses longueurs pénalisent le rythme du film. On finit par s’ennuyer, ce qui est tout de même un comble avec un film qui s’est donné tant moyens pour atteindre ses ambitions.
De plus, le film est tourné en numérique. Et ça se voit. Pire même, ça se ressent !! A quoi bon faire de superbes plans avec un directeur photo surdoué si c’est pour gâcher le travail avec une texture d’image bas de gamme ou les ruptures de ton d’étalonnage finissent par être criantes. Par moment on a l’impression que certaines scènes (les extérieurs principalement) sont filmées au caméscope, avec une qualité similaire à un film de cul moyen et une froideur désolante. C’est rageant, car un ton opiacé, un étalonnage jaune à la Spielberg aurait rendu le film tellement plus beau. Clairement le numérique, c’est bon pour la 3D, des comédies ou des films de SF bourrés d’effets spéciaux mais pas pour des films de cette ambition.

Simple Minds - Olympia Paris, 8 juillet 2009

2009-09-17T12:06:00.002+02:00

Note : 2/4

Il y a une vingtaine d'années, deux groupes régnaient en maîtres sur le rock des années 80. Il y avait le U2 de Bono et les Simple Minds de Jim Kerr. Leurs styles étaient très proches. Jim Kerr chantait de manière aussi incantatoire que Bono. La guitare de The Edge sonnait un peu comme celle des Simple Minds. Leur tubes bataillaient en tête des charts. Don't you était aussi populaire que New years day. Ils remplissaient des stades tous les deux et réussirent l'exploit de sortir chacun un album au succès mondial. Pour U2 ce fut The josuah tree avec une série de tube ou surnageait With or without you. Pour Simple Minds ce fut l'excellent Street Fighting years, un concept album dénonçant les guerres et les grands combats humanitaire de l'époque. La chanson Mandela day était avec Belfast child l'étendard de cet album plébiscité aussi bien par la critique que le public.

20 ans après ce n'est plus la même chanson. U2 a su saisir le virage des nineties pour devenir la vache sacrée que l'on connaît. Simple Minds n'a pas su évoluer. A l'orée des nineties, leur son était devenu obsolète en raison d'un son de synthé devenu en l'espace de quelques mois complètement ringuard.

Cependant, avec beaucoup de courage et de générosité Jim Kerr (à l'époque heureux mari de la splendide Patsy Kensit) et ses sbires ont continué d'arpenter les scènes du monde entier sans jamais décevoir un noyau dur de fans très fidèle. En 2009 Simple Minds fête ses trente ans. Il remplit l'Olympia quand U2 s'offre deux Stades de France. Clairement ce soir les quadras sont de sortie pour se replonger dans la nostalgie de leur jeunes années. On est très confiant avant ce concert car on sait que Jim Kerr a une voix et de la présence et que le groupe sait tenir une scène.

Mais c'est la catastrophe !!!!

Le son est effroyable, la basse et la batterie couvre tout le reste. On entend à peine Jim Kerr et clairement pas la guitare. Le groupe a l'air de prendre du plaisir alors qu'on finit par se retrouver indisposé par les vibrations insupportables de la grosse caisse et de la basse. Le charme des chansons est camouflé. Le magma sonore est tellement indigeste que finit par se présenter qu'une seule alternative : celle de quitter la salle !

J'ai donc quitté la salle sans entendre Alive and kicking, Belfast child, Don't you. Je n'ai au final eu droit qu'à une version inaudible de See the lights. Put... d'ingénieur du son ! Quel gâchis, quelle déception !!! Le pire c'est qu'une partie du public s'accommodait de ce son horrible. C'est désespérant.

Turzi + Château Marmont - Nouveau Casino Paris, 6 juillet 2009

2009-09-15T11:26:00.003+02:00

Note : 3/4

On avait laissé Turzi il y a quelques semaines de cela au Point éphémère (voir ici). Ce jour là, les Parisiens avaient livré une prestation ahurissante, clairement une des grosses claques de l’année. C’est dire si la perspective de ce nouveau concert au Nouveau Casino était alléchante.

La première partie était assurée par Château Marmont. Ce groupe a livré une prestation hyper convaincante de ce qu’aurait pu être Air en plus groovy et plus énergique. Bref, une très bonne première partie, assez représentative de cette scène parisienne qui réconcilie le kraut rock avec de l’électro minimale vintage (Aeroplane, Lindstrøm, Zombie Zombie…)

Mais clairement on était là pour Turzi. Vers 22H30 le groupe a pris possession de la scène et attaquer un set assez similaire à celui du point éphémère. Le but de l’opération étant de présenter l’album B dont la sortie est prévue à l’automne.
Dire que la prestation du groupe a été excellente est un euphémisme. La puissance dégagée par le premier morceau était phénoménale. On est tout de suite dans le vif du sujet et emmené très loin par le coté obsédant et hypnotique des montées vertigineuses de leur musique. Clairement, l’ambiance n’est pas à la rigolade, le son est clairement Dark, mais il est aussi fascinant qu’il peut l’être dans la musique de Joy Division. Plus les morceaux s’enchaînent plus on se dit que l’album B est un monument.

A le vivre comme cela, concentré en concert, on se dit clairement qu’il s’agit d’un album majeur qui pourrait sans peine tenir la route sans avoir à rougir un quart de seconde à coté d’un Atom heart mother ou d’un Ummagumma.
Clairement il faut arrêter de nous pomper l’air avec Sonic Youth, My Bloody Valentine ou des groupes comme Archive. Turzi est bien meilleur et novateur que tout ceux là réunis.
Quel groupe peut réussir un amalgame crédible, singulier et moderne des guitares de Ron Asheton et Sterling Morisson, des claviers de Kraftwerk ou du meilleure Depeche Mode, de la basse de Lemmy période Hawkwind et de la batterie de Dave Grohl.

Turzi est un diamant, un diamant encore brut qui mériterait d’être travaillé pour devenir étincelant. Un peu plus de théâtralité les rendrait purement fascinants. Mais côté musique, tout est déjà là et bien là !!!

Cependant le gros point noir de la soirée, ce fut le public. Un public de la pire espèce : détestable, peuplé de pique assiettes irrespectueux, méprisants et méprisables. Clairement on va en concert pour écouter, vivre, s’imprégner de la musique, pour ressentir des émotions. Au Nouveau Casino, le public était juste là pour boire des bières et tchatcher sur un fond musical auquel ils ne prêtaient que peu d’attention, exactement comme s’ils avaient été au café charbon ou dans un vernissage de seconde zone. Ce public caricatural et symptomatique du bobo parisien arty, prétentieux et intolérant était consternant en d’autres mots à baffer ! Ces mecs ne se rendent pas compte qu’ils sont en face d’un groupe majeur, du genre à marquer une décennie et à devenir l’étendard d’un style de musique mondialement reconnu.

A la fin des années 60 des groupes comme le Velvet Underground et les Stooges ont connu pareil indifférence. en jouant devant le public pique assiette et nombriliste de la factory. A part quelques personnes aware, il aura fallu plus de 20 ans au public pour prendre conscience de la prépondérance de ces groupes.

Espérons qu’il ne faudra pas autant de temps à Turzi pour arriver à atteindre la reconnaissance et l’importance qui doit être la sienne.

On attend désormais le concert de l’Elysée Montmartre avec impatience. Celui-ci devrait être plus abouti, plus long et on l’espère aussi avec d’avantage de ferveur.

L'Âge de glace 3 - Le Temps des dinosaures

2009-09-15T11:21:00.002+02:00

Le 08/07/2009
Note : 3/4

L'âge de glace, c'est l'aristocratie de l'animation 3D. On avait peur que ce troisième opus soit un peu poussif, un peu fin de race. Grâce au ciel il n'en est rien. On retrouve notre bande avec de nouveaux personnages pour une aventure au pays des dinosaures.
Dire que l'animation est réussie est un euphémisme. Dire que c'est drôle relève d'enfoncer une porte ouverte. Les scènes de Scrat et sa noisette relève directement d'une filiation de Tom et Jerry et de Tex Avery. Les autres personnages imposent sans mal leur personnalité et leur grain de folie pour le bonheur des petits et des grands. Un super moment de d'humour désopilant.

Les Beaux gosses

2009-09-15T11:13:00.002+02:00

Le 04/07/2009
Note : 2/4

Adaptés d’une BD et mise en avant par une irrésistible affiche mettant en lumière deux ados juste post pubère avec la gueule de l’emploi, les beaux gosses avaient un je ne sais quoi de séduisant. Le film joue la carte du réalisme là ou les teens movies américains jouent la carte de la propagande avec des lycées peuplées de bimbo et de play boys vivant dans des villas plus que confortables. A l’instar de la cultissime série du début des années 90 Les années collège, Les beaux gosses met en scène des ados boutonneux, ingrats, mal sapé avec des réactions totalement binaires, voir primates. Malgré cette différence d’apparences, les ados des Beaux gosses ont les mêmes préoccupations que leurs cousins américains. En effet, ils veulent baiser !!! Mais ils ne savent pas non plus comment s’y prendre. Du coup ce postulat entraîne une fioriture de quiproquos et de dialogues à pleurer de rire dans lesquels on ose presque pas avouer qu’on s’y reconnaît.
Au-delà de la prestation décomplexé de l’acteur qui incarne Hervé, on est sans cesse marqué par une multitudes de détails portant un éclairage drôle et absurde bien que réaliste sur la distance du système scolaire et le monde réel avec les ados et leurs envies. Tantôt adulte ou enfantin, ils sont souvent en porte à faux au moment ou il faudrait qu’ils soient sur la même longueur d’onde. On passe un bon moment, même si la réalisation basique et terne ne se démarque pas de la série télé française des années 90. De plus le film manque clairement d’un fil conducteur plus marqué qui aurait pu relier des scènettes réussies qui ne manquent pas de saveur. Quoi qu’il en soit, on préfère mille fois ces ados à ceux d’Entre les murs car au moins ils ne se prennent pas au sérieux.

Very Bad Trip

2009-09-15T11:06:00.002+02:00

Le 04/07/2009
Note : 4/4

Avant tout, il faut saluer l’inventivité des distributeurs de ce film sur le territoire français. En effet, en appelant ce film Very bad trip en France, les distributeurs ont souhaité créer une filiation ou un cousinage avec Very bad things, un film sorti il y a dix ans. Il est vrai que le sujet d’un enterrement qui dérape à Las Vegas est le fil conducteur des deux films. Cela étant, le vrai titre, Hangover (gueule de bois) était bien plus percutant et représentatif que cette appellation française poussive et foireuse il faut bien le dire. Au-delà de son titre, le film est excellent.
Cette virée de quatre potes (le coincé, le dragueur, le dingue et le lisse) dans l’exutoire des américains en mal de luxure est désopilante et très bien menée. Le postulat des mecs qui se réveillent dans un champ de ruine improbable avec un black out total est très malin comme point de départ. En effet la fine équipe va tenter de reconstituer sa folle nuit pour tenter d’expliquer ce réveil désastreux et retrouver le futur marié qui a disparu corps et bien quelques heures avant la cérémonie. L’enquête va les mener de surprises en surprise, et pourtant l’essentiel de la virée nocturne n’est que suggérée puisqu’on en voit que les conséquences (délirantes) de la nuit et jamais son déroulement. Ce postulat scénaristique est très malin car on est jamais en dessous de ce qu’on imagine sur cette soirée.
Au-delà du scénario, la galerie des personnages bien qu’hyper caricaturale est drôlement sympathique. De plus ce coté caricaturale rend une peinture au vitriol du mariage et de la vie de couple chez nos amis américains. Mention spéciale à la femme du coincé. Bien sur, c’est une comédie américaine et par conséquent pas d’une finesse extrême. Mais ne nous voilons pas la face, une bonne dose de régressivité est depuis toujours irrésistible. Il est impossible de ne pas rire. Ça tombe bien car c’est le but de l’opération. Au-delà de son happy end prévisible, le générique de fin (...)

Indochine - Olympia Paris, 26 juin 2009

2009-09-14T19:49:00.003+02:00

Note : 3/4

En 1997, Indochine peinait à remplir le Casino de Paris lors de la tournée promo de leur album Wax. Le groupe des frères Sirkis accusait à l’époque le contre coup du départ de leur compositeur Dominique Nicola. Il ne se défaisait pas d’une image caricaturale résultante de leur look des années 80.
De plus une parodie des inconnus leur avait fait si mal qu’ils avaient perdu leur crédibilité aux yeux du grand public. Leurs passages radio et télé s’étaient réduit à une peau de chagrin. Quelques mois plus tard, la mort dans l'âme, Stéphane Sirkis aurait pu arrêter nette la carrière du groupe.

C’est avec beaucoup de courage, d’opiniâtreté, de sérieux que Nikola Sirkis a continué l’aventure. En ne faisant aucune concession et sans jamais rien renier de son style, Indochine a repris les choses à la base. En multipliant les concerts partout en France, le groupe a renouvelé son public. Lors de ces prestations scéniques sans concession Indochine ne s’est pas contenté de jouer la carte nostalgie comme beaucoup se seraient contenter de le faire.
Au contraire ils ont mis en avant leur très bon album Danceteria puis ils ont retouché les sommets avec l’album Paradise qui leur a donné une moisson de tubes et une nouvelle crédibilité portée par un son qui a su évoluer sans renier la singularité même du groupe.
Deux albums plus tard, en 2009 Indochine est sans aucune contestation le groupe de rock français le plus populaire et le plus fédérateur puisqu’il s’offre le luxe de faire une grosse tournée et de la clôturer dans un an dans un stade de France déjà presque sold out.

C’est en prélude à cette tournée qu’Indochine investissait l’Olympia. Il avait fallu presque se battre pour obtenir des places tant la demande avait été forte.
C’est dans une ambiance survoltée qu’Indochine a fait son entrée avec une intro spectaculaire comme ils en font presque toujours en attaquant par un extrait de Paradise.

Clairement la set list se concentre sur les trois derniers albums en donnant une large part au dernier : La république des météors.
Force est de constater que toutes les chansons sont des tubes en puissance et que le public se les ait déjà approprié. On a parfois du mal à entendre le groupe tant les refrains sont repris en cœur par la foule.

On se dit qu’Indochine est une formidable machine à faire des tubes et à faire danser puisque l’ambiance n’est pas retombée pendant plus de deux heures.
La seconde partie du concert laisse un peu plus de place aux tubes historiques à travers un medley ou s’entrechoque Les tsars, Canary Bay et une excellente reprise de You spin me round de Dead or alive. Cela dit on aurait préféré avoir des versions intégrales car le principe du medley est toujours frustrant.
Miss Paramount fait son effet. Un petit intermède acoustique nous permet d’entendre Kao bang avec beaucoup de plaisir.
Puis c’est l’escalade avec Trois nuits par semaine et bien sur L’aventurier, qui est, qu’on le veuille ou non, une très grandes chanson hyper fédératrice. Le concert se clôt dans une atmosphère intimiste ou Nikola Sirkis fait une petite ritournelle seul au synthé.

Indochine a clairement proposé au public une très bonne prestation. Celui-ci lui a bien rendu par une ferveur que n’aurait pas dédaigné les fans de Patrick Bruel au début des années 90.

A titre personnel, j’aurais aimé entendre Monte Christo, Punishment park, Les sécheresses du mekong, La chevauchée des champs de blé et des extraits de Danceteria.
Cela aurait été de la nostalgie et clairement Indochine est désormais un groupe diablement actuel et c'est tout à leur honneur.

L'honnêteté et l'opiniâtreté paient...

Elmer Food Beat - Elysee Montmartre Paris, 12 juin 2009

2009-09-14T19:35:00.003+02:00

Note : 3/4

C’est avec la motivation d’une nostalgie coupable que j’ai pris le chemin de l’Elysée Montmartre pour voir Elmer Food Beat en concert. Voir le groupe Nantais en 2009 résulte d’un sentiment de frustration dormant depuis des années puisque je n’avais pas pu les voir au moment de leur apogée, il y a 20 ans. Tous mes camarades de lycée m’avaient à l’époque vanté avec un enthousiasme forcené les exploits scénique du groupe lors de leur tournée estivale des plages bretonnes.

Elmer Food Beat, c’est un peu au rock français ce qu’American Pie est au cinéma américain. C'est-à-dire une bonne dose de regressivité parfois vulgaire mais tellement irrésistible qu’elle avait sue séduire un vaste public. Cela avait même valu au groupe une victoire de la musique les honneurs du top 50 ainsi que des tournées internationale sold out. Clairement, on se dit que voir Elmer sur scène en 2009 ne peut tenter qu’un public majoritairement breton né entre 1971 et 1977. C’est d’ailleurs un public de cette génération qui avait investi l’Elysée Montmartre rempli aux deux tiers. Mais celui ci était en surchauffe totale. De nombreux clones de Manou arboraient le look de leur idole (Marcel, casquette, slip kangourou et épuisette).

C’est donc dans une ambiance de feu, que le groupe a investi la scène en dépotant une version tonitruante de la fameuse Caissière de chez Leclerc. Clairement Elmer s’imposait à l’époque comme le cousin de province des Wampas. Le jeu de scène de Manou ainsi que le punk rock carré du groupe n’avait pas grands chose à envier à celui de Didier Wampas et ses sbires. Les mélodies étant toutefois un peu plus bubble-gum. Par chance, c’est toujours cette impression que l’on a devant ce revival anachronique. C’est dire si on en prend plein les oreilles.

Le public reprend en chœur les paroles de Est-ce que tu la sens, Couroucoucou roploplo et Le plastique c'est fantastique. Il pogote avec enthousiasme sur Linda, L’intérieur, Jocelyne et Daniela tout en réservant un accueil plus que bon aux compositions moins connues du groupe. Il faut dire qu’au-delà de l’esprit potache et des paroles graveleuses, l’énergie, la mélodie et les refrains fédérateurs mettent tout le monde d’accord.

Ce fut malheureusement un concert un peu court, ce qui est quand même un comble pour les auteurs de l’album 30 cm. Le public les a réclamés assez longuement sans succès et ils ne sont revenus qu’une fois. C’est le seul point négatif de cette soirée du 12 juin, où à l’autre bout de Paris, au stade de France, comme l’a dit Manou, se produisait un groupe de tapettes.

Clairement, il valait mieux ce soir être avec les rockers nantais d’Elmer Food Beat, plutôt qu’avec les australiens d’AC/DC (surtout quand on avait déjà eu la chance de les voir à Bercy en février dernier...)

Neil Young - Zenith Paris, 4 juin 2009

2009-09-14T19:24:00.004+02:00

Note : 4/4

Le vétéran Neil Young est, chose assez rare, en tournée en France. Même s’il est un peu plus passé ces dernières années, il n’est venu à Paris que 6 fois depuis 16 ans.

Après deux Bercy, (avec Alanis Morissette et Oasis en première partie et un son épouvantable), une session acoustique au palais des congrès et deux soirs au Grand Rex (à des prix inabordables : Merci GDP), le canadien retrouvait le Zénith qu’il n’avait pas fréquenté depuis son passage en juin 1993 ou il était accompagné Booker T and the MG’s (que je n’ai malheureusement pas pu voir).

Neil Young, c’est l’un des musiciens les plus importants, singulier, éclectique, créatif et prolifique de ces 45 dernières années. De son passage psychédélique avec le Buffalo Springfield, à ses collaborations Folk divines avec Crosby, Still et Nash qui l’ont emmené à Woodstock, en passant par sa longue phase solo qui l’a vu passer sans discontinuer du folk pur (Harvest) au rock noisy grunge le plus radical (Mirrorball, Live Arc, Weld) et pondre une série de chefs d’œuvre ou l’on reconnaît toujours son style inimitable qui se bonifie avec le temps comme un bon Bordeaux (After the gold rush, Rust never sleeps, Live rust, Freedom, Zuma...), Neil Young n’aura jamais joué une fausse note.

Chanteur hyper émouvant, il est aussi et surtout un guitariste soliste ahurissant au son abrasif capable de vous emporter des tréfonds de l’orage à des envols cristallins calmes et d’une pureté inouïe. Quand on le voit sur scène, Neil Young fait littéralement corps avec sa guitare. On le sent happé par une fièvre hypnotique qui semble le porter vers des envols orgasmiques qu’il transmet à son public de façon brute et intense.

Hier soir, porté par un son extrêmement bien réglé, sans décorum, avec sa silhouette de vieux fermier grunge du Kansas et son attitude épileptique et habitée par sa musique le canadien a montré ce qu’il avait de meilleur pendant deux bonnes heures pleine d’intensité.

Sa set list parfaite donnait une large part à son répertoire électrique. Avec notamment Love and only love, Hey Hey my my, Keep on rocking in a free world, Peace and Love, Cinamon girl, Cortez the Killer, Like a hurricane, il ne manquait que peu de classiques (peut être Crime in the city, Powderfinger...). Son intermède acoustique l’a vu interpréter des standards d’Harvest comme Heart of Gold et Old man ou Pocahontas comme si l’on était au coin du feu.

Ses improvisations guitaristiques nous ont transporté, et parfois même assez loin. On pouvait avoir la sensation d’avancer dans une jungle sombre et impénétrable ou l’on progresse péniblement à coup de machette, et de se retrouver tout d’un coup dans une clairière calme et ensoleillée, presque bucolique avec une vrai sensation d’apaisement. A d’autres instants, on pouvait être foudroyé dans le fracas d’un tonnerre sonique volcanique.

Le concert s’est achevé sur une reprise transfigurée et éblouissante du A day in the life des Beatles. En étant complètement respectueux et fidèle à la composition et aux arrangements de Lennon et Mac Cartney, il s’est pourtant totalement approprié la chanson pour en livrer une magnifique version purement "youngienne"
A cet instant, on a envie de réécouter les Beatles et on se prend à rêver d’un album de reprises de la part du vagabond canadien.

Dire qu’il a mis d’accord le public sold out du Zénith est un euphémisme. Ce public était d’ailleurs multi-générationnel. Il y avait les vieux de la vieille, les trentenaires et chose plus surprenante énormément de jeunes de 18 /20 ans. C’est dire si la musique de Monsieur Young peut être fédératrice malgré une accessibilité pas forcement évidente.

Bref, ce fut un grand moment.

Johnny Hallyday - Stade de France Saint Denis, 29 mai 2009

2009-09-14T19:14:00.003+02:00

Note : 4/4

Je ne suis pas un fan de Johnny Hallyday. Sa musique, c'est pas vraiment mon truc. Pourtant, j'étais au Stade de France. C'est vrai que Johnny, c'est un cas à part, une vache sacrée, l'auteur de la bande originale d'un paquet de français, bref une icône patrimoniale. Tous les français savent qui est Johnny, tous les français aiment, même secrètement une ou plusieurs chansons de l'idole des jeunes. Pourtant, On a trop tendance à avoir de lui une image un peu déformée : celle d'un biker d'opérette qui crie optic 2000 dans la forêt, celle d'une marionnette et de sa boite à coucou, et de nombreuses couvertures qui se multiplient entre Paris Match et Télé 7 jours...

C'est pourtant là qu'on oublie l'essentiel : Johnny est avant tout un chanteur exceptionnel, une voie inimitable. Ce concert au Stade de France nous l'a rappelé et bien rappelé. Outre sa présence indiscutable, le professionnalisme ahurissant de son show et de ses musiciens Johnny sait tout chanter. Nous sommes face à un mec qui passe de la variété, au rockabilly, au rythme and blues, au rock américain et à la chanson française en écrasant tout sur son passage. Le concert a été un gros crescendo qui a fini par faire vibrer les 80 000 spectateurs de cette enceinte froide et silencieuse comme une station spatiale.

Bien sur tous les tubes n'y sont pas passés tant son répertoire est infini, cependant tous les très grands standards ont été joués ce soir : De Que je t'aime à L'envie en passant par Quelque chose de Tennessee, Toute la musique que j'aime et Le requiem pour un fou. A mes yeux, le meilleur moment a été cette virée sur une petite scène centrale (comme les Rolling Stones) qui laisse le temps de quelques chansons la place à du vrai rock basique en lieu et place du barnum sidéral de cette scène surplombé par un aigle de métal. A ce moment là, la magie et la finesse sont là. En reprenant Presley, Ray Charles et des standards comme Blue suede shoes, That's all right mama, Johnny nous livre des versions incroyables qui feraient pâlir de jalousie tous les Stray Cats de la terre. Les versions du Pénitencier et de Tennesse encadrent cet intermède des early sixties avec beaucoup de bonheur.

Après cela on s'est dirigé vers un bouquet final digne des plus grands groupes. Clairement, ce fut mieux qu'un show, car cela a été aussi un vrai concert. Johnny même avec un visage digne de la momie de Rascarcapac, a démontré à tout le monde que le Boss était encore bien là et qu'il savait mieux que quiconque donner à son public ce qui l'attendait. Pourtant, je le répète, Johnny, ce n'est pas vraiment mon truc. Pour preuve, la semaine dernière, j'ai aussi mis 4/4 à un concert. C'était celui de Turzi, qui bien que radicalement différent et totalement underground m'a autant fasciné...

Turzi - Point Ephémère Paris, 23 mai 2009

2009-09-14T18:50:00.003+02:00

Note : 4/4

Réveillez vous !!!!! On entend d'avantage parler de Paris pour sa scène de baby rocker que pour sa scène psyché, kraut, technoïde. C'est bien dommage !!!!
En effet, un microcosme de groupes porté par un micro buzz youtube et myspace rassemblent de plus en plus de public et pondent des albums et des singles proprement ahurissants !!!!

Ces groupes s'appellent Zombie Zombie, Aeroplane, Acqua nebula oscilator, Johakim... et les labels se nomment Versatile, Eskimo Recordings ou Pan European Recording. Une des figures tutélaires de cette scène est le groupe Turzi (du nom de son leader).
Après un très bon premier album intitulé A ou le groupe s'offrait même le privilège de revisiter Ennio Moricone et sa BO du clan des siciliens à la manière des Stooges, Turzi présentait au point éphémère son album à venir (septembre prochain) qui logiquement s'appellera B.

Après une première partie assurée par le groupe belge Aeroplane qui proposent probablement ce qui se fait de mieux en France en musique électronique en ce moment, Turzi a livré une prestation énormissime avec une qualité sonore fabuleuse.
Ce groupe a probablement réussit à trouver une formule magique qui récupère ce qu'il y a de mieux chez Hawkwind (période In search of space), Pink Floyd, Neu!, Can, Sonic Youth, My Bloody Valentine, Velvet Underground, Kraftwerk portée par des guitares stoogiennes et des riffs que n'aurait pas dédaigné le sabbath période Iron man.
De plus on peut aussi percevoir ici et là une pointe de Francois de Roubaix et un zest de Jean Michel Jarre période oxygène.
Loin d'être des clones, Turzi arrive à donner à ce patchwork d'influences une vrai modernité une singularité et une maturité phénoménale.

On se demande forcement pourquoi Turzi en est encore à jouer dans des salles comme le point éphémère alors que des groupes comme Air et Archive remplissent des Zenith.
Ils sont probablement tombé à une époque trop mercantile ou leur musique psyché-dark pourrait être une prise de risque pour une major ?
C'est dommage car le potentiel de ce groupe est considérable puisqu'il pourrait mettre d'accord une grande partie des fans des groupes dont il semble détenir l'héritage (voir au dessus).
Ils se contentent de vivre et faire leur musique en artisans même s'ils ont su séduire un public assez fidèle qui leur donne l'occasion de tourner en Europe et aux USA dans tout un tas de festival psyché.
Le concert du point éphémère était tonitruant, captivant, planant, hypnotique. Bref tout ce que l'on attend d'un concert de Rock.
Bien sur, il aurait pu être un peu plus long et théâtral, bien sur les intermèdes entre les chansons pourraient être optimisés.
Mais bon Dieu, que c'était bien !!!
Grand Dieu que l'album B va être ma priorité musicale de la rentrée !!!

On a la sensation d'être un privilégié qui assiste aux premières heures d'un groupe immense. C'est dire si je vais y retourner et encourager des gens à me suivre.
Clairement, c'est ce que l'underground peut offrir de meilleur.
Courrez voir Turzi et laisser vous emporter, c'est du lourd !!!

Anges et démons

2009-09-14T17:09:00.002+02:00

Le 14/05/2009
Note : 3/4

Premièrement il faut oublier tous les aprioris liés au Da Vinci Code. Anges et démons ne cherche en aucun cas à provoquer, à donner une vision contestable de la religion catholique.
Oui, Anges et Démons est un bon film ! Réalisé avec énergie et grand professionnalisme par Ron Howard, solidement interprété par des acteurs de premier plan ce film s'impose comme un super blockbuster. Il ne faut pas y chercher autre chose. Son scénario est digne d'une bonne BD : Une société secrète met un œuvre un plan machiavélique afin d'éradiquer le Vatican en plein conclave est contrarié dans ces projets par un spécialiste des symboles et de l'histoire religieuse. Les capacités de déductions de Langdon rivalisent avec celles d'Indiana Jones de Benjamin Gates et de Sherlock Holmes.
Mené tambour battant, le film nous tient en haleine du début à la fin malgré une multitudes d'incohérences et remplit sa mission de super divertissement. Il ne faut rien chercher de plus.

Je l'aimais

2009-09-14T17:05:00.002+02:00

Le 14/05/2009
Note : 4/4

Je l'aimais est un sujet mille fois traité. Nikita Mikalkov aidé par Mastroiani avait, avec Les yeux noirs, traité de manière éblouissante les remords et les regrets inaltérables d'une femme que l'on a laissé s'en aller.
Zabou Breitman s'est attaqué au sujet de manière clinique voire chirurgicale. Avec une sensibilité extrême et une suite de petits rien, elle met à vif des émotions de détresse, de joie avec énormément de justesse. Par une succession de scènes assez lentes, elle tient en haleine le spectateur et l'entraîne à la découverte de ces personnages et de leurs sentiments.
S'il est extrêmement bien réalisé et écrit, le film ne serait rien sans l'interprétation poignante et extraordinaire des acteurs. Daniel Auteuil est d'une justesse à toute épreuve et sait gérer les silences et fait ressentir les émotions de son personnage. Marie José Croze nous rend amoureux d'elle assez rapidement, avec son regard et son sourire ainsi que par l'intensité de son personnage. L'actrice jouant la belle fille de Daniel Auteuil livre quand à elle une prestation remarquable dans un registre dans lequel on a vite fait de se perdre.
Bien sûr ce film est un peu austère et mélancolique. Bien sûr il n'invente rien. Cependant, dans son genre, c'est une superbe réussite puisqu'il nous renverse d'émotions. Et le propre du cinéma n'est-il pas de transmettre des émotions ?

Good Morning England

2009-09-11T11:17:00.002+02:00

Le 14/05/2009
Note : 2/4

On peut regretter le titre racoleur qu'on choisit les distributeurs français de ce film. En voulant faire le lien entre le film Good morning vietnam qui a un sujet légèrement cousin avec ce film anglais réalisé par Curtis Hanson, ils ont manufacturé ce film qui vaut tout de même un peu mieux que çà. La découverte de l'intérieur par un jeune ado d'une radio pirates anglaises en pleine explosion rock en 66/68 est un prétexte pour Curtis Hanson de faire une friandise qui donne le morale. Servi par une bande son énorme reprenant tout un tas de standards du swinging london, le film présente une galerie de personnages hyper drôle et attachante dont les préoccupations sont de s'envoyer des bonnes vannes, de se taper le maximum de filles sans renier leur foi pour la musique.
Dire qu'on aurait aimé avoir leur job à la même époque est un euphémisme. Curtis Hanson nous fait passer un agréable moment, mais ce moment est une friandise, une excellente d'ailleurs : Aussi vite vu, aussi vite oubliée mais avec bonne humeur.

Star Trek

2009-09-11T11:08:00.002+02:00

Le 07/05/2009
Note : 3/4

Depuis plusieurs mois les trekkies étaient sur le pied de guerre dans l'attente de la sortie de ce revival Star Trek. La bande annonce soulevait des tempêtes sur les forums spécialisés. Spok s'énervait ce qui est antinomique pour un vulcain... Toutefois la globalité des fans hardcore de la série étaient présents dans les salles le jour de la sortie.
Il faut dire que l'idée de JJ Abhrams de donner un coup de fouet à cette franchise un peu essoufflée par des films qui peinaient pour ne pas sortir directement en vidéo était alléchante, d'autant qu'il arrivait avec un gros budget et un casting plutôt bien choisi. Le verdict est extrêmement positif. Avec un scénario habile reprenant sans trahison les codes de la série (voyage temporel, dimensions parallèles, caution et apparition de membres historiques de la série), l'USS enterprise et son équipage rajeuni est prêt à s'envoler pour de nombreux autres films sans perdre un trekkies en route et en emmenant un nouveau public. En effet les néophytes seront séduits par ce space opéra blockbuster rondement mené.
Certes, il ne faut pas non plus perdre de vue que Star Trek n'est pas Star Wars, que les effets spéciaux et le montage clipesque des scènes d'actions en caméra porté est parfois un peu B Movie (mais un très bon). Cela reste un très bons film de Science Fiction.

Alpha Blondy et Toots and the Maytals - Zenith Paris, 7 mai 2009

2009-09-11T10:57:00.004+02:00

Note : 3/4

C'est clairement la grosse affiche reggae parisienne de l'année. Le public ne s'y est pas trompé puisque même s'il n'est pas complet, le Zénith est bien rempli et l'atmosphère et l'ambiance ont été brûlantes.

Après deux groupes pour chauffer la salle, le vétéran jamaïquain Toots fait son entrée avec les Maytals devant un public chauffé à bloc et tout acquis à sa cause. Le moins que l'on puisse dire c'est que Toots sait faire réagir un public. Au delà de sa fameuse version de Louie Louie, il passe d'un reggae roots à des rythmes purement Ska qui font danser et bouger un public de connaisseurs pendant près d'une heure trente. On trouve beaucoup d'influences dans son reggae (gospel, funk, blues, jazz, ska). Bref ce fut un bon moment qui a sûrement mis la pression à l'autre star de la soirée, l'ivoirien Alpha Blondy.

C'est en superstar qu'Alpha Blondy et son groupe le Solar System ont investi la scène en attaquant avec Jerusalem. La basse est lourde, les cuivres tonitruants, bref c'est du lourd. Pendant plus de deux heures, ils ont clairement tabassé le public en ne lui laissant aucun répit. Tout était hyper rodé et s'enchaînait bien. Le reggae de l'ivoirien est teinté du meilleur afro beat. C'est dire si c'est physique. De nombreux tubes y passent (Sweet fanta diallo, Cocody rock, Brigadier sabary), Alpha reprend même du Pink Floyd avec une bonne version de Wish you were here. C'est particulièrement pro. C'est peut être d'ailleurs l'un des reproches que l'on peut faire au solar system : Le son d'ensemble était peut être un peu trop calibré et certaines versions un peu longues.

L'autre reproche que l'on peut faire , c'est les discours de niveau CE2 d'Alpha Blondy sur les politiciens corrompus, sur le fait qu'il faut supprimer la guerre et rétablir la paix partout. Certes c'est louable mais d'un niveau intellectuel à faire passer Sting et Bono pour des génies de la géopolitique. Mais au final, ce n'est pas si grave puisque c'est prétexte à faire du bon reggae.

Au final, le public est reparti content, il avait eu ce qu'il était venu chercher. Ce fut un triomphe pour les deux têtes d'affiche de la soirée !

Incognito

2009-09-11T10:53:00.002+02:00

Le 07/05/2009
Note : 1/4

Incognito est un film baudruche. Le sujet du chanteur à succès qui cache sa célébrité pendant trois jours à un ami auquel il a pris ces textes sans lui dire semblait séduisant. En effet, une série de gags intéressants auraient pu être envisageables. Parfois les idées sont là mais elles ne font pas mouches car on n'y croit jamais. La mise en scène est d'une platitude extrême.
Reste l'interprétation qui fait que le film reste divertissant et sympathique. Les premiers pas de Benabar devant la caméra sont réussis. Jocelyb Quivrin, l'heureux mari d'Alice Taglioni est juste comme toujours. Anne Marivin est craquante. Franck Dubosc fait son numéro qui n'appartient qu'à lui même et réussir à faire rire le public avec un personnage assez lunaire. Le film ne restera pas dans les annales mais se regardera sans déplaisir pendant une soirée zapping.

17 ans encore

2009-09-11T10:44:00.003+02:00

Le 01/05/2009
Note : 1/4

Quel trentenaire n'aimerait-il pas revivre ses années lycées dans la peau de Zac Effron dans un bahut américain rempli de jolie filles tout en préservant le recul, l'expérience et la maturité de son âge ? Ce serait l'occasion de renouer avec l'insouciance des ados et de se faire vraiment plaisir et de faire un film comique un peu trashy à la American Pie.
Malheureusement, ce n'est pas cette voie que prend le film. En effet, notre héros se retrouve face aux difficultés de ses enfants et profite de la nouvelle proximité qu'il a avec eux pour les aider et les remettre dans le droit chemin. Il en profite aussi pour tenter de re-séduire sa femme qui a vingt ans de plus que lui.
On avait déjà vu ce type d'approche en mille fois mieux dans Retour vers le futur. En effet, dans ce film tout est convenu, bien pensant, politiquement correct, sans surprise, aseptisé. De plus la dernière mode est d'associer au personnage principal un meilleur pote geeks. 17 ans... ne faillit pas à la règle mais ne tire jamais profit de ce personnage qui aurait pu être plus présent ou plus fouillé. Cette vision de la jeunesse de propagande bercé de Disney est aussi caricaturale, tout en étant son opposé que celle des films de Larry Clark. Bref il s'agit d'un film mièvre sans intérêt qui pourra néanmoins séduire quelques pré-ados.

X-Men Origins: Wolverine

2009-09-11T10:29:00.004+02:00

Le 01/05/2009
Note : 2/4

On retrouve avec plaisir Wolwerine, le mutant teigneux aux griffes d'acier dans cet opus qui revient sur ces origines. Hugh Jackman reprend le rôle qui a fait son succès avec un plaisir évident. Le film est un super divertissement dans lequel on ne s'ennuie pas une seconde, avec de nouveaux mutants aux pouvoirs toujours aussi surprenants. L'intrigue reste assez classique : Un général forme une unité d'élite composé de mutant, puis cherche à faire des manipulations génétiques sur eux afin d 'obtenir l'arme absolue qui lui permettra d'éliminer tous les mutants et d'assouvir sa soif de pouvoir.
Tout est très efficace et rondement même si on tombe dans la surenchère d'effets spéciaux avec une fin grand-guignolesque qui prend trop de place dans le film. La densité et l'intérêt psychologique des trois premiers films n'est cependant pas aussi fort dans ce nouvel épisode. Mais surtout on regrette que l'excellente idée du générique n'est pas été exploitée car elle mériterait un film à elle toute seule ou des flash back à la Highlander. En savoir d'avantage sur Logan et son frère en tant qu'acteurs de toutes les guerres (de la guerre de sécessions à la guerre du viet nam) aurait été vraiment mieux que ces péripéties un peu convenues (retraite avortée, vengeance, dualité fratricide caricaturales). Néanmoins pour les amateurs du genre Wolwerine est un vrai plaisir.

Les Wampas + Les Brats - Casino de Paris, 30 mars 2009

2009-09-11T10:12:00.003+02:00

Note : 3/4

Les Wampas sont la preuve que Dieu existe. C'est ce que prétend fièrement le nouveau CD de ce groupe historique qui écume toutes les salles de l'hexagone depuis 1983.
Mené par leur leader charismatique Didier Wampas dont le jeu de scène assimilable à celui d'un Iggy Pop sur ressorts sortant de sa boite tel un diablotin survolté, ce combo composé par des musiciens super efficaces (anciens des Dogs, des Satellites et de La Mano) envoie un punk rock yéyé hyper efficace devant un public en ébullition et acquis à sa cause.

Pour ceux qui ne les ont jamais vu leurs concerts peuvent se décrire comme de gigantesques happenings plein de générosité ou tout peut arriver : escalade des balcons par Didier Wampas, scène envahie par des hordes de fans féminines portant en triomphe Didier Wampas, séance de sauts de trampoline au milieu du public, embrassade de tout le public, slams rageurs, reprise décalées, invités surprises détonants (Patrick Juvet, Nikola Sirkis...).

Le concert d'hier n'a pas failli à la tradition.
La première partie était menée par Les Brats, groupe étendard de la scène des baby rockers parisien. Même s'ils se sont bien améliorés depuis leur première partie de l'iguane au Zénith il y a quelques années, leur prestation est restée, à l'instar de tous les groupes de cette scène, poussive et sans originalité.

Ver 21H00, les lumières se sont éteintes et les Wampas sont entrés sur scène sur une musique chinoise et ont balancé une rafale de titres historiques (Comme un punk en hiver, L'aquarium tactile, Rising) mêlé à des titres de leur nouvel album (Georges Marchais) pour prendre leur marques et chauffer le public.
L'ambiance est montée d'un cran lors des premier stage diving de Didier Wampas et son escalade du balcon par la face Nord. Par la suite les grands moments du concert furent la version déglinguée de My way, comme d'habitude, la reprise de l'idole des jeunes, le pogo de Ce soir c'est noël, les déambulations de Didier embrassant tout le monde sur Kiss, la folie sur la scène pendant Petite fille et le duo anachronique avec l'invité surprise du soir qui n 'était autre que la reine de la nuit Régine sur La grande Zora.
Le concert s'est terminé par une nouvelle traversée de la salle de Didier Wampas qui serrait des mains à tout le monde à la sortie de la salle.

Même si pour ceux qui les ont déjà vus le concert du Casino de Paris était relativement sans surprises par rapport aux tournées précédentes, il n'a pas failli à la réputation du groupe et a ravi le public. Clairement s'il est un truc que les Wampas ont compris, c'est la communion avec le public. De ce point de vue là ils ne sont jamais décevants même si certains concerts sont supérieurs à d'autres.
Néanmoins, c'est toujours un bon moment et un vide à combler pour ceux qui ne les ont pas vus.

Les baby Rockers, Pete Doherty et la plupart des groupes à la mode feraient bien de s'inspirer de l'engagement des Wampas sur scène et vis à vis de leurs fans et de ne plus proposer des concerts de 50 minutes dénué de professionnalisme. Ça leur permettrait de durer et de prouver qu'ils valent quelque chose. De ce point de vue là, les Wampas n'ont plus rien à prouver.

The Stranglers - Olympia Paris, 5 février 2009

2009-09-11T09:42:00.002+02:00

Note : 1/4

En 30 ans de carrière, Les Stranglers n'étaient jamais passés par l'Olympia. C'est une salle presque comble, peuplée de trentenaires grisonnants qui attendait les hommes en noir pour une tournée best of.

Ces dernières années ont vu pas mal de changement dans le groupe. Paul Roberts, le remplaçant d'Hugh Cornwell a lui aussi quitté le groupe. Il est remplacé par Baz Warme un ancien Toy Dolls qui assure aussi la guitare. Les Stranglers investissent donc la scène avec une grosse énergie et enchaînent la multitude de tubes qui ont jalonné une carrière qui les a vu vendre près de 30 millions d'albums. Jet Black, n'est pas là, il est remplacé par son roadie.

Le son n'est malheureusement pas au rendez vous et c'est clairement le gros point noir de cette soirée. A vouloir jouer dur et énergique, certaines caractéristiques du groupe ne ressortent pas. Le son d'ensemble est un magma brouillon indigne du talent des Stranglers et à peine supérieur à un groupe chevronné de pub londonien. La basse au combien importante de Jean Jacques Burnell n'a pas son son lourd et caractéristique et ne ressort pas du magma sonore. Les claviers de Dave Greenfield sont étouffés par le son trop violent de la batterie du remplaçant de Jet Black. Bazz Warme ne s'en sort pas trop mal même s'il n'a pas la finesse vocale et guitaristique ni le charisme de Hugh Cornwell. Il est toutefois bien Meilleur que Paul Roberts.

Au final si les chansons sont bonnes (No more heroes, Always the sun, All day and all of the nignt, Peaches...) et plaisantes, les versions proposées ce soir sont toutes inférieures aux versions des albums. A titre personnel l'impasse totale faite sur l'album Feline n'arrange pas les choses.

On ne peut cependant pas dire que le concert était mauvais, car les Stranglers ont quand même énormément de bonnes chansons et de l'énergie à revendre. On attendait simplement mieux.

AC/DC - Bercy Paris, 27 février 2009

2009-09-08T13:29:00.002+02:00

Note : 3/4

On ne change pas une formule qui fonctionne. Cela pourrait être la devise d'AC/DC. En effet depuis 35 ans la ligne directrice du groupe australien n'a pas dévié d'un millimètre.
Leur Rock influencé par du blues gonflé à la testostérone est toujours aussi percutant. Toutes les chansons sont des hymnes fédérateurs avec des riffs tranchants hyper efficaces, des refrains qui claquent que l'on reprend à l'unisson avec des solos incisifs et franchement géniaux.

Même si Angus Young par son talent, son charisme et son jeu de scène éclipse le reste du groupe, il faut insister sur le fait que la base rythmique (batterie, basse et guitare de Malcolm Young) d'AC/DC est proprement hallucinante , puissante et soudée comme aucune autre. Brian Johnson est un bon frontman dans son style camionneur de caricature qui arpente la scène de long en large tout en invectivant le public.

AC/DC, c'est aussi des chansons. Ce soir ils ont joué comme à leur habitude un gros best of : Highway to hell, Hell's bells, Back in black, TNT, You shook me all night long, Let there be rock, Wholla lotta rosie, The jack, Dirty deeds...
Clairement pas une mauvaise chanson, même moyenne n'est à signalée, les extraits du dernier album ont fait mouche (Rock and roll train, Black ice). Quand on entend l'intro et la montée de Hell's bells, le refrain de Highway to hell ou de TNT et les solos d'Angus Young sur Let There be rock, on se dit qu'on assiste à un moment exceptionnel.

Pourtant, malgré tout cela , on a une très légère déception. En effet, même si on le sait en y allant, on est plus vraiment dans un concert de rock mais dans un grand spectacle barnum super bien formaté.
Aucune place n'est laissée à l'improvisation, tout es calibré. AC/DC s'adresse au grand public et vient lui donner ce qu'il attend, ce qui est respectable mais manque parfois un peu de spontanéité de naturel et de nouveauté.

Le show pyrotechnique avec poupée gonflable sur Whola lotta rosie, cloche géante sur Hell's bells et coup de canons à la fin est le même depuis 20 ans. Le solo d'Angus Young sur Let There be rock n'a pas varié depuis trente ans. Les versions des chansons, même si elles sont super bien interprétées, mériteraient d'être tirées en longueur ou de jouer d'avantage avec le public.

Angus Young et Brian Jonhson semblent un peu prisonniers de leurs personnages de scène hyper caricaturaux. Il faut dire qu'ils n'ont plus vingt ans et que l'énergie de leur jeu de scène si elle est toujours présente et bien mise en scène est quand même beaucoup moins délirante et épileptique qu'à leurs débuts ou que celle qu'ils affichaient lors des grands shows des années 90 (voir les dvd Plug me in, No bull ou Donington). En même temps, s'ils ne jouaient pas cela, le public serait déçu et crierait à juste titre au scandale.

Au final, on passe un bon moment devant ce grand show calibré joué devant un public survolté, mais le coté vraiment trop "entertainment" pop corn fait qu'on est pas pris aux tripes comme on l'avait imaginé.

Pourtant çà vaut le détour car c'est du très haut niveau. On est dans le camp des mastodontes (Rolling Stones, U2, Pink Floyd). Peu de groupes peuvent tenir la comparaison sur scène. Ce qui est déceptif, c'est en réalité le poids de la légende.